BUALA

Uma instalação de Luquebano Afonso.

Este sábado das 14h30 às 20h no Festival Todos.

Localização: Jardim da Quinta Alegre/ Campo das Amoreiras (Ameixoeira).

14h30 às 19h - Instalação

19h às 20h - DJ set: Lucky + Ricardo Pinto (trompete) + Hugo Menezes (percussão).

Equipa

Instalação/performance

Luquebano Afonso: autoria

Levina Valentim: curadoria

Aline Pinto: produção

Performance ao vivo

Luquebano Afonso: deejaying

Ricardo Pinto: trompete

Hugo Menezes: percussões

Violette Elikya Georg Afonso: piano (áudio)

„Luta ca caba inda“ é o mote para continuarmos nesta aventura de sonhar e de tomar emprestado sonhos de outros sonhadores. Da primeira imagem de Amílcar Cabral em 1972, feito por guineenses, ao mais recente filme de Sana na N‘Hada em 2022 foram 50 longos anos; do início da construção do cinema guineense à construção do arquivo de Malafo foram longos sonhos; de Enxalé a Malafo não é tão grande a distância, mas juntar Farim, Berlim, Bissau, Porto, Lisboa, Sonaco e Malafo só mostra como o mundo é pequeno quando partilhado em grande.
A Mediateca Abotcha é um espaço germinado da colaboração entre a Geba Filmes, a Comunidade de Malafo e outros amigas e amigos para criar acesso ao arquivo audiovisual da Luta da Libertação, e a tão sonhada biblioteca de Malafo (a Bibliotera), florindo num espaço de encontros para além das primeiras sementes. Na Abotcha, que significa “na terra” em Balanta, estão sempre presentes outras formas de cultura, de agricultura e de escultura da alma, e também outras formas de mediações contemporâneas e transmissões mediúnicas de saberes.
É dentro deste espírito que a convidamos a comemorar connosco o início de um novo percurso neste velho caminho de terra e de „luta ca caba inda“, em Malafo (entre Jugudul e Bambadinca), para a inauguração da Mediateca Abotcha. 

PROGRAMA
14:00 Boas vindas com Pereira e Bedan Na Onça, apresentação da Mediateca Abotcha
15:00 “A pesca do arco-íris”, performance poético-musical com os jovens de Malafo
15:30 Mostra do arquivo da luta de libertação (Semana da Informação, Conacri, 1972, e Declaração da Independência em Boé, 1973) com Sana na N‘Hada e Flora Gomes
16:00 Gigantone Cabral a caminho de Bafatá CTO
16:30 Kabas-garandi (refeição)
17:30 Mostra do filme Nossa Terra, 1966
18:30 Encerramento

Sana na N’Hada, Flora Gomes, Suleimane Biai, Filipa César, Marinho de Pina e Pereira na Onça.

Quarta-feira, 14 de setembro, às 21h30, na Cinemateca Portuguesa

Após assinar “Carta ao meu Avô” e “Despojos de Guerra”, Sofia Pinto Coelho estreia-se no cinema com uma aventura por Cabo Verde, São Tomé e Guiné-Bissau com dois protagonistas improváveis: Daniel, de 83 anos, e Daniela, de 12.

A história de um pai que leva a filha numa viagem às suas origens e que se torna num diálogo sobre racismo, herança colonial, memórias familiares e aspirações individuais que percorre mais de cem anos de História. 

Entre risos, canções e livros, tudo o que irão encontrar pelo caminho é pretexto para aquele que é um dos maiores colecionadores em Portugal de livros sobre a África lusófona deixar conhecimento e pensamento crítico à sua filha, preparando-a para o futuro com o coração cheio de esperança e liberdade.

Documentário  82 min  2022

Guião / Script
Sofia Pinto Coelho
Vozes / Cast
Sofia Pinto Coelho
Actores / Cast
Daniel Nunes, Daniela Nunes
Argumento e Diálogos / Dialogues and Screenplay
Sofia Pinto Coelho
Fotografia / Photography
Pedro Castanheira
Música / Music
N/A
Montagem / Editing
Sofia Pinto Coelho
Produtor (pessoa singular) / Producer
Pandora da Cunha Telles e Pablo Iraola
Coprodução / Coproduction
SIC

Conversa entre o autor Paulo Moreira, e Julia Albani. 23 de Setembro às 19h, na livraria pop-up da Galeria Antecâmara.

Numa época em que a arquitetura e os estudos urbanos tendem para aceitar e compreender os bairros informais, ao invés de ignorar ou erradicá-los, torna-se cada vez mais urgente a experimentação no terreno. Em anos recentes, um número crescente de arquitetos tem vindo a consciencializar-se do facto destes assentamentos estarem cá para ficar, e precisarem de intervenções seletivas. Critical Neighbourhoods – The Architecture of Contested Communities analisa estudos recentes e ações práticas em três continentes distintos (África, América, Ásia). A publicação é editada por Paulo Moreira, com contributos de Elisa Silva, Julia King, Matthew Barac e Ines Weizman, e um prefácio de AbdouMaliq Simone.

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EN

At a time when architectural and urban studies are moving towards seeking to accept and understand informal neighbourhoods rather than ignoring or eradicating them, the need for experiments on the ground is becoming increasingly urgent. In recent years, a growing number of architects and spatial practitioners have begun to act on their commitment to the idea that these settlements are here to stay and require selective intervention. Critical Neighbourhoods – The Architecture of Contested Communities analyses recent studies and practical actions in three different continents (Africa, America and Asia). The volume is edited by Paulo Moreira, with contributions by Elisa Silva, Julia King, Matthew Barac and Ines Weizman, and a preface by AbdouMaliq Simone.

Cabeças Cortadas não é uma ficção visionária; é uma obra assente em realidades ferozes que nem pandemias nem guerras substituem.  Explorando um mundo de disfunções que se têm tornado estruturantes, revela-o nos meandros mais impensados das relações sociais.

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Livros Flauta de Luz | distribuição Antígona

Escrito mais de dez anos antes da eclosão da pandemia de covid-19 e da catástrofe sanitária e moral daí resultante, este conjunto de contos de Pedro Bravo manifesta perturbantes premonições do que passou a estar em curso no mundo: uma continuada repetição de desastres consubstanciais ao desenvolvimento.

Mas, abarcando também épocas anteriores à nossa, Cabeças Cortadas não é uma ficção visionária; é uma obra assente em realidades ferozes que nem pandemias nem guerras substituem, embora as empiorem. Explorando um mundo de disfunções que
se têm tornado estruturantes, revela-o nos meandros mais impensados das relações sociais, quer se trate, por exemplo, de experiências médico-farmacêuticas com o corpo humano ou da necessária dependência mortal de drogas psicotrópicas.

Livro ilustrado, Cabeças Cortadas constrói-se sobre uma geometria visual de palavras e ideias não pacíficas de que decorre um paradoxal realismo semântico. Acoplamentos voluntários no ritmo dos contos desvendam, num delírio negro, duplos sentidos e amiúde miríades de significados. Mas a poderosa e ágil estrutura da composição literária não deixa que desta miríade decorra confusão. O sentido devém acção. Sexual, sem nunca ser descritivo, vibrante de fúria e imaginação, Cabeças Cortadas – cuja personagem central é o corpo humano – deixa-nos o registo de que as nossas sociedades assentam numa violência grandemente oculta.

Pedro Bravo publicou anteriormente os livros Verbo Vermelho, na Fenda, e Manual de Resistência Civil, na Letra Livre.

Desenhos da capa e do interior: Miguel Carneiro. Grafismo e paginação: Pedro Mota.

Sáb, 10 set 2022 / 19:30 – 20:30
Bilhetes

Concebido no âmbito da programação paralela da exposição Europa Oxalá, este espetáculo prolonga reflexões sobre o passado colonial e os seus efeitos no presente, suscitando questões em torno da memória, da identidade e do luto.

Cortesia António Castelo.

FANUN RUIN começa no encontro com os crânios timorenses em Coimbra. Começa no revoltoso timorense desterrado para Angola e na angolana que se desterra. Começa nas perguntas.

Como eram os rostos dos decepados? Onde estão os restos dos corpos dos crânios?

Quando retornam os ossos usurpados? Quem os espera?

Quem ainda se lembra? Quem quer esquecer?

Como encarnar os ossos?

A atriz fala. Põe na voz a vida.

0: Ritos de Lorosae.
1882: Desterramento.
35: Crânios.
1959: Revoltosos.
1959: Desterramento.
1974: Autodesterramento.
2021: Ossos usurpados.
2022: FANUN RUIN

Cortesia Neusa Trovoada

Ficha Técnica

Autoria, Direção e Interpretação Zia Soares

Direção de arte Neusa Trovoada

Cocriação de vídeos António Castelo

Música Xullaji

Cocriação de movimento Lucília Raimundo

Iluminação Mafalda Oliveira

Elenco de vídeo Agostinho de Araújo, Aoaní Salvaterra, Domingos Soares, Fátima Guterres, Lídia Araújo, Lucília Raimundo, Manuel de Araújo, Priscila Soares

Assistência à cenografia Carlos Trovoada, Nig d’Alva

Técnico de som Luís Moreira

Fotografia António Castelo

Assistência geral Aoaní d’Alva

Cabelos Zu Pires

Maquilhagem Ana Roma

Produção Fundação Calouste Gulbenkian, SO WING

Apoios Centro Cultural da Malaposta, Polo Cultural Gaivotas Boavista

Zia Soares é uma artista apoiada pela apap – Feminist Futures, um projeto cofinanciado pelo Programa Europa Criativa da União Europeia

Agradecimentos Domingos Soares e Priscila Soares, Agostinho de Araújo, Ana Alves, António Soares Nunes, Bruno Sena Martins, José Amaral, Luís Costa, Manuel de Araújo

Inauguração: 23 setembro, 18h 

24 setembro a 5 novembro (quarta a sábado, das 15h às 19h)
entrada livre

Hangar - Centro de Investigação Artística.

Com curadoria de Ana Balona de Oliveira, esta exposição apresenta uma das mais recentes séries fotográficas do artista, realizada no bairro Cazenga em Luanda, entre 2017 e 2018. Tendo sido anteriormente mostrada a solo apenas na Cidade do Cabo, na África do Sul, em 2019, “Factory of Disposable Feelings” é apresentada agora pela primeira vez em Lisboa numa nova configuração, incluindo imagens inéditas.

Esta série dá continuidade às indagações que singularizam a obra de Chagas, nomeadamente a atenção às relações vivenciais e afetivas que os sujeitos estabelecem com objetos e espaços quotidianos, contrariando rápidos ritmos de consumo através de um olhar desacelerado que perscruta em proximidade matérias, formas e texturas descartadas. 

Contudo, a série marca simultaneamente uma espécie de viragem, na medida em que, ao contrário de séries anteriores realizadas em vários espaços públicos urbanos a Norte e a Sul, vagamente identificados (as ruas e praias de Luanda, Veneza, Londres e Newport, etc.), nesta série, pela primeira vez, o fotógrafo concentrou-se nos espaços interiores e exteriores de uma arquitetura específica. Trata-se da Fábrica Irmãos Carneiro no Cazenga, em Luanda, uma antiga fábrica têxtil fundada no período colonial, que, pertencendo a uma família luso-angolana, continuou a laborar após a independência de Angola e durante as várias fases da guerra civil (1975-2002), produzindo lençóis, fraldas e uniformes militares, etc. Mais recentemente, foi redirecionada para a produção de utensílios agrícolas, tendo sido parcialmente abandonada.

Através da sua própria experiência corpórea e afetiva do espaço e de conversas não só com os seus donos, mas principalmente com os seus antigos trabalhadores, muitos dos quais se tornaram seguranças do edifício após o encerramento da fábrica, Chagas compôs uma espécie de retrato em sequência aberta, simultaneamente íntimo e dialógico, de um espaço múltiplo: situado algures entre as particularidades desta arquitetura e as dinâmicas alargadas do bairro, da cidade e do país; entre a história coletiva e a memória individual; entre a objetividade concreta da matéria e da máquina (tanto a fabril como a fotográfica) e a subjetividade da experiência e do olhar. A intensidade das vivências partilhadas impregnou de memória os objetos e o espaço, que, embora evidenciando perda, se transmutaram em arquivos afetivos excedendo poeticamente os limites do visível e do documentável. Símbolo do próprio país em suspenso e dos vários projetos de suposta modernidade e modernização que atravessaram a sua história, a fábrica abandonada nunca deixou de ser reocupada, reapropriada e reativada por um ativo labor de memória e desejo, incluindo as futuridades passadas e presentes que falta cumprir.  

Com a presença de MARIANA CALÓ e FRANCISCO QUEIMADELA, ALEXANDRA CUESTA, PAULA GAITÁN, BORIS LEHMAN e JOÃO VIEIRA TORRES, o Doc’s Kingdom 2022 inicia às 18h de quinta-feira, 1 de setembro e termina ao meio-dia de terça-feira, 6 de setembro.

As inscrições estão abertas ao público, por ordem de chegada, no formulário de inscrição.

A inscrição (190€) inclui todo o programa do Doc’s Kingdom 2022 em Arcos de Valdevez (sessões de cinema, debates, refeições, passeios e outras actividades), entre 1 e 6 de setembro. A inscrição diária (50€) inclui todo o programa do dia correspondente.

O seminário Doc’s Kingdom é concebido como uma experiência imersiva, com três sessões de cinema por dia a partir das 10h, um programa surpresa até ao início de cada projecção, debates ao ar livre com e entre cineastas, refeições de convívio e passeios.

A cineasta e fotógrafa Alexandra Cuesta vive e trabalha entre o Equador e os Estados Unidos. Os seus vídeos e filmes em 16mm são retratos de lugares públicos, paisagens urbanas e das pessoas que os habitam. Reminiscente de práticas documentais como a fotografia de rua, o trabalho de Cuesta está enraizado na sensibilidade poética e lírica da vanguarda, combinando práticas documentais e antropologia visual, investigando a reciprocidade do olhar na representação baseada no tempo.

Ao longo de cerca de 45 anos, o cineasta belga Boris Lehman realizou e produziu mais de 75 filmes, entre curtas e longas-metragens, documentário e ficção, ensaios e autobiografias, trabalhando essencialmente em 8mm, super8 e 16mm. A obra de Lehman invade espaços pessoais – a sala de estar, o estúdio do artista, o álbum de fotografias. Contrastando com essa intimidade está uma nota quase etnográfica, trazida pela forma como o pessoal se torna o universal.

João Vieira Torres, artista franco-brasileiro, vive e trabalha em Paris desde 2002. Vieira Torres utiliza diversas formas de expressão artística: a fotografia, o cinema, a videoarte e a performance. Um dos principais eixos do seu trabalho é a questão do “ser-se estrangeiro” e as formas de instabilidade e rupturas de perspectiva que nelas se originam, a dificuldade de estabelecer raízes ou âncoras, sejam elas em relação ao território, à identidade, ou ao próprio corpo.

Mariana Caló e Francisco Queimadela são artistas pluridisciplinares que trabalham como dupla desde 2010, desenvolvendo a sua prática através do uso privilegiado da imagem em movimento, tanto na realização de filmes como em conjugação com o desenho, a pintura, a fotografia ou a escultura em contextos expositivos. O interesse pelo diálogo entre o biológico, o cultural e o vernacular é recorrente no seu trabalho.

Paula Gaitán, artista plástica, fotógrafa, escritora e realizadora, começou a trabalhar em cinema em 1978 quando, a convite de Glauber Rocha, fez a direcção de arte no filme “A Idade da Terra” (1980). Entre curtas e longas-metragens, realizou cerca de 15 filmes como, entre outros, “Uaka” (1988) ou “Exilados do Vulcão” (2013). Em 2021, foi homenageada na Mostra de Tiradentes e estreou o épico “Luz nos Trópicos” (2020) na Berlinale. Em 2022, foi artista convidada da DAAD, em Berlim. Transgredindo normas e convecções, a obra radical de Gaitán fortalece um diálogo com as artes visuais, a fotografia e o som, transitando entre uma abordagem pessoal e intimista e uma perspectiva etnográfica.

Boas Vindas ao Doc’s Kingdom 2022 com The Netherlands Film Academy e Stereo Editions

O acolhimento do Doc’s Kingdom 2022 tem lugar na sala de debates do seminário, no Centro Paroquial de Arcos de Valdevez, dia 1 de setembro às 18h, com a presença do cineasta galego Alberte Pagán, para a apresentação do seu livro “Emotional Materials/Personal Processes”, publicado pela Stereo Editions, que junta seis entrevistas com cineastas experimentais como Peter Kubelka ou Ken Jacobs, realizadas ao longo de várias edições do mítico S8 — Festival de Cinema Periférico, realizado anualmente na vizinha Corunha.

Em colaboração com o novo Master of Film, artistic research in and through cinema da Netherlands Film Academy, um grupo de sete estudantes, acompanhado pela professora e cineasta galega Diana Toucedo, apresenta uma conversa colectiva sobre processos criativos, observação, escuta e atenção, inaugurando o círculo de debates do Doc’s Kingdom 2022.

O encontro de boas vindas ao Doc’s Kingdom 2022 realiza-se no âmbito do programa de residências e bolsas Dear Doc, desenvolvido com o apoio da Fundação Calouste Gulbenkian.

Paula Gaitán, Mariana Caló e Francisco Queimadela na sessão de abertura do Doc’s Kingdom 2022

A primeira sessão do Doc’s Kingdom 2022, dia 1 de setembro, às 22h, na Casa das Artes de Arcos de Valdevez, apresenta uma miniatura burlesca de Mariana Caló e Francisco Queimadela, seguida de uma viagem sónica guiada pelos gestos indomáveis do encontro entre a câmara de Paula Gaitán e a guitarra de Arto Lindsay, num filme que é um retrato do músico radicado no Brasil, mas antes de tudo um documentário sobre a própria ideia de som e sobre a relação entre o corpo e a música.

Centenário NANOOK com The Flaherty Film Seminar

Allakariallak no filme Nanook of the North (1922)

Em colaboração com o Flaherty Film Seminar, fundado por Frances Flaherty em 1954, o Doc’s Kingdom 2022 organiza uma sessão especial de Nanook of the North (1922), de Robert Flaherty, no domingo 4 de setembro, seguida de debate com a participação de José Manuel Costa, director da Cinemateca Portuguesa, fundador do seminário Doc’s Kingdom e participante no 25th Flaherty Film Seminar, em 1979.

Residentes Dear Doc com o apoio da Fundação Gulbenkian

O programa Dear Doc, desenvolvido desde 2016 com o apoio da Fundação Calouste Gulbenkian, cria um contexto internacional de colaboração para um grupo de residentes no seminário Doc’s Kingdom. Em 2022, para além do grupo de residentes com bolsa, o programa Dear Doc inclui uma série de sessões online e uma colaboração com o Master of Film, artistic research in and through cinema da Netherlands Film Academy.

São residentes Dear Doc 2022:

Agnieska Szeffel — Curadora independente, fundadora e programadora da secção “Lost Lost Lost” no festival internacional de cinema New Horizons, na Polónia. Agnieska é autora do livro “Pedro Costa: An Unwritten Story” (2018) e encontra-se a preparar um programa de cinema português para a edição de 2023 do festival New Horizons.

Cátia Rodrigues — Programadora no Festival Curtas Vila do Conde e no CineNova, editora e crítica no CINEblog IFILNova. Licenciada em Filosofia pela U. Porto, Cátia está actualmente a escrever a sua dissertação de Mestrado em Estudos Artísticos na U. Nova de Lisboa em torno do gesto de mostrar enquanto gesto ético-estético fundacional no cinema de Abbas Kiarostami.

Clara Jost — Realizadora, licenciada pela Escola Superior de Teatro e Cinema. Autora do premiado “Meine Liebe” (2020), Clara terminou recentemente o seu novo filme por estrear, “Cosas bonitas y un par de tragedias”, no âmbito do Mestrado em Artes Audiovisuais que realizou na KASK, em Ghent, na Bélgica, com o apoio da bolsa de estudos da Fundação Gulbenkian.

Fernando Restelli — Realizador argentino a viver e a trabalhar em Lisboa, onde se encontra a realizar o seu projecto final do DocNomads Masters in Documentary Film Directing. Fernando terminou recentemente o seu novo filme por estrear, “Searching for Boris Lehman”.

Ghada Fikri — Realizadora egípcia a viver e a trabalhar em Bruxelas e Lisboa, onde se encontra a terminar o DocNomads Masters in Documentary Film Directing. Realizadora do premiado “As you can see” (2020), Ghada licenciou-se e foi depois professora na German University in Cairo.

Helena Gouveia Monteiro — Artista visual e e realizadora de cinema experimental, vive e trabalha em Dublin, onde co-dirige o LUX Critical Forum. Helena é co-fundadora da Stereo Editions, que publicou recentemente “Emotional Materials/Personal Processes - Six Interviews with Experimental Filmmakers”, de Alberte Pagán.

Kinga Nguyen — Finalista de Sociologia na Universidade de Varsóvia, prepara uma tese onde analisa a identidade social criada através do humor por grupos de extrema direita na Polónia. Kinga é polaca, de origem vietnamita, e encontra-se a estagiar na produtora portuguesa Kintop, como assistente de montagem no novo filme de Susana de Sousa Dias.

Maria Patrão — Realizadora, licenciada pela Escola Superior de Teatro e Cinema. Realizou o filme “Meia Luz” (2021), vencedor do Prémio Pedro Fortes para Melhor Filme Português na secção Verdes Anos do festival Doclisboa. Maria encontra-se actualmente na Elías Querejeta Zine Eskola, onde dá continuidade ao seu trabalho sobre o cineasta António Reis no Mestrado em Film Preservation Studies, com o apoio da Fundação Calouste Gulbenkian.

Teresa Chow — Artista visual, licenciada em escultura pela Faculdade de Belas Artes da U. Porto, pós-graduada em motion design na ESAD Matosinhos. Teresa desenvolve uma prática artística transdisciplinar, em imagem em movimento, edição, escultura ou publicação, tendo colaborado recentemente com o Cineclube Campo Aberto.

A Cinemateca com o Doc’s Kingdom

Depois do seminário em Arcos de Valdevez, Boris Lehman apresenta duas sessões na Cinemateca Portuguesa, a 8 e 9 de setembro: “Symphonie” (1978) e “L’Art de s’égarer” (2014); “Funérailles - De l’art de mourir” (2016). As duas sessões constituem mais uma oportunidade de revisitar o trabalho de Lehman, de conversa e discussão com o realizador.

27 de Agosto, a partir das 11h30, no SESC-Pinheiros, em São Paulo.

Curadoria: Marta Mestre, Eduardo Sterzi, Veronica Stigger

Sinopse:
“Desvairar 22” é uma exposição que interroga a imaginação do tempo no modernismo brasileiro e na “Semana de Arte Moderna” (1922). Esta interrogação surge através de uma “trama” de imagens, acontecimentos e produção literária ancorada numa imagem inesperada e extemporânea: o Egipto. Desvairando com os modernistas daquela época, a exposição constitui-se a partir de mais de 250 obras e de uma montagem “desierarquizada” que procura desordenar, com delírio, o modo como percepcionamos a história. “Desvairar 22” é uma contribuição especulativa para as leituras possíveis do modernismo, da modernidade e da modernização, desdobrando-se num prólogo e capítulos (1. Saudades do Egito; 2. Ossos do Mundo; 3. Meios de Transporte; 4. “Índios Errantes”).

Artistas:

Tarsila do AmaralVicente do Rego Monteiro
Flávio de Carvalho
Laerte
Haroldo Lobo e Antônio Nássara
V. Penansson
Lygia Pape
Vivian Caccuri
Graça Aranha
Menotti del Picchia
J. Pascal Sébah
Antonio BeatoFernando PessoaPagu
H. Délié & E. Béchard
Angelo Agostini
Antonio Garcia Moya
Marcel Gautherot
Glauber RochaPedro Neves Marques
Mário de Andrade
Alex CervenyJoão Modé
Blaise Cendrars
Cristiano Lenhardt
Ana Prata
Joãozinho da Goméia como Ramsés
Jorge de Lima
Gabriel Haddad e Leonardo Bora
Abdias do Nascimento
Luiz Gonzaga de Sousa
Darks Miranda & Pedro França
Claudia Andujar
Bernard Bouts
Johann Baptiste von Spix e Carl von Martius
Leonilson
Rosana Paulino
Regina Parra
Fernando Lindote
Denilson Baniwa
Fernand Léger

etc…

The aim of this congress is to extend the debate on the repercussions of the decisions aken by the colonial states in the area of territorial infrastructures – in particular through the disciplines of architecture and urbanism – in post-independence development models and the formation of new countries with a colonial past.

The infrastructure of the colonial territories obeyed the logic of economic exploitation territorial domain and commercial dynamics among others that left deep marks in the built landscape. The rationales applied to the decisions behind the construction of infrastructures varied according to the historical period, the political model of colonial administration and the international conjuncture.

This congress seeks to bring to the knowledge of scientific community the dynamics of occupation of colonial territory, especially related to the war effort, and that involve not only agents related to architecture and urbanism but to the military, and its repercussions in the same territories as independent countries.

It is hoped to address issues such as how colonial infrastructure, in this case housing production during armed conflict, has conditioned the current development models of the new countries or what options taken by colonial administrations have been abandoned or otherwise strengthened after independence.

More information.

Gisela Casimiro, escritora e artista, conversa com a artista mural Gilda Barros na sua cidade natal, Mindelo.

Ligadas pelo livro “Raízes Negras”, escrito por Lúcia Vicente, ilustrado por Gilda Barros, e apresentado por Gisela Casimiro, este é o seu primeiro encontro presencial. A conversa decorreu no Centro Cultural do Mindelo e estendeu-se aos lugares onde Gilda fez a sua formação e tem intervido artisticamente nos últimos anos. As temáticas abordadas são:

- A sua colaboração com o Centro Cultural Português

- As tensões entre o design corporativo e a arte de rua

- A relação entre a nova geração de artistas e a tradição estabelecida

- A influência das mulheres da sua vida na arte

- As lutas feministas e LGBTQIA+ em Cabo Verde

Ouçam aqui o episódio.

Vimos pedir-vos que nos ajudem a melhorar as condições de vida da aldeia-ilha de Djobel, situada no norte da Guiné-Bissau, que se encontra em risco eminente de desaparecer, devido às mudanças climáticas. Os seus cerca de 500 habitantes eram tradicionalmente grandes produtores de arroz e pescadores, mas a subida do nível do mar e as fortes tempestades marinhas das últimas décadas destruíram progressivamente o grande dique em torno da aldeia. Apesar das múltiplas tentativas de reconstrução dos diques principal e secundários, e da plantação de árvores de mangal nos campos de arroz destruídos pelas marés, a insegurança alimentar foi crescendo. Este facto obriga os habitantes a dedicarem cada vez mais tempo à pesca, deixando de parte a reconstrução dos diques e lavoura.Além disso, as mudanças climáticas trouxeram também uma enorme escassez de água potável. Enquanto os homens pescam, as mulheres são obrigadas a armazenar água das chuvas e, quando esta acaba, a remar mais de 10 km até outra aldeia. Djobel não tem palha para cobrir as casas e, desde 2017, quase 20 casas foram destruídas pelas chuvas torrenciais. Até há 2 meses, as crianças iam a nado para a escola, onde tinham de deixar os livros e cadernos.O projeto de investigação-ação e co-produção de conhecimento Malmon (www.malmon-desira.com) fez já uma pequena angariação de fundos, entre amigos e família dos estudantes de doutoramento e da coordenadora, e, com a ajuda de jovens agricultores e pesquisadores de outras aldeias, apoiou Djobel a construir um grande dique que liga os diferentes bairros entre si. Contudo, os rendimentos da pesca são cada vez menores e o tempo que têm de dedicar à atividade tem aumentado, devido à pilhagem dos seus recursos pesqueiros por frotas Europeias e Asiáticas. Os habitantes estão, assim, perante um dilema: sem arroz, têm de se dedicar à pesca. Por outro lado, para terem auto-suficiência alimentar, têm de reconstruir os diques e lavrar, durante a época das chuvas.A nossa ideia passa por conseguir angariar, pelo menos, 10 000 euros para assegurar os custos de alimentação deste povo, durante o período de produção de arroz, que começou agora. Com a sua ajuda, temos a certeza de que conseguimos!

Nome: AJUFAELDIBAN: PT50 0007 0000 0056 5732 6162 3

Um livro que desafia as «narrativas» sobre África

Os debates sobre desenvolvimento africano continuam a menorizar as conquistas do continente: o desempenho económico é subestimado e mantém‑se a percepção de um continente propenso a conflitos. As políticas que foram impostas aos países africanos a partir de fora, sem ter em conta contextos específicos, pouco fizeram pela sua transformação.

A partir de fontes diversas, esta obra aprofunda o conhecimento sobre África e apresenta soluções práticas — baseadas em factos — para um desenvolvimento bem‑sucedido e sustentado num continente complexo e dinâmico. Alargando o debate político e propondo uma visão alternativa dos elementos‑chave para o pleno alcance das oportunidades de transformação socioeconómica africana, os autores deslocam o debate do campo da retórica para o da realidade.

Comprar aqui o livro.

Museu de Lisboa - Teatro Romano

30 junho a 31 dezembro 2022

Terça a domingo, das 10h às 18h

Créditos Tiago MouraCelebrando o património humano do território envolvente do teatro romano, a nova exposição temporária apresenta obras de 36 artistas que habitam, nasceram ou aqui trabalham.

Esta exposição é o resultado de um processo colaborativo com uma comunidade de artistas que vive e trabalha na envolvente do monumento que é o palco mais antigo de Portugal.

Entre artes plásticas, música, ourivesaria, fotografia, pintura, cerâmica, teatro, prosa e poesia, este território caracteriza-se pela sua riqueza, arqueológica e patrimonial, mas, especialmente, pelo valor humano dos que o habitam e aqui trabalham e pelos que aqui viveram.

Resgatando o génio criativo deste lugar ancestral, devolve-se ao público a produção artística hoje produzida neste território. Uma mostra de artistas feita por muitos e para muitos.

Artistas: Alexandre O’Neill, Alexandre Delgado O’Neill, António Jorge Gonçalves, António Gedeão, Ary dos Santos, Augusto Rosa, Carlos No, Cátia Pessoa, Cláudia Chaves, Constança Pinto Gonçalves, Fernanda Fragateiro, Fernando Calhau, Henrique Pavão, Inês Simões, João Cristino da Silva, João Pimentel, Joana Passos, José Faria, Marcos Magalhães, Marta Araújo, Marta Mateus, Menez, Nininha Guimarães, Nuno Cera, Nuno Saraiva, Paula Delecave, Pedro de Castro, Pedro Reis Gomes, Pierre Pratt, Ronaldo Bonachi, Rui Moreira, Rui Sanches, Rute Reimão, Sara Domingos, Teresa Pavão e Tomaz Hipólito.

Hugo Canoilas. Phantasmagoria. PhotodocumentaPátio da Inquisição

10 3000–221 Coimbra

Terça a Domingo 14h–19h

Entrada Gratuita

No dia 09 de Julho abriram ao público, no CAV, duas novas exposições do ciclo “Museu das Obsessões”, concebido e programado para o CAV por Ana Anacleto, por um período de dois anos. “Phantasmagoria ” de Hugo Canoilas e “visà-vis” de Ana Santos dão continuidade ao ciclo iniciado em Fevereiro de 2020 e procuram aprofundar as premissas da proposta conceptual definida pela curadora.

O ciclo de exposições “Museu das Obsessões”, assente numa ideia de liberdade e de transversalidade, recupera um conceito criado por Harald Szeemann, no início dos anos 70, que pretendia albergar todo o tipo de iniciativas decorrentes das práticas artísticas suas contemporâneas, explorando de forma livre (fora dos constrangimentos institucionais) todas as suas possibilidades de apresentação.

Assinalando o carácter de especialidade do CAV – enquanto espaço de apresentação, estudo e reflexão sobre as práticas artísticas ligadas ao uso e à criação da imagem (e particularmente da fotografia) – e valorizando grandemente a relação histórica que tem com os Encontros de Fotografia, pretende-se com o referido ciclo recriar um espírito de liberdade, promovendo o cruzamento entre as várias áreas disciplinares, dedicando especial atenção aos artistas cuja prática se afirma numa relação decorrente das questões da imagem mas cuja actividade se localiza num território de fronteira, com manifestações formais e conceptuais que vão para além das tipologias disciplinares (fotografia, vídeo, escultura, pintura, performance, etc).

Interessam-nos as particularidades, as idiossincrasias e as mitologias individuais, e é neste sentido que propomos um conjunto de exposições dedicadas a artistas (nacionais e internacionais) cuja prática se tem mostrado definidora de uma relação extraordinariamente idiossincrática tanto com a fruição da imagem quanto com a sua produção.

O ciclo de exposições “Museu das Obsessões” constitui-se então da apresentação de dez exposições subordinadas ao tema do Espectro e dez exposições subordinadas ao tema da Vertigem. Temas comuns à história da imagem, à história da produção fotográfica, ao pensamento imagético e ao próprio acto criativo.

Neste sentido, damos continuidade ao ciclo através da apresentação de duas exposições individuais de artistas de origem portuguesa – cujo percurso se tem desenvolvido também em contexto internacional – e que comungam de um interesse particular pelo estabelecimento de diálogos permanentes com a história da arte nas suas vertentes disciplinares mais tradicionais (a pintura e a escultura).

Na sala principal do CAV apresentamos a exposição “Phantasmagoria” de Hugo Canoilas que se constitui de uma grande instalação pictórica concebida especialmente para o contexto desta exposição, e que dá continuidade à mais recente investigação que o artista tem vindo a aprofundar em torno dos universos marinhos, das suas mitologias e dos seus ecosistemas enquanto metáforas de equilíbrio, sabedoria e partilha interseccional.

Na sala Project Room (espaço vocacionado para projectos especiais com um carácter mais experimental) contamos com a apresentação da exposição “vis-à-vis” de Ana Santos, concebida a partir de uma cuidada articulação entre um pequeno conjunto de obras escultóricas pré-existentes, inéditas em contexto nacional.

Ana Santos - vis-à-vis.

Hugo Canoilas 

Phantasmagoria

A relação misteriosa que resulta do encontro entre duas imagens tem vindo a ocupar grande parte do pensamento produzido sobre arte e, mais recentemente, também os inevitáveis cruzamentos estabelecidos entre a prática artística e a investigação tecnológica e científica.

A percepção visual desenvolve-se em nós através de um mecanismo cumulativo. Vemos uma imagem a seguir a outra imagem, não sendo possível a activação de qualquer processo de simultaneidade. Já no caso do som ocorre o inverso. A percepção auditiva resulta de estados múltiplos de atenção e permite a sobreposição de inúmeras camadas sonoras num contínuo temporal. Ora, é justamente a consciência desta impossibilidade no campo da percepção visual, que nos leva simultaneamente a crer e a duvidar dos processos de entendimento das imagens em movimento (e muito particularmente do cinema e dos seus múltiplos mecanismos de ilusão).

Detenhamo-nos nesta ideia de percepção de movimento (ou de invenção deste em nós) para pensarmos no quanto o fragmento e a imagem fragmentária — e a sua percepção cumulativa — poderão ser responsáveis pela construção de experiências narrativas também elas em movimento. E pensemos, por momentos, no quanto o corpo, a sua deslocação e o vislumbre em fuga dessas imagens em acumulação poderão ser, de facto, responsáveis pela representação possível do movimento enquanto estado ele-mesmo.

Hugo Canoilas - Phantasmagoria. @Photodocumenta

A grande instalação pictórica concebida por Hugo Canoilas para o CAV, e que ocupa e integra todo o espaço do r/c do edifício, com o título Phantasmagoria, decorre das suas mais recentes investigações e explorações plásticas, e anuncia claramente a sua filiação no território de questionamento das imagens, da sua produção e da sua percepção.

Com um trabalho absolutamente singular — que se distribui por explorações nos vários territórios tipológicos que constituem a actuação dos artistas contemporâneos — o artista tem vindo a desenvolver uma prática pontuada pela especulação em torno das relações entre arte e realidade, pela constante interrogação acerca das características e limites da pintura e por uma tónica no trabalho colaborativo enquanto promotor de uma interacção simbiótica e geradora, abraçando o caos, o acaso e o livre arbítrio enquanto processos fortemente catalisadores da actividade criativa.

Mais recentemente tem vindo a concentrar-se nas relações entre arte e natureza, ou mais propriamente, nesse campo de possibilidades que poderá resultar do encontro entre uma prática artística que valoriza o processo e o conhecimento extraído da observação dos fenómenos e organismos naturais.

A exposição Phantasmagoria sucede temporalmente (e quase de imediato) à exposição Moldada na Escuridão — que apresentou recentemente na Fundação Calouste Gulbenkian — e dá continuidade a um interesse pelo mar profundo enquanto território especulativo, capaz de gerar projecções de um futuro não colonizado, permitindo uma experiência tangível sobre novas formas de vida e sistemas de empatia e compatibilidade inter-espécies.

Tomando como ponto de partida uma imagem retida na sua memória (a raríssima lula gigante mantida em formol numa das salas do Aquário Vasco da Gama em Lisboa, mas também a lula gigante efabulada a partir das descrições de Jules Vernes no seu 20,000 Léguas Submarinas, ou ainda a lula gigante reproduzida nas imagens transmitidas pelos robots que hoje perscrutam o fundo dos oceanos), e fazendo justamente uso do fragmento enquanto ferramenta operativa de representação, Hugo Canoilas constrói uma pintura de dimensões imensas que se propõe ao espectador como um enorme desafio perceptivo.

Esta pintura que simultaneamente envolve, integra e produz espaço, cuja leitura depende em absoluto do deslocamento do corpo e da criação de intervalos de tempo decorrentes desse movimento do corpo, reforça a condição cumulativa da percepção visual de que falámos no início deste texto, parecendo querer estabelecer — através da sua condição cinemática — uma narrativa não-linear, próxima dos processos de sonho ou de imaginação.

Trata-se, de facto, de uma fantasmagoria. Uma imagem que radica a sua construção no seu próprio limite, que se revela também na história do seu processo, e cuja eficácia reside justamente na impossibilidade da totalidade da sua percepção.

Ana Anacleto · Julho 2022

Ana Santos 

vis-à-vis 

@Photodocumenta@Photodocumenta

Com os desenvolvimentos críticos operados no seio da Arte a partir dos anos 60 do século XX, verificamos que as tipologias disciplinares entendidas como tradicionalmente inquestionáveis — pintura e escultura — sofreram alterações profundas no que diz respeito ao estabelecimento das suas definições, dos seus limites e da construção do seu campo de actuação. Do cruzamento entre as suas preocupações e questões originárias e a adopção de novas questões — que promovem naturalmente novos modos de fazer, mas também (e sobretudo) novos modos de ver e pensar — surge aquilo que Rosalind Krauss denominou como ‘campo expandido’.

Esse território alargado, que permite a integração de inúmeras outras tipologias discursivas de trabalho e simultaneamente o acomodar de matérias e lógicas de pensamento (fora até da própria matéria), deixa a tradicional escultura numa espécie de limbo, de ausência ontológica, que se define a partir da sua nãoidentidade (da exclusão, da oposição, da negação, daquilo que ela não é, ou deixou de ser).

Ana Santos tem vindo a desenhar e inscrever o seu percurso neste ‘campo expandido’ da escultura … ou, mais concretamente, da produção de objectos. A sua prática assenta, em primeira instância, na procura de um muito particular estado de atenção. Esse modo de observar que distende o tempo, que se fixa no detalhe, que perscruta o espaço, e que, para além de óptico é também háptico.

A exposição vis-à-vis, apresentada no Project Room do CAV, decorre desse originário estado de atenção e evoca — desde logo no título — duas questões fundamentais no processo da artista e operativas na tentativa do estabelecimento de uma relação com o seu trabalho: por uma lado uma ideia de posicionamento espacial (frente-a-frente) e por outro uma ideia relacional comparativa (em relação a …, quando comparado com…).

Foquemo-nos, para já, na segunda questão para melhor aprofundarmos o seu processo de trabalho. Promovendo o recurso à sensibilidade e à intuição como instâncias que permitem sublinhar a unicidade do acto criativo, a artista observa e reconhece, em determinados materiais ou objectos encontrados ou adquiridos, certas características formais, funcionais, morfológicas ou cromáticas que lhe permitem começar a desenhar e testar relações de proximidade ou afastamento. Interessa-lhe perceber que energia ou estado da matéria pode ser gerado a partir da junção de dois elementos pré-existentes, cuja proveniência ou familiaridade é naturalmente distinta. A partir de um léxico de acções mínimas (e muitas vezes quase invisíveis) — dobragem, colagem, pintura, deslocamento, corte, sobreposição, aproximação apenas — e com enorme sofisticação, a artista constrói universos que põem em evidência uma articulação possível entre pensamento especulativo e pensamento operativo, permitindo aos objectos estabelecerem-se como instâncias que sinalizam um equilíbrio tenso e definem a sua própria condição evocativa. O atelier é o lugar onde estes processos ocorrem e decorrem, uma vez que o tempo (a passagem do tempo) e a espera são elementos que contribuem para que esta terceira instância possa manifestar-se em plenitude.

Retomemos agora a primeira questão enunciada no título, que convoca uma ideia de posicionamento espacial e que decorre de uma ideia de presença, de manifestação física dos volumes no espaço e do próprio espaço no seu entorno. Este é o segundo momento de teste e reconhecimento a que os seus objectos são sujeitos. Colocados no espaço expositivo é agora necessário encontrar-lhes o lugar, a devida posição. À semelhança do que acontece no atelier, também no espaço expositivo nos parece ocorrer a promoção de um processo colaborativo: a artista ‘está’ e os objectos e ‘estão’. A disponibilidade para o reconhecimento das necessidades relacionais dos objectos entre si, e entre estes e o espaço, é fruto de uma comunicação não-verbal, impenetrável e intraduzível, mas que se efectua afirmativamente nos dois sentidos. Tudo parece concluir-se no momento em que estas relações presenciais se projectam para fora de si, para fora do objecto, numa condição imanente que potencia a activação do próprio espaço e altera em absoluto a sua condição originária. Espaço e objectos passam agora univocamente a produzir um resultado, propondo-se ao espectador como veículos de acesso a um universo profundamente subjectivo cuja experiência, diríamos, poderia aproximar-se de uma ideia de transcendência.

Ana Anacleto · Julho 2022

Pedro Cardoso é um jornalista luso-angolano. Estudou Jornalismo e Ciências da Comunicação na Universidade do Porto. Trabalhou como repórter (2005, 6), no jornal A Semana, na Cidade da Praia, Cabo Verde. Vive no México desde 2011, onde é jornalista freelancer. Colabora com meios de comunicação de Portugal, México e Angola. No BUALA, mantem há dois anos a rubrica Palenque. Na América Latina, palenque significa palco, lugar cercado. As comunidades fortificadas de escravos rebeldes no México chamavam-se palenques. É, por isso, uma tribuna de onde se contam histórias latino-americanas. E onde se recorda também o legado dos africanos que vieram para estas terras. 

 Missão Encoberta, o Toucado de MoctezumaAção de Graças, o luto do povo da Primeira Luz

Convidamos os leitores do BUALA a percorrerem alguns dos seus artigos e reportagens que visam as temáticas da identidade, política, religião, LGBTQI, migração, guerra, direitos humanos, povos indígenas, Américas e Angola.

e muitas outras.

A fuga dos alemães
A Sacerdotisa e os Meninos Santos
Ação de Graças, o luto do povo da Primeira Luz
Angolanos ilegais a caminho dos Estados Unidos - os afogados
Angolanos ilegais a caminho dos Estados Unidos: os ilegais
Angolanos ilegais a caminho dos Estados Unidos: os passageiros
Aruká, o último guerreiro
As três mortes de Marisela Escobedo
Como história de amor e piratas: os 50 anos de “As Veias Abertas da América Latina”
Contos de Mar: resistências cruzadas
Contratados, colonos e emigrantes cabo-verdianos
De Colombo, raças e pedestais
E o muro o vento levou
Foroyaa liberdade! repressão na Gâmbia
Grita Colômbia
Guiné-Bissau: se um barco atracasse
Haiti. “O horizonte foi embora, ficou sozinho no mundo”
Lesther
Los Cabos Russos
Luta, Sangue e Liberdade
Mário Pinto de Andrade: a lucidez é um sorriso triste
Mascogos. Os índios africanos cantam blues
Missão Encoberta: o Toucado de Moctezuma
Na cidade somos quase predadores
Ñucanchick allpa: Mamã Dulu, terra e educação
O Caminho da Anaconda
O terceiro género - Muxes de Juchitán, México
Os enigmas das monjas
Os invisíveis: migração de angolanos para os Estados Unidos
Os ninguéns
Os perdidos: angolanos ilegais a caminho dos Estados Unidos
Os saltos altos de Zapata
Os versos de Cardenal
Perdão? Que perdão?
Piratas das Caraíbas, a frota dos EUA ao largo da Venezuela
Por quem os tambores chamam
Se morro longe de ti
Senhor dos Milagres Escravo de Angola, Cristo do Mundo
Uma América sem América
Violência contra comunidade LGBT+ na América Central

A exposição está patente no Centro Cultural Franco-Moçambicano, entre 5 de Julho a 20 de Agosto de 2022.

Pode visitar a Exposição “Nirivalele hi kuxwela” de Hugo Mendes até o dia 20 de Agosto no Centro Cultural Franco-Moçambicano de Maputo.

“Nirivalele hi kuxwela” é uma alegoria para o tempo que a pandemia nos tirou – foram dois longos anos de incertezas e ansiedade – e também brinca com o facto de artistas terem sobre si a conotação (não totalmente infundada) de serem imprevisíveis e com problemas com deadlines.

“Com obras de arte resultantes das reflexões durante o tempo de isolamento causado pela pandemia, e que tencionam representar aspectos do quotidiano, referindo-se à história colectiva dos Moçambicanos.”

Hugo Mendes é um artista visual que nasceu e cresceu em Maputo. Sendo Moçambique um país com uma cultura muito rica e diversa, e com uma forte tradição no artesanato e escultura em madeira, Hugo inspira-se nesses processos. Através do seu trabalho, tenta representar os aspectos do quotidiano, referindo-se à história colectiva dos Moçambicanos, aos seus sonhos, e procurando explorar elementos mais íntimos, relacionados com o lado mais obscuro do seu próprio imaginário.

Curadoria de José Alberto Ferreira

Fundação Eugénio de Almeida I Centro de Arte e Cultura, Piso 2

Horário

MAIO - SETEMBRO
De terça-feira a domingo, 10h00-13h00 / 14h00-19h00

OUTUBRO - ABRIL
De terça-feira a domingo, 10h00-13h00 / 14h00-18h00

Entrada livre

João Fonte Santa é um dos artistas mais representativos da sua geração. O seu trabalho aborda a incessantemultiplicação de instâncias produtoras de imagens, a sua circulação na cultura de massas e a legibilidadeideológica destes processos. Fonte Santa apropria-se habitualmente de imagens — da banda desenhada aosjornais, da pintura à fotografia, da iconografia popular ao cinema — a partir das quais interroga sentidos,filiações, sensibilidades e identidades.As imagens e os seus modos de circulação integram as formações discursivas que produzem narrativasde poder e de saber. Por elas tanto se mitificam identidades como se caucionam relatos históricos ouhegemonizam discursos. É talvez por isso que elas são o campo privilegiado de questionação e de desafio,análise, desconstrução ou insubmissão por parte de muitos artistas. E é seguramente por isso que estesgestos de apropriação, transformação, re-significação e leitura instalam o acto de criação num territórioonde se cruzam crise e crítica, ética e estética, arte e sociedade.No percurso artístico de João Fonte Santa, a problematização das mitologias nacionais e a desconstruçãoda história, como acontece neste Mundo de Aventuras, tem sido uma constante. Nesta exposição, comefeito, interrogam-se narrativas identitárias em torno de três núcleos. No primeiro, aborda-se a identidadenacional, entre o Berço da nação e A portuguesa, duas peças que tensionam o tempo histórico atravessandoo espaço expositivo.Num segundo núcleo, abordam-se as imagens publicadas no relato dos exploradores portuguesesHermenegildo Capelo e Roberto Ivens, De Angola à contra-costa. As grandes telas que abrema exposição representam imagens daquele livro, originalmente publicado em 1886. Elas evocam a leituraaventurosa desta Descrição de uma viagem através do continente africano compreendendo narrativasdiversas, aventuras e importantes descobertas, como reza o subtítulo encantatório da obra, onde a faunae a flora são analisadas, fotografadas e reproduzidas ilustrando cada passo da travessia continental.Na exposição, é a fauna africana que domina as escolhas do artista, cujas telas de cores fortes e traçopreciso convidam a ler a evidência do mundo natural, submetido pelas armas e pela caça aos exploradoreshumanos. Não um paraíso, mas um paraíso selvagem que as armas domesticam e ordenam.É nesse contexto que se inscreve o terceiro núcleo, no qual o artista trabalha sobre um original debanda-desenhada português anónimo, sem título, datado de 1977, no qual se mitifica o herói branco emação numa África em guerra. A análise, apropriação, re-produção (isto é, literalmente, produção de novo)de vinhetas deste objecto contraria abertamente o eufórico mundo de aventuras que dá título à exposição.Em rigor, desafia-nos a mergulhar nos 31 desenhos da série, em chave serial, iterativa, elíptica e traumática.A exposição apresenta-se como um exercício de desmontagem das imagens de dominação, no queMarie-José Mondzain caracteriza como «descolonização do imaginário». Num mundo fortemente dominadopela imagem, o gesto de criação de (mais) imagens só pode recusar a lógica da acumulação e verter-se emanalítica do imaginário, desafiando-nos a reler as narrativas à luz das suas e das nossas contradições.É este o mundo de aventuras que lhe propomos.

José Alberto Ferreira, curador

Programa Inaugural

Sábado, 9 de julho | 16h00

Alice Geirinhas e José Alberto Ferreira conversam com João Fonte Santa sobre a exposição, seguindo-se uma visita guiada

Entrada livre, limitada à lotação do espaço

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João Fonte Santa

Estudou Pintura na Faculdade de Belas Artes da Universidade Clássica de Lisboa. Começou por se dedicar à produção de banda-desenhada underground no contexto do surgimento de fanzines. Lentamente, contudo, o seu trabalho afirmar-se-ia no campo da pintura. Trabalhando a partir de um extenso fundo de imagens e referências de cultura pop, edificaria uma obra que tem tanto de visualmente atraente como de pertinente no modo como apresenta uma visão do mundo particularmente crítica.  

Expõe regularmente desde meados dos anos 90. Das suas exposições individuais, destacam-se: 

Frozen Yougurt Potlash, Galeria VPF Cream Art, Lisboa;

O Aprendiz Preguiçoso, Festival Sonda, Atelier-Museu António Duarte, Caldas da Rainha;
Do Fotorrealismo à Abstração, Salão Olímpico, Porto.
Pintura Para Uma Nova Sociedade, Museu do Neo-Realismo, Vila Franca de Xira;
TODOS OS DIAS A MESMA COISA – CARRO – TRABALHO – COMER – TRABALHO – CARRO – SOFÁ – TV – DORMIR – CARRO – TRABALHO – ATÉ QUANDO VAIS AGUENTAR? – UM EM CADA DEZ ENLOQUECE – UM EM CADA CINCO REBENTA!, Galeria VPF Cream Art, Lisboa;
O Colapso da Civilização, VPF Cream Art, Lisboa;
Bem-vindos à Cidade do Medo, MAAT, Lisboa

Algumas exposições coletivas:

Zaping Ecstazy, CAPC, Coimbra
Plan XX!, G-Mac, Glasgow
Terminal, Fundição de Oeiras, Oeiras
Gabinete Transnatural de Domingos Vandelli, Museu de História Natural da Universidade de Coimbra, Museu Nacional/Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ)
Café Portugal, Design Factory, Bratislava; FEA, Évora
Glocalização ou Colapso, Obras na Coleção MG, espaço Adães Bermudes, Alvito
Portugal Portugueses, Museu Afro-Brasil, São Paulo
Utopia/Dystopia, MAAT, Lisboa
Studiolo XXI, FEA, Évora
A Incontornável Tangibilidade do Livro ou o Anti-Livro, MNAC, Lisboa
Cosmo/Política #7, Museu do Neo-Realismo, Vila Franca de Xira;

José Alberto Ferreira
Docente convidado da Universidade de Évora, onde leciona disciplinas da área da história e teoria do teatro. Tem colaboração dispersa em vários jornais e revistas, nacionais e internacionais.  Dirigiu e produziu o Festival Escrita na Paisagem (2004-2012), no âmbito do qual programou projetos e criações de artistas nacionais e internacionais na área do teatro e do transdisciplinar. Foi o curador português do projeto INTERsection: Intimacy and Spectacle, integrado na Quadrienal de Praga. Dirigiu e programa Ciclos de São Vicente, em Évora (2011-2017). É o Director Artístico do Centro de Arte e Cultura da Fundação Eugénio de Almeida desde 2018. 

Publicou, além de textos dispersos por catálogos e revistas, Uma Discreta invençam (2004), sobre Gil Vicente, Por dar-nos perdão (2006), sobre teatro medieval, Da vida das Marionetas, sobre os Bonecos de Santo Aleixo (2015). Editor e coeditor de vários títulos, de que destaca Escrita na paisagem (2005), Autos, passos e Bailinhos (2007), Tradução, Dramaturgia, Encenação  (2014), Perpectivas da investigação e(m) artes: articulações (2016), Teatro do Vestido. Um dicionário (2018). Colabora com várias organizações ministrando cursos e seminários.

São 70 os filmes incluídos na Seleção Oficial da 28ª edição do Festival Internacional de Cinema Ambiental da Serra da Estrela, que decorre em Seia entre os dias 8 e 15 de outubro. Mais de 25 países estão representados na edição deste ano, sendo Portugal, França, Espanha e Alemanha, os que têm maior número de trabalhos a concurso. Novas ‘pandemias’, doenças emergentes, fraudes alimentares, pecuária sustentável, luta de povos nativos, são algumas das temáticas abordadas.

Após um périplo por Cabo Verde e Portugal (incluindo os Açores) com várias extensões já realizadas este ano em diversas cidades portuguesas, e da participação no Fórum Mundial da Água, no Senegal, no mês de março, avizinha-se uma das mais representativas edições do festival Cine Eco em Seia, após dois anos de Pandemia que, ainda assim, não impediram a realização deste icónico Festival em 2020 e 2021.

Na sua 28ª edição entram em concurso 70 filmes sobre temáticas tão pertinentes como polémicas e que inscrevem o Festival Internacional de Cinema Ambiental da Serra da Estrela “como um evento de charneira para a divulgação das mais recentes produções documentais sobre os mais prementes desafios ambientais e societais, mas também como um importante espaço de debate e contacto com realidades que imaginávamos pertencer apenas à dimensão das distopias”, afirma a Organização do Cine Eco.

Na Competição Internacional de Longas-Metragens figuram 11 documentários. Será possível ver o filme sensação da edição deste ano do Festival de Cannes, a adaptação do clássico de Robert Bresson, “Au Hasard Balthazar”. O mundo é um lugar misterioso quando observado pelos olhos de um burro e, no filme “EO”, do veterano realizador polaco Jerzy Skolimowski, o animal é libertado de um circo por um movimento de defesa dos animais explorados e, ironicamente, vai parar às mãos de um novo dono e alvo de maus tratos. O animal acaba por observar, em silêncio, o sofrimento, a raiva, o desespero e a solidão humana.

Do coração da Papua Nova Guiné chega o filme de Céline Rouzet sobre “tribos locais presas entre rivalidades de clãs, políticos corruptos e multinacionais aparentemente cínicas” em “140 KM À L’OUEST DU PARADIS” (França; Bélgica). No filme “TAMING THE GARDEN” (Suíça; Alemanha; Geórgia), a realizadora Salomé Jashi leva-nos numa viagem ‘delirante’ de uma árvore centenária transplantada, que atravessa o mar Negro para viver o resto dos seus dias no jardim particular do excêntrico milionário e ex-primeiro-ministro da Geórgia. Em “Aya” (Bélgica; França), o realizador Simon Gillard aborda o dilema interno de uma jovem menina confrontada com a inevitabilidade – abandonar a ilha de Lahou, na Costa do Marfim, devido à subida do nível da água do mar. Do Brasil para o Cine Eco chega a luta dos Yanomami em “A Última Floresta” de Luiz Bolognesi e “A Serra do Roncador ao Poente” de Armando Lacerda. Neste último documentário, o realizador conduz-nos pela arte rupestre dos clãs Xavante, os guardiões da Serra, que materializam os espíritos que os defendem quando “a civilização” se rebela contra eles e as suas terras. Estruturado na narrativa pessoal dos nativos da Virgínia Ocidental, “DEVIL PUT THE COAL IN THE GROUND” (EUA) de Peter Hutchinson e Lucas Sabean retrata o sofrimento e a devastação provocada pela indústria do carvão, a economia em colapso, as feridas provocadas pela epidemia dos opiáceos, a pobreza, a degradação ambiental e o desaparecimento dos Apalaches. Na Competição Internacional de Longas-Metragens concorrem ainda “LA FABRIQUE DES PANDÉMIES” (França) de Marie-Monique Robin, uma viagem por 3 continentes - Ásia, América e África - com a atriz Juliette Binoche. Depois de contactarem com mais de 20 cientistas, as evidências parecem claras: “sem uma rápida resposta, o mundo irá enfrentar uma epidemia de pandemias!”. AMUKA - L’ÉVEIL DES PAYSANS CONGOLAIS (França; Bélgica) de Antonio Spanò enquadra-nos na vida dos “ceifeiros da esperança”, os agricultores da República Democrática do Congo que lutam diariamente contra inimigos invisíveis. Do país vizinho para o Cine Eco chegam ainda dois documentários.

PEDRA I OLI (STONE AND OIL) de Àlex Dioscorides, uma imersão documental sobre o desaparecimento do olival de montanha, na Serra de Tramuntana em Maiorca, e o abandono do trabalho do campo. Já “GANADO O DESIERTO (LIVESTOCK OR DESERT)” de Francisco Vaquero Robustillo retrata o papel do gado na regeneração das pastagens, dos solos, das florestas e da água e documenta o papel do maneio e a pecuária sustentável como solução para o restauro dos ecossistemas e economias rurais.

Na Competição Internacional de Curtas Metragens participam 26 documentários e filmes de ficção de vários países como Irão, Senegal, Chile, Rússia, Austrália, Sérvia, Cuba e vários países europeus. A categoria Séries e Reportagens Televisivas integra 11 trabalhos que versam sobre temáticas tão diversas como a agricultura intensiva, fraude alimentar, novas oportunidades da agricultura sustentável, educação ecológica subaquática, o degelo, o papel das abelhas. Na Competição de Longas-Metragens em Língua Portuguesa figuram 4 películas de Portugal e Brasil; na Competição de Curtas Metragens concorrem 13 filmes e, já na Competição Panorama Regional, estão a concurso 5 trabalhos.

Os programadores deste ano do Cine Eco’22 são Cláudia Marques Santos, Tiago Fernandes Alves e Daniel Oliveira.

Sobre o CineEco

O CineEco é membro fundador e faz parte da direção da Green Film Network, uma plataforma de 40 festivais de cinema ambiental.

O CineEco 2022 é organizado de forma ininterrupta há 27 anos pelo Município de Seia e conta com o Alto Patrocínio do Presidente da República e do Departamento de Ambiente das Nações Unidas.

Mais informações.

Vai decorrer no dia 13 de agosto, pelas 16h30, a apresentação e debate da obra “Matchundadi: Género, Performance e Violência Política na Guiné-Bissau” de Joacine Katar Moreira, no auditório da UCCLA.

Com a chancela da Nimba Edições, o debate terá como oradores a autora Joacine Katar Moreira, o sociólogo Huco Monteiro e o jornalista Tony Tcheka.

A abertura da sessão contará com as intervenções do Secretário-geral da UCCLA, Vitor Ramalho, e do editor Luís Vicente.

Haverá um momento musical pelo músico guineense Guto Pires.

De referir que este evento decorre no âmbito da exposição “Olhares da Guinendade - Artes da Guiné-Bissau” patente na UCCLA - Mais informações aqui.

A sessão terá transmissão em direto da página do Facebook da UCCLA.

Sinopse:

«A cultura di matchundadi tem sido o motor da vida política guineense e sem a exacerbação e a institucionalização desta forma de masculinidade hegemónica, o sumo que tem regado a política guineense desapareceria. Entre tramas, traições, mortes, destituições, eleições, nomeações, transições políticas e golpes de Estado.»

[Joacine Katar Moreira]

Indispensável. Numa palavra seria esta a qualificação do livro de Joacine Katar Moreira que aqui se apresenta. E indispensável por múltiplas razões: porque permitirá à leitora e ao leitor aprender tanto como aprendi eu sobre a história contemporânea da Guiné-Bissau; porque desenvolve uma análise fina e sofisticada de como essa história foi e é, também, organizada por um dos processos primordiais de todas as sociedades humanas – o género; porque aponta claramente um dos elementos centrais, até aqui oculto de toda e qualquer análise sobre a realidade guineense, geradores da instabilidade e violência dos processos sociopolíticos da Guiné-Bissau – as formas de (hiper)masculinidade hegemónica que monopolizam a competição pelo poder estatal.

[Pedro Vasconcelos]

A cultura di matchundadi, hipermasculina, move-se dentro das estruturas do Estado, procurando fazer da matchundadi endémica uma matchundadi sistémica. Ou seja, procura institucionalizar um modus operandi e uma visão do mundo na qual impera a lei do mais forte, do mais poderoso e sobretudo do mais violento, ao mesmo tempo que esta hipermasculinidade traduz as características associadas aos homens e às masculinidades, tais como a redistribuição dos recursos, a protecção (e enriquecimento) do seu clã e a ameaça permanente aos adversários políticos. Assim, a cultura di matchundadi é altamente performativa mas com consequências que colidem com o ambiente democrático e a paz social, pois vive do mimetismo político e assenta no confronto constante, na demonstração de força de uns sobre outros.

[Joacine Katar Moreira]

Biografia da autora:

Joacine Katar Moreira é historiadora e política nascida na Guiné-Bissau em 1982. É Doutorada em Estudos Africanos, mestre em Estudos do Desenvolvimento e licenciada em História Moderna e Contemporânea pelo ISCTE - Instituto Universitário de Lisboa. Foi deputada independente do Parlamento Português durante a XIV Legislatura e candidata às eleições europeias em 2019. Feminista interseccional e anti-racista, as suas áreas de estudo são os Estudos de Género, a violência, a política e a descolonização. Mentora e fundadora do INMUNE - Instituto da Mulher Negra em Portugal, tem participado ativamente no debate público sobre o Colonialismo, a Escravatura e o Racismo. Como política a sua agenda pautou-se pelo alargamento dos Direitos Constitucionais, o combate ao racismo e à pobreza e pela luta contra as alterações climáticas.