BUALA

Inauguração: 31 de outubro, 16h às 20h

Exposição patente até 10 de dezembro

MOVART Lisboa - Rua João Penha, RC 14A | 1250-131 Lisboa movart.co.ao

Terça a sexta, 14h – 18h30 

Sábado, 10h – 14h

A galeria MOVART, estabelecida em Luanda desde 2017, inaugura no dia 31 de outubro, entre as 16h e as 20h, um novo espaço em Lisboa com a exposição AIR IHOSVA do artista Ihosvanny.

O projeto nascido em 2015, e que em 2017 se tornou a primeira galeria comercial a surgir em Angola, abre em Portugal com trabalhos inéditos de Ihosvanny, um artista de origem angolana que é representado pela MOVART desde a sua fundação. No programa da galeria sucedem-se as exposições individuais de António Ole, em dezembro, e de Rita GT em Março de 2021.

Em AIR IHOSVA, Ihosvanny celebra a vida e as suas formas de resistência no mundo contemporâneo, criando poemas visuais que ganham forma através da pintura e da instalação. No dia 31 de outubro, durante a inauguração da exposição, o artista vai criar um mural no pátio do edifício da galeria e o processo poderá ser acompanhado pelos visitantes.

É na paisagem urbana da cidade de Luanda que Ihosvanny encontra habitualmente o seu material de trabalho. AIR IHOSVA amplia a investigação sobre a paisagem e as suas diferentes perspetivas à cidade de Lisboa, onde o artista desenvolveu o atual projeto, no âmbito de uma residência artística. No dia 29 de outubro, a partir das 20h, Ihosvanny realiza um open studio da sua residência no espaço MONO, na Rua Feio Terenas, 31A, em Lisboa.

A exposição AIR IHOSVA poderá ser visitada na MOVART até dia 10 de dezembro, de terça a sexta das 14h às 18h30 e aos sábados entre as 14h e as 19h, ou por marcação em qualquer outro horário. A admissão no espaço é livre, mas encontra-se limitada a 5 pessoas e é obrigatório o uso de máscara facial.

Ihosvanny (Angola,1975) vive e trabalha entre Barcelona e Luanda. É um artista autodidata, que pertence à geração de artista angolanos do período pós-independência de Angola.

Influenciado pelas dinâmicas urbanas das cidades por onde vive ou passa, Ihosvanny representa nas suas obras uma visão única e desfragmentada desses locais, onde explora as experiências do urbanismo em  pintura, fotografia, vídeo e instalação sob forma de apelar aos sentidos do espectador.

Ihosvanny participou conta com a participação em exposições individuais, coletivas e feiras de arte na África do Sul, Angola, Brasil, Cuba, EUA, França, Inglaterra, Itália, Portugal, São Tomé e Príncipe e Uganda. Entre as exposições e contextos em que já expôs, destacam-se: o Museu Judaico (Nova York, 2014); o Museu de Arte da Moderna da Bahia (Salvador, 2012); a 11ª Bienal de Havana (Cuba, 2012); Trienal de Luanda (2010, 2007); e o Pavilhão Africano na 52ª Bienal de Veneza (2007). 

O trabalho do artista está representado em várias coleções institucionais e privadas, entre elas a Fundação Sindika Dokolo, Fundação Elipse e Fundação PLMJ.

A galeria MOVART e a visibilidade de artistas das diásporas africana e lusófona

A MOVART abriu portas em 2017 na Marginal de Luanda, espaço que mantém até hoje, tornando-se a primeira galeria comercial a estabelecer-se em Angola. O projeto foi criado dois anos antes, em 2015, pela mão da então consultora Janire Bilbao, e dedicou-se à apresentação de exposições experimentais e itinerantes, de artistas locais e da diáspora contemporânea africana, na cidade de Luanda e fora desta.

A MOVART conta com mais de 40 exposições realizadas em diferentes formatos, desde projetos pop-up a projetos comissariados, que foram apresentadas em Luanda, Lisboa, Paris e Nova Iorque. Estes projetos ocuparam espaços incomuns, como o semiconstruído Maianga Office Park, espaços institucionais, como a Galeria Banco Económico e o Instituto Camões de Luanda, e espaços temporários, como o prédio Palais Castilho em Lisboa.

O projeto ganhou visibilidade, apoiou o desenvolvimento de um mercado local e internacional, viabilizou a instalação da galeria num espaço permanente e a participação regular em feiras de arte. “A missão da MOVART é garantir que o mundo conhece a produção de artistas oriundos de países do continente africano e das suas diásporas”, destaca Janire Bilbao, a fundadora e directora da galeria. Desde 2017, a MOVART tem participado regularmente em feiras internacionais, tais como a 1:54 Contemporary African Art Fair (Nova Iorque), Scope International Art Show (Miami Beach), FNB Joburg Art Fair (Joanesburgo), London Art Fair (Londres), AKAA Fair (Paris), ARCOMadrid e ARCOlisboa.

“Quando abri a galeria em Luanda sabia que o programa teria de ser focado na internacionalização e na visibilidade dos nossos artistas, que são muitas vezes sub-representados ou até exotizados, no cenário artístico mundial”, prossegue a galerista. Atualmente a MOVART representa Ihosvanny, Keyezua, Kwame Sousa, Mário Macilau, Rita GT e Thó Simoes, e desenvolve projetos com outros artistas. Com este grupo de artistas e com recurso a diferentes modelos de colaboração, a galeria procura promover a amplitude de atuação, as múltiplas esferas e representações, que hoje enquadram o universo de produção artística das diásporas africana e lusófona.

O impacto positivo da participação da galeria na edição de 2019 da ARCOlisboa, no contexto do África em Foco, que teve a curadoria de Paula Nascimento, foi determinante na decisão de Janire Bilbao de investir em Portugal. A MOVART instalou-se em Lisboa em maio de 2019 e tem operado nos formatos pop-up e showroom. O contexto de crise pandémica e a consequente retração económica, não desmotivaram a galerista de inaugurar o seu novo espaço e programa, que passa a articular Lisboa e Luanda.

“Esta nova fase da galeria permite para dar continuidade ao nosso trabalho e apoiar os nossos artistas, com abordagens de percurso mais sólidas e integradas. A MOVART Luanda passará a ser uma plataforma mais focada em projetos de residência artística e na descoberta de novos talentos, que depois poderão circular pela galeria de Lisboa e ser apresentados noutros contextos internacionais”, descreve Edna Bettencourt, diretora da MOVART Luanda.

No dia 31 de outubro, a MOVART abre portas no número 14A RC, da Rua João Penha, num edifício projetado pelo arquiteto Carrilho da Graça e que está localizado a poucos metros do Jardim das Amoreiras, do Museu da Água e do Museu Arpad Szenes - Vieira da Silva. O novo espaço vai também ampliar o circuito galerístico Rato-Amoreiras, que integra atualmente a histórica galeria Diferença, a italiana Monitor e a 3+1 Arte Contemporânea.

A galerista que trocou o direito pela promoção da arte contemporânea no continente africano

Janire Bilbao nasceu na cidade de Bilbao, na Espanha. Atualmente, vive e trabalha entre Luanda e Lisboa.

Bilbao formou-se em Direito, trabalhou como jornalista e em agências de comunicação e foi, precisamente, a atividade profissional que a levou até Luanda em 2011. Já a viver na capital angolana, trabalhou na organização do Palanca Parade, um projeto de cariz solidário que envolveu a participação de vários artistas locais. Esta experiência deu-lhe a oportunidade de acompanhar o então crescimento da cena artística angolana, de conhecer e estabelecer relações próximas com artistas, sobretudo da geração que emergiu e começou a angariar visibilidade, após a independência de Angola. Foi o trabalho destes artistas e o desejo de projetar os seus discursos no cenário artístico internacional que motivou Bilbao a fundar o projeto MOVART.

Em setembro de 2020, Bilbao foi nomeada pela Apollo – The International Art Magazine uma das pessoas mais influentes do continente africano, com menos de 40 anos de idade.

––—

MOVART Lisboa | Rua João Penha, RC 14A | 1250-131 Lisboa

MOVART Luanda
Avenida 4 de Fevereiro
Espaço Comercial Baía de Luanda
Luanda – Angola

––—

Encerrado às segundas, domingos e feriados.

Visitas por marcação.

Facebook  Instagram  Youtube  Twitter  LinkedIn

Para mais informações, por favor contacte:

Sílvia Escórcio | silvia.escorcio@thisiscuco.com | +351 91 368 36 45

gallery@movart.co.ao

Na continuidade do Ciclo de Debates Pátrias Independentes: que desafios?, depois dos debates em torno das independências de Cabo Verde, Moçambique, São Tomé e Príncipe e Guiné-Bissau, a AILPcsh convida a todos e a todas a assistir e a participar no próximo debate dedicado a Angola.
O debate resulta de uma parceira entre a AILPcsh e o LAB-UCAN (Laboratório de Ciências Sociais e Humanidades da Universidade Católica de Angola).

Estarão à discussão, Cristina Pinto, cidadã e professora, Sérgio Calundungo do Observatório Político e Social de Angola e Luaty Beirão, rapper e activista. A moderação ficará a cargo de Cesaltina Abreu e Catarina Gomes do LAB-UCAN.

 

Contamos com a sua presença,
A Direcção da AILPcsh

10 de Novembro de 2020

14h Brasil
16h Cabo Verde
17h Guiné-Bissau, São Tomé e Príncipe, Portugal
18h Angola
19h Moçambique

Mais Informações: https://www.ailpcsh.org/
Transmissão online: https://www.facebook.com/AILPcsh-819851408219213

A campanha eleitoral de 2016 para a Presidência dos Estados Unidos da América, que esteve na origem da exposição que ora se apresenta, além da sua óbvia importância política mundial, pela ampla cobertura mediática e a profusão de imagens, símbolos e de ideias fortes que a suportaram, proporcionou a oportunidade ideal para o estabelecimento de uma colaboração entre a Escola Superior de Comunicação Social - ESCS e o ARQUIVO EPHEMERA, de José Pacheco Pereira, permitindo a exposição de diversos materiais de propaganda eleitoral, maioritariamente centrados nestas últimas eleições (e agora actualizado para as eleições de 2020) mas também propondo uma abordagem mais ampla, em termos temporais, por outras campanhas, propostas e candidatos. Menos orientada para a propaganda política, no sentido da discussão das mensagens ou das técnicas eleitorais, e mais nos próprios materiais de suporte dessa propaganda, sobretudo pins e stickers, nas suas diversas variantes, a exposição pretendia constituir uma oportunidade de divulgação destes materiais ao público português, um olhar alargado sobre o vasto mundo das campanhas políticas da grande experiência democrática americana. A exposição depois de Lisboa, esteve no Porto (Mira Forum) e em Torres Vedras (Biblioteca Municipal).

Nas eleições de 2020, muito do pano de fundo eleitoral parece semelhante, mas não é. É comum em todas as eleições os candidatos dizerem que são as mais importantes de todas, mas em 2020 essa afirmação tem todo o sentido. A identidade dos EUA, desde a “base” ao topo, as suas políticas de emigração, económicas, de raça e classe, de cultura e “guerras culturais”, política externa e papel dos EUA no mundo, tudo está em mudança, e uma vitória de um ou outro candidato é particularmente significativa para os termos dessa mudança. Desta vez, os preliminares das primárias foram importantes no Partido Democrático, povoadas de candidatos como há muito não se via, e solitárias no Partido Republicano onde Trump ocupou o palco todo. Embora haja significativas diferenças de políticas, seguindo linhas de fracturas tradicionais, o peso da personalidade de Trump e o culto que lhe dedica a sua “base”, só tem como contraponto mais do que Biden, uma atitude de resistência contra Trump, numa reacção de mobilização “never Trump”, também sem precedentes no século XXI. O contexto da pandemia do Coronavirus exacerbou todo este contexto, eventualmente alterou as probabilidades eleitorais (como é suposto acontecer com os factos históricos de grande densidade), mas na verdade já quase tudo vinha de antes. O objectivo desta exposição é, usando os fundos do ARQUIVO EPHEMERA, permitir um contacto de maior proximidade com este momento político nos EUA.

José Pacheco Pereira|Catálogo da exposição

Obtenha aqui o Catálogo da Exposição.

–––––––––––––––—

Conferência

Grande Auditório, piso 1, Ed. II, Iscte

Sessão de abertura, 10:00 – 10:30

Maria de Lurdes Rodrigues (Reitora do Iscte)

André Freire e Luís Nuno Rodrigues (Iscte)

José Pacheco Pereira (Associação Ephemera)

Abertura e visita guiada à exposição “A propaganda nas eleições presidenciais dos EUA“, 10:30– 11:00

José Pacheco Pereira (Associação Ephemera)

Painel I - História e instituições americanas, 11:00-12:30

José Gomes André (Universidade de Lisboa), “O sistema eleitoral e os partidos norte-americanos”

Mónica Dias (Instituto de Estudos Políticos, Universidade Católica), “Ciclos e Saltos Políticos da Democracia Americana”

Bruno Cardoso Reis (CEI-Iscte), “As aventuras e desventuras de uma constituição de 1787 no século XXI”

Painel II – A Política Externa dos EUA, 14:00 – 16:00

Luís Nuno Rodrigues (CEI-Iscte), “A Política Externa de Trump”

Ana Isabel Xavier (Universidade Autónoma de Lisboa e Iscte), “As relações transatlânticas”

Cátia Miriam Costa (CEI-Iscte), “Estados Unidos e China”

Pausa: 16:00 – 16:30

Painel III – As eleições dos EUA em 2020: combates e desafios, 16:30 – 18:30

Russell J. Dalton, (University of California Irvine), “The American Left and its challenges”

Bart Bonikowski (New York University), “Populism and the presidency of Donald Trump”

Debate moderado por André Freire (CIES-Iscte)

Organização: André Freire (CIES-Iscte) e Luís Nuno Rodrigues (CEI-Iscte)

*Assistência presencial com lugares limitados

Transmissão em direto pelo Youtube do Iscte 

Hoje, 20 de outubro, a partir das 14h, o FESTin retorna ao Porto na segunda etapa de sua itinerância, em mais uma parceria com o Espaço Cultural Tropical Hub e o Instituto Amigos da Amazônia (iAMA), para a realização de sua actividade de debates, o CONEXÕES FESTin. O seminário “A Amazônia e o Futuro da Humanidade” discutirá temas fundamentais, evidenciando a importância da Amazônia como ativo ambiental, social, econômico e cultural.

Durante a programação será exibida a longa-metragem documentário “Amazônia, O despertar da Florestania”, que tem como um de seus realizadores a actriz brasileira Christiane Torloni, que estará presente na sessão prevista para ter início às 19h30.

Christiane Torloni durante as gravações do documentário “Amazônia, o Despertar da Florestania”

Com a proposta de abordar como o meio ambiente vem sendo tratado desde o início do séc. XX, o documentário, realizado por Christiane Torloni e Miguel Przewodowski, resgata personagens históricos e reúne depoimentos de representantes de diversos segmentos ligados ao tema – indígenas, ambientalistas, jornalistas, artistas e intelectuais, entre outras pessoas que vêm lutando para preservar esse legado. A “Florestania”, palavra que sintetiza os conceitos de cidadania e direitos florestais, é o código genético de nossa identidade.

Programação

14h – Conferência de abertura, com Prof. Virgílio Viana (Superintendente da Fundação Amazônia Sustentável - FAS e Diretor Executivo do Instituto Amigos da Amazônia - iAMA)
16h – Painel: Perspectivas para os fundos patrimoniais relacionados
com cultura e meio ambiente no Brasil, com Ricardo Levisky (Presidente
Legado Levisky)
17h – Painel: Bem Viver e Felicidade na visão dos Índios Baniwas, com
Profª. Alíria Noronha (Conselheira do iAMA)
17h45 – Coffee break
18h15 – Mesa redonda: Amazônia Sustentável | Participantes: Christiane Torloni (actriz e realizadora), Eng. Aurélio Tavares (Energias Renováveis e Sócio Fundador do iAMA), Prof. Jorge Bento (Ex-Reitor da Faculdade de Desportos da Univ. do Porto e Sócio Fundador do iAMA), Prof. Efrem de Aguiar Maranhão (Membro Titular da Academia Brasileira de Educação), Profª. Gisele Lins (Reitora da Univ. Nilton Lins e Sócia Fundadora do iAMA) | Mediador: Alexei Waichenberg (Curador e Diretor Executivo do Tropical Hub)
19h30 – Exibição do filme “Amazônia, o Despertar da Florestania”
21h30 – Coquetel de inauguração DO iAMA

Alguns trechos do seminário poderão ser vistos, ao vivo, no Instagram @tropicalhub.pt. Mas as inscrições para participar presencialmente, gratuitas, ainda podem ser feitas aqui.

O Tropical Hub

FESTin Porto, em setembro, exibiu 5 longas nos jardins do Tropical Hub

A convite dos organizadores, o FESTin teve a honra de inaugurar a programação do novo espaço cultural do Porto, no mês passado. O Tropical Hub conta com uma galeria de arte e um espaço a céu aberto de música, teatro e cinema, e sediará o Instituto Amigos da Amazônia (iAMA). O espaço fica na Avenida de Montevidéu, 196, Foz do Douro – Porto.

FESTin em Lisboa em dezembro

Após as incertezas do primeiro semestre, que levaram ao seu adiamento em abril. o Festival retorna a Lisboa para a realização de sua 11a edição. No tradicional Cinema São Jorge e em parceria com a Mostra de Cinema da América Latina, reunirá realizadores, produtores, artistas e o público do cinema falado em português.

Cristina Sá Valentim acaba de vencer a 3.ª edição do Prémio Internacional de Investigação Histórica «Agostinho Neto» – Edição 2019-2020, com a obra «Sons do Império, Vozes do cipale. Canções Cokwe, Poder e Trabalho durante o colonialismo tardio na Lunda, Angola». A distinção deste estudo contempla a sua publicação em Angola e no Brasil, a atribuição de um diploma e de um troféu, bem como a quantia de 50 mil dólares.

Cristina Sá Valentim

No trabalho agora reconhecido, a autora procurou expor as complexidades das relações coloniais de dominação e resistência a partir de práticas que tiveram como denominador comum a música africana e o trabalho forçado no nordeste angolano. Trata-se da tese de doutoramento orientada por Catarina Isabel Martins (CES/FLUC) e Ricardo Roque (ICS-ULisboa), desenvolvida no âmbito do programa doutoral «Pós-Colonialismos e Cidadania Global», ministrado no Centro de Estudos Sociais (CES) e na Faculdade de Economia da Universidade de Coimbra.

Na ata de divulgação do/a vencedor do Prémio, pode ler-se que a obra eleita se carateriza como «um trabalho assaz importante, pluridisciplinar, inovador, que usa fontes diversificadas e cruza as fontes escritas com fontes orais e as fontes musicais e, nesse aspecto, é não só inovador como praticamente único, tratando de um grupo muito significativo na história de Angola, os Cokwe, população marcada pela adesão à novidade, pelo dinamismo e pela capacidade criativa e de mudança».

O objeto de estudo foram as canções coletadas pela «Missão de Recolha de Folclore Musical» (1950-1960) da ex-Companhia de Diamantes de Angola (Diamang), com particular ênfase nas canções evocativas do cipale (designação local africana para o trabalho forçado ou contratado) gravadas durante a década de 1950 no seio do povo Cokwe. Essas canções, interpretadas por africanos/as, incluindo trabalhadores contratados, foram integradas nos repertórios dos chamados “Grupos Folclóricos Indígenas” organizados pelo Museu do Dundo. Na forma de discos e bobinas em coleções de “Folclore Musical de Angola”, essas canções africanas foram divulgadas a nível nacional e internacional entre África, Europa e América através de exposições, concertos, conferências, estudos musicológicos, programas na rádio e notícias na imprensa e na televisão. A autora sugere que parte dessas canções gravadas, e o processo de folclorização de que foram alvo, serviram tanto propósitos de dominação colonial como responderam a vários interesses das comunidades africanas. Essas canções não só funcionaram como ferramentas complexas de dominação úteis ao projeto colonial português, como também foram instrumentos de expressão cultural autónoma e, até, de crítica ao poder colonial, para os/as africanos/as.

Na elaboração deste trabalho, Cristina Sá Valentim recorreu a uma metodologia interdisciplinar combinando uma interpretação antropológica orientada por pesquisa etnográfica com fontes arquivísticas escritas, visuais e sonoras, e com testemunhos orais de atores angolanos e portugueses.

Promovido de dois em dois anos pela Fundação António Agostinho Neto (FAAN) e o Instituto Afro-brasileiro de Ensino Superior (IABES), representado pela Faculdade Zumbi dos Palmares (FZP), o galardão destina-se a destacar as obras de investigação ― da autoria de investigadores/as angolanos/as, brasileiros/as ou de outras nacionalidades ― escritas sobre Agostinho Neto, Angola, África, Brasil, a Diáspora e Afrodescendentes que contribuam para o melhor conhecimento da história de Angola, do Brasil e de África.

Na edição deste ano do Prémio, o júri foi composto por Isabel de Castro Henriques (Professora Associada com Agregação da Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa. Aposentada), Vanicléia Silva Santos (Professora Associada da História de África Pré-colonial na Universidade Federal de Minas Gerais – UFMG, Membro do Comité Científico da UNESCO para o IX volume da História Geral de África e Editora do III Volume), Maria da Conceição Neto – (Professora Auxiliar na Faculdade de Ciências Sociais da Universidade Agostinho Neto), Maria Alexandra Miranda Aparício (Diretora-Geral do Arquivo Nacional de Angola), Roquinaldo Amaral Ferreira (Henry Charles Lea Professor de História na Universidade da Pensilvânia, Filadélfia), Thomas Patrick Wilkinson (Investigador integrado do CITCEM de Universidade do Porto), Ivair Augusto Alves dos Santos (Professor na Universidade de Brasília), José Vicente (Presidente do Instituto Afro-brasileiro de Ensino Superior) e Irene Alexandra da Silva Neto (PCA da FAAN).

O Prémio Internacional de Investigação Histórica «Agostinho Neto» foi constituído, em 2014, pela FAAN, em parceria com o IABES, ao qual se juntou a UNESCO em 2016.

 

_____________________

Contacto para mais informações:
Cristina Sá Valentim | cristina.valentim@gmail.com // 933.733.561

Encontra-se aberto até 15 de Janeiro de 2021 o processo de submissão de artigos para a Revista de Comunicação e Linguagens, editada por Maria do Carmo Piçarra (ICNOVA — NOVA FCSH), Ana Cristina Pereira (CES – U. Coimbra) e Inês Beleza Barreiros (investigadora independente), subordinada ao tema “Mulheres nas Descolonizações: modos de ver e saber”.

No âmbito do internacionalismo que suportou as lutas de libertação em todo o mundo, as mulheres usaram a imagem – através da câmara fotográfica ou de filmar – como uma arma. De certo modo, essa prática política, engajada, foi uma resposta ao uso feito pela propaganda política, científica, económica, que sustentou a ordem e ideologia colonialistas.

Nos países de língua portuguesa, entre as mulheres que fotografaram ou fizeram filmes com propósitos políticos, destacaram-se Augusta Conchiglia, Margareth Dickinson, Ingela Romare, Sarah Maldoror e Suzanne Lipinska. Aos materiais filmados – e não apenas por mulheres – foi dado sentido pelas montadoras Jacqueline Meppiel, Cristiana Tullio-Altan ou Josefina Crato, esta última a única mulher dos quatro jovens guineenses enviados por Amílcar Cabral para estudar cinema em Cuba.

De Augusta Conchiglia – Augusta Conchiglia com Iki Carrera, junho de 1968, Este de Angola

Margarida Cardoso, Pocas Pascoal, Maria João Ganga, Isabel Noronha, com as suas ficções cinematográficas; Kamy Lara, Ana Tica, Diana Andringa e Catarina Laranjeiro, através de obras documentais; Eurídice Kala, Vanessa Fernandes, Filipa César, Mónica de Miranda, Ângela Ferreira, Luciana Fina, Jota Mombaça e Grada Kilomba com os projectos, instalações, performances e criações na área das artes visuais dão hoje contributos determinantes para reflectir sobre as memórias e vivências (pós-)coloniais, modos de descolonizar o arquivo e de re-imaginar o colonialismo português e a luta contra o mesmo.

Mulheres combatentes do Partido Africano da Independência da Guiné e Cabo Verde (PAICG). Foto, Le Nouvel Afrique -Asie, Paris

Nesta edição especial pretendemos reunir contributos para reavaliar a imaginação, pelas mulheres, do colonialismo nos países de língua portuguesa, já que raramente se incluem as suas contribuições no processo de descolonização ou o ponto de vista das mulheres envolvidas nos movimentos anticoloniais ou mesmo o das mulheres que faziam parte da estrutura da autoridade colonial. Nenhuma história da descolonização ou das praxes descolonizadoras está completa sem as mulheres. Acolhemos, nesse sentido, abordagens históricas, teóricas e também propostas artísticas, sob a forma de ensaios visuais, para analisar criticamente:

Como é que as mulheres olharam as lutas de libertação nas ex-colónias portuguesas? Como é que os seus olhares foram integrados ou não na imaginação do colonialismo? Houve um olhar específico das mulheres sobre a libertação do colonialismo português? Que saber e consciência temos de/sobre esses olhares? E como é que esses olhares se cruzam com os das realizadoras, artistas, curadoras e académicas que hoje questionam os arquivos, públicos e privados, interrogam e recriam visualmente as suas memórias e re-imaginam o colonialismo? Que acção é que a investigação académica, as políticas de conservação de arquivos, os gestos de programação e curadoria podem ter no questionamento ou, pelo contrário, no prolongamento das “políticas (oficiais) da memória”?

Os contributos podem abordar, entre outros, os seguintes tópicos:

– Mulheres nos movimentos de libertação nacional;
–  Modos coloniais de ver e saber de artistas e cientistas (passado e presente);
– Políticas sexuais e geografias da intimidade dos impérios (Stoler);
– Feminismo, nacionalismos e descolonização;
– Raça, género e sexualidade (sexualidade como instrumento de poder);
– Direitos do Homem, Direitos das mulheres;
– Exotização e emancipação dos corpos “colonizados” de mulheres;
– Mulheres realizadoras de cinema militante/cinema político;
– Re-imaginação do colonialismo e práticas artísticas;
– Modos de “descolonizar” o arquivo e a re(a)presentação do(s) corpo feminino(s) colonizado(s);
– Teorias e métodos anti-coloniais e decoloniais produzidos por mulheres.

Os artigos podem ser escritos em inglês, francês, espanhol ou português e serão submetidos a revisão cega por pares. A formatação deve ser feita em conformidade com as diretrizes de submissão da revista e a submissão feita através da plataforma OJS até 15 de Janeiro de 2021.

Para consultas, entre em contacto com as editoras Maria do Carmo Piçarra (carmoramos@gmail.com), Ana Cristina Pereira (kitty.furtado@gmail.com) e Inês Beleza Barreiros (barreiros.ines@gmail.com).

Directrizes para submissão e instruções para autores:

http://www.fcsh.unl.pt/rcl/index.php/rcl/about/submissions#onlineSubmissions

Formato dos ensaios visuais:

Até 12 páginas. O ensaio poderá ser inteiramente visual ou combinar imagem e texto; o elemento visual do ensaio deve ser parte integrante do argumento ou das ideias expressas e não servir como exemplo ou ilustração dos mesmos. A submissão deve incluir um texto introdutório (150-300 palavras) que ajude a compreender o ensaio e a sua pertinência no âmbito do tema. Deve ser dada particular atenção à paginação das imagens/textos, pelo que o ensaio deve ser acompanhado de um ficheiro PDF com paginação sugerida para 17×24,5cm e resolução de 300ppi.

(informação útil: https://catoolkit.herts.ac.uk/toolkit/the-visual-essay/)

 

Uma peça inédita de grandes dimensões, considerada pela família de Almada Negreiros “a pedra no sapato” do espólio do artista, foi restaurada e vai poder ser vista pelo público, a partir desta quinta-feira, no Museu Nacional de Arte Antiga.

Estudo em fio dos painéis de São Vicente (título atribuído)© Direitos reservados

Depois de 80 anos guardada no antigo atelier de Almada Negreiros (1893-1970) esta obra, datada de 1950, esteve nas mãos dos especialistas do Laboratório José de Figueiredo, em Lisboa, para ser restaurada, e tem como título atribuído Estudo em fio dos painéis de S. Vicente.

Guardada durante décadas a sofrer a degradação do tempo, tem quase dois metros de altura e largura, e apresenta desenhos e reproduções fotográficas dos icónicos painéis do século XV, fios de algodão e arame, características únicas agora enaltecidas por um restauro e estudo aprofundado.

“Do espólio que nós temos na família, esta é capaz de ser a ‘pedra no sapato’ mais complexa, porque tem uma dimensão bastante grande, necessitava de um restauro multidisciplinar, e de um estudo paralelo. Reunia muitas condições que nunca tínhamos conseguido até hoje”, disse à agência Lusa Rita Almada Negreiros, neta do artista, em setembro, durante uma visita ao Instituto José de Figueiredo.

Os quinze painéis na Capela do Fundador (título atribuído)© Direitos reservados

A partir desta quinta-feira, esta peça, inspirada nos Painéis de São Vicente, obra maior da pintura europeia do século XV, da autoria do pintor português Nuno Gonçalves, é exibida pela primeira vez no Museu Nacional de Arte Antiga (MNAA), em Lisboa, no âmbito de uma exposição que resulta de uma investigação desenvolvida por Simão Palmeirim e Pedro Freitas.

“Esta peça esteve desde os anos 1950 no mesmo sítio, pousada onde Almada a deixou, e foi-se degradando, sofrendo com o passar do tempo, o envelhecimento dos materiais, num atelier prefabricado em madeira, em Bicesse, que ainda existe, e, onde havia oscilações de temperatura, e de humidade”, relatou a neta do artista, sobre as condições do espólio.”

Para grande contentamento das netas de Almada - Rita e Catarina - que guardam o espólio do artista multifacetado, falecido em 1970, esta peça foi finalmente restaurada, e pode ser exibida ao público, num museu. Esperam ainda que possa ficar em depósito no MNAA, para sua própria proteção, e ser estudada pelos interessados.

Rita Almada Negreiros mostrou uma grande satisfação pela concretização do restauro, uma oportunidade conseguida, “graças ao Laboratório José de Figueiredo, à equipa multidisciplinar, e à exposição que se vai realizar no Museu Nacional de Arte Antiga”.

Também sublinhou a importância da realização de exaustivos estudos prévios, pelos investigadores Simão Palmeirim e Pedro Freitas, especialistas nas áreas de pintura, geometria e matemática: “Há vários anos trabalham sobre o espólio [de Almada Negreiros], e já conseguiram deslindar estes traçados geométricos, para fazer o restauro ponto a ponto para esta peça”. “Foram muitos anos de espera, e já quase tinha perdido a esperança”, disse à Lusa, emocionada.

José de Almada Negreiros - figura ímpar do modernismo português do século XX - aplicou-se, ao longo da vida, a uma grande diversidade de meios de expressão artística, desde o desenho e a pintura, mas também o ensaio, romance, poesia, dramaturgia, e até o bailado.

Esta peça, que é agora exibida pela primeira vez, tem a particularidade de ter sido inspirada pelos Painéis de São Vicente, o políptico que fascinou Almada desde a primeira vez que a viu, de tal forma que fez um pacto com Amadeo de Souza-Cardoso e Santa-Rita para a estudarem até ao fim da vida.

Os outros dois artistas viriam a falecer em 1918, mas Almada continuou o seu propósito, e dedicou várias décadas à promessa, criando uma teoria para explicar os enigmas do conjunto de pintura antiga. Imaginou a disposição de mais de uma dezena de pinturas num só grande retábulo, que afirmava ter sido projetado para o Mosteiro da Batalha, resultando desses seus estudos uma vasta produção artística.

Estudo geométrico a propósito da obra Ecce Homo (título atribuído)© Direitos reservados

Rita Almada recordou que, infelizmente, devido ao seu estado, as peças não puderam ser exibidas na exposição antológica “José de Almada Negreiros - Uma Maneira de ser Moderno”, que a Fundação Calouste Gulbenkian lhe dedicou, em 2017, com mais de 150 obras.

“Agora, vai ter um destaque especial na Sala do Teto Pintado do Museu de Arte Antiga”, disse, sobre a exposição que abre esta quinta-feira ao público, com o título “Almada Negreiros e os Painéis - um retábulo imaginado para o Mosteiro da Batalha”, com peças em que o artista apresenta a sua interpretação geométrica de várias pinturas do museu, entre as quais os próprios painéis de São Vicente.

Pela primeira vez, serão apresentadas duas obras de grande dimensão - uma de 1950 e outra de 1960 - completas, que aliam fotografia, desenho e materiais têxteis, e marcam momentos importantes da pesquisa de Almada, bem como alguns estudos preparatórios do artista.

Esta exposição é complementada por uma outra, dedicada ao mesmo tema, no próprio Mosteiro da Batalha, a inaugurar, sob o título “Almada Negreiros e o Mosteiro da Batalha - quinze pinturas primitivas num retábulo imaginado”, e tem também como comissário Simão Palmeirim.

Artigo publicado originalmente no jornal Diário de Notícias a 15/10/2020

Os refugiados são o tema de várias exposições patentes no Imperial War Museum, em Londres.

“A Face to Open Doors” apresenta uma experiência que aborda a inteligência artificial, criada pelo premiado coletivo de artistas Anagram. Num futuro imaginário, os controlos fronteiriços serão guiados por inteligência artificial O rosto será o passaporte e as expressões faciais determinarão para onde a pessoa é enviada.

Exposição sobre os refugiados em Londres, Direitos de autor AP Photo

“Não achamos que seja inverosímil. Nós ficcionámos isto, mas a pesquisa baseou-se em acontecimentos reais. Sabemos que estão a ser feitas experiências em todo o mundo”, realça Susie Thornberry do Imperial War Museum (IWM).

A exposição “Refugees: Forced to Flee” olha para os refugiados ao longo do tempo, desde a Primeira Guerra Mundial até aos dias de hoje.

A exposição deveria ter sido inaugurada em abril, mas a pandemia adiou a abertura.

“De certa forma, a pandemia não mudou o conteúdo desta exposição, mas é muito claro que o coronavírus e uma pandemia global desta escala representam um risco real para as populações de refugiados atualmente”, afirma a curadora para a área de conflitos contemporâneos do IWM, Iris Versey.

As instalações e as exposições sobre os refugiados podem ser visitadas no Imperial War Museum, em Londres, até maio do próximo ano.

 

Artigo publicado originalmente em euronews a 25/09/2020

1ª Sessão: Recuperação de infra-estruturas digitais para o interesse público a 20/10/2020 - 9h00 às 10h30

2ª Sessão: Uma empresa de software público a 27/10/2020 - 9h00 às 10h30

3ª Sessão: Onde, o quê e quem é a infraestrutura pública digital? a 10/11/2020 - 9h00 às 12h00

Descrição das Sessões

Imagine viver numa sociedade em que a maioria das terras e edifícios disponíveis para reuniões e trabalho pertenciam a algumas corporações com fins lucrativos. Igrejas, governos, grupos de amigos, escolas, organizações sem fins lucrativos e movimentos sociais de base teriam que reservar um espaço - ou ter uma chave para - uma instalação de propriedade privada, geralmente num grande campus corporativo, a fim de se reunirem e trabalharem juntos . Seria uma sociedade sem prédios com cúpulas, prefeituras, templos, campus abertos, parques públicos, centros comunitários ou espaços sem fins lucrativos. 

Felizmente, esta não é a sociedade em que vivemos, mas descreve os espaços online onde as nossas informações digitais são armazenadas e onde grande parte da vida contemporânea - incluindo ações da sociedade civil - agora ocorre. Esse cenário é inerentemente ameaçador para as democracias, nas quais a liberdade de expressão e a participação pública pressupõem que as pessoas tenham a capacidade e o espaço para se reunir fora do monitoramento corporativo ou governamental.

Junte-se a nós na Recuperação da infraestrutura digital para o interesse público. Esta é uma série de três partes para criar consciência, intenção e envolvimento num ecossistema de ideias e práticas que podem trazer à existência uma infraestrutura digital que se alinha às aspirações da comunidade, protege a segurança pessoal e de grupo e prioriza pessoas, comunidades e um público.

Artigo divulgado originalmente no Stanford PACS

O festival bretão é mantido numa versão adaptada aos novos protocolos de saúde. De 2 a 6 de Dezembro, 42 artistas e duas companhias de dança participarão nas festividades, metade do número habitual.

Marie-Pierra Kakoma, uma jovem prodígio belga à beira do pop e do rap, no palco Trans no ano passado. Damien MEYER / AFP

O festival des Trans Musicales de Rennes revelou o programa da sua 42ª edição, que será “mascarado, sentado e distanciado” e organizado em locais mais pequenos devido à crise de saúde.

Leia mais: Les Trans Musicales illuminent Rennes

“Decidimos manter esta edição com uma arquitectura diferente e um protocolo sanitário adaptado a cada sala”, explicou Béatrice Macé, co-fundadora da Trans Musicales com Jean-Louis Brossard, num vídeo transmitido na Internet. O festival será realizado de 2 a 6 de Dezembro “a menos, claro, que a pandemia se desenvolva negativamente, o que nos obrigaria a cancelar, como muitos festivais infelizmente já experimentaram”, disse a Sra. Macé. “Não podíamos interromper a relação com artistas e festivaleiros sem testar a nossa capacidade de adaptação às circunstâncias”, acrescentou ela.

O programa inclui 42 grupos e duas companhias de dança participarão nesta edição, metade do que é habitual. Os espectáculos serão sentados, com um limite de 1.000 pessoas em cada sala, um lugar livre entre cada pessoa, reserva obrigatória e respeito pelas regras de distanciamento.Entre os artistas previstos estão a cantora-compositora italiana Andrea Laszlo de Simone, que marcou o ano com o seu sumptuoso álbum tingido de pop cósmico Immensità, e a jovem Crystal Murray, a nova estrela da alma francesa com apenas 18 anos de idade.

Reuniões e debates

O festival, que se realiza geralmente em grande parte nos salões do Parque Expo no aeroporto de Rennes, terá desta vez lugar em seis salões mais pequenos, em Rennes e arredores, das 15h às 3h da manhã. Uma série de reuniões e debates, “previstos como uma tentativa de obter uma compreensão global desta crise da Covid-19”, será também organizada, segundo a Sra. Macé.

Em 2019, a Trans Musicales de Rennes tinha atraído 56.000 pessoas, em comparação com 58.000 no ano anterior. No total, foram realizados 125 concertos por 84 grupos (contra 89 em 2018) e duas companhias de dança durante os cinco dias do festival, o que abriu o caminho para a cena musical.

 

Artigo publicado originalmente no jornal Le Figaro a 13/10/2020

O Alkantara Festival apresenta o programa da edição de 2020, que de 13 a 29 de novembro traz às salas lisboetas 20 espetáculos e projetos artísticos, nove destes em estreia absoluta, e recebe online o Fórum Cultura.

Dança, teatro, performance, conversas e debates constituem a programação da edição de 2020 do Festival Internacional de Artes Performativas, que em novembro inaugura um ciclo anual e reúne em Lisboa duas dezenas de artistas de várias proveniências disciplinares e culturais.

O Alkantara apresenta-se como espaço de encontro, partilha e discussão pública e, entre edições, as questões, projetos e práticas abordadas no festival serão aprofundadas em residências artísticas, workshops e encontros públicos, programados maioritariamente no Espaço Alkantara. A direção artística do projeto, formada por Carla Nobre Sousa e David Cabecinha, pretende desta forma acompanhar os trabalhos artísticos de forma duradoura e dar continuidade às discussões que esta edição vai permitir partilhar com o público.

Joana Levi, Rasante (Terra Batida)

No programa do Alkantara Festival 2020 vão estar em destaque projetos que contribuem para reflexões sobre a crise ambiental, que contrariam a invisibilização de identidades marginalizadas ou que investigam sobre a capacidade de construção e reinvenção de sentidos em cena.

Em estreia absoluta serão apresentados os espetáculos: Heading Against the Wall, de Cão Solteiro & André Godinho, que explora a possibilidade de fazer teatro fora do teatro e será apresentado em duas versões, para ver em casa ou ao vivo no TBA no Lux; Still Dance for Nothing (2020), criado pela coreógrafa Eszter Salamon em colaboração com a bailarina Vânia Doutel Vaz; Tafukt, que marca o regresso ao Alkantara do coreógrafo de origem marroquina Radouan Mriziga; Sexta-feira: O fim do mundo… Ou então não, o quinto capítulo do projeto “Sete Anos Sete Peças” da coreógrafa Cláudia Dias; Grinding The Wind, um trabalho da artista palestiniana Dina Mimi com comissariado de The Consortium Comissions - uma iniciativa de Mophradat para promover artistas do mundo árabe; e The Anger! The Fury!, que procura uma mistura radical de otimismo alimentado pela raiva de querer mudar o mundo, da coreógrafa e dramaturga Sónia Baptista.

Ao longo do festival, no São Luiz Teatro Municipal, será possível descobrir e acompanhar a rede Terra Batida, proposta por Marta Lança e Rita Natálio, através de um conjunto de atividades com entrada livre. No âmbito desta rede serão apresentadas pesquisas, conversas e debates, com propostas de Ana Rita Teodoro, Maria Lúcia Cruz Correia, Sílvia das Fadas, Vera Mantero e, também em estreia absoluta, as performances Superintensiva de Marta Lança, Rasante de Joana Levi e Fóssil de Rita Natálio. A rede Terra Batida junta pessoas, práticas e saberes em disputa com formas de violência ecológica e políticas de abandono, envolve residências em vários locais do país, o lançamento de publicações e projetos artísticos com apresentação inédita no Alkantara Festival.

Em estreia nacional serão apresentados quatro espetáculos: Farci.e, de Sorour Darabi, artista de origem Iraniana, que encontra na dança uma forma de resistir à violência da língua que obriga a definir e separar o masculino e o feminino; CUTLASS SPRING que traz pela primeira vez a Portugal a coreógrafa canadiana Dana Michel, que prossegue a procura por compreender o mistério em que se tornou a sua identidade sexual; Histoire(s) du Théâtre II, do coreógrafo congolês Faustin Linyekula, que em 2016 foi Artista na Cidade de Lisboa e volta a subir ao grande palco da Culturgest; e L’Homme rare de Nadia Beugré, uma coreógrafa nascida na Costa do Marfim, que cria uma coreografia para cinco homens que parte de movimentos considerados femininos para confundir as nossas perceções de género.

O programa do Alkantara Festival 2020 acolhe ainda a antestreia de Glottis no Centro Cultural de Belém, uma espécie de concerto dançado da coreógrafa Flora Détraz, em que três figuras fantásticas comunicam com o desconhecido. O Teatro Nacional D. Maria II recebe também Coreografia, o mais recente trabalho de João dos Santos Martins, que traduz a procura do coreógrafo para construir uma dança que é um texto e escrever um texto que é uma dança.

Além do programa de espetáculos, no festival realizam-se duas sessões do Fórum Cultura, um espaço para discutir temas chave para o desenvolvimento profissional do meio artístico, organizado em parceira com o Polo Cultural das Gaivotas | Boavista/Loja Lisboa Cultura, no âmbito do programa PISTA. O primeiro encontro acontece no dia 16 de novembro, às 15h, será dedicado à Representatividade Negra nas Artes Performativas: Significados, Limites e Políticas de Ação Afirmativa e conta com a moderação da investigadora Raquel Lima. O segundo encontro realiza-se a 21 de novembro, às 15h, e terá por tema A coprodução nos bons e maus momentos e moderação da gestora cultural Vânia Rodrigues. Estas edições do Fórum Cultura, serão de participação livre, com transmissão online.

A partir do dia 13 de outubro, é possível adquirir o Cartão Alkantara que oferece descontos especiais na aquisição de bilhetes. O valor do cartão é de 10 euros, que revertem na totalidade para o Fundo de Solidariedade com a Cultura. O cartão pode ser adquirido até 12 de novembro em alkantara.bol.pt e utilizado antes e durante o festival para a compra de bilhetes online ou nas bilheteiras dos teatros. Cada cartão permite comprar um bilhete por espetáculo com desconto de 30% no CCB e de 50% na Culturgest, TBA no Lux, São Luiz Teatro Municipal e Teatro Nacional D. Maria II.

O programa detalhado do Alkantara Festival 2020 pode ser consultado em alkantara.pt.

––––—

Informações adicionais sobre o Alkantara Festival e a Associação Alkantara:

O Alkantara Festival apresenta em Lisboa, desde 2006, um programa experimental de dança, teatro, performances, conversas, concertos e outras atividades, contribuindo para a reflexão sobre práticas artísticas e a sua relação com questões das sociedades contemporâneas.

É um importante lugar de encontro para profissionais das artes performativas e promove a internacionalização da comunidade artística portuguesa, através da coprodução e apresentação de artistas de diferentes gerações, nacionais ou que desenvolvem a sua atividade a partir de Portugal.

Até 2018, o Alkantara Festival realizou-se com periodicidade bianual e habitualmente no mês de maio. Em 2020, ano em que se completam 27 anos de história do Danças na Cidade (1993-2004), festival fundado pela bailarina Mónica Lapa (1965-2001) e que antecedeu o Alkantara, o projeto passa a ser anual e a acontecer em novembro. O reforço da regularidade visa potenciar o envolvimento do projeto com artistas, organizações parceiras e públicos, capacitando a sua participação na discussão pública, na produção de conhecimento e no próprio tecido cultural da cidade de Lisboa.

Alkantara é uma associação cultural sem fins lucrativos, com atividade reconhecida de interesse público, centrada na promoção e desenvolvimento de projetos na área das artes performativas.

Organiza o Alkantara Festival, produz o projeto Sete Anos Sete Peças da coreógrafa Cláudia Dias, gere e programa o Espaço Alkantara desde 2007, edifício histórico em Santos, do município de Lisboa, onde a associação também se encontra sediada. No Espaço Alkantara acolhe residências artísticas, projetos e iniciativas de estruturas pares, promove formações para profissionais da cultura, apresenta espetáculos e diversas atividades que sustentam um programa continuado de pesquisa e investigação artísticas.

Dentro ou fora de portas, a Associação Alkantara coproduz e programa em diálogo com uma rede alargada de parceiros, que atuam em contextos nacional e internacional, sustenta práticas artísticas e de governação interdependentes, e institui-se uma organização cultural atenta, ativa e participante nas sociedades.

A Associação Alkantara é financiada pela República Portuguesa/Cultura — Direção Geral das Artes e pela Câmara Municipal de Lisboa.

ALKANTARA.PT

FACEBOOK

INSTAGRAM

YOUTUBE

O Colors Festival é um festival internacional, em live streaming, que pretende congregar diferentes culturas e estilos únicos e diferenciadores. A começar dia 16 de outubro, cada concerto tem a participação de um artista de cada continente.

Com um princípio unificador de culturas, o Colors Festival vai ser o primeiro a realizar-se em 6 continentes, integrando as variantes da Pop nos concertos. Durante o mês de outubro, os artistas darão o seu concerto em live stream, emitido através do site do festival.

A designação Colors Festival procura materializar o princípio da união de culturas, nas suas várias vertentes, associando cada continente a uma cor. Assim, a Europa vai receber os Blue Concerts, a Ásia os Red Concerts, África os Orange Concerts, Oceânia os Yellow Concerts, a América do Norte os Purple Concerts e a América do Sul os Green Concerts.

Algumas das confirmações são Richard Stirton (África do Sul), Rui Drumond (Portugal), Rahul Rajkhowa (Índia), Lua Blanco (Brasil),  Vinicius D’black (Brasil), Jason Warrior (EUA), Davi Sabbag (Brasil) e De Britto (Portugal).

Do mundo e para o mundo, esta é matriz do Colors Festival, que promete ser um marco em 2020! Os artistas e outras novidades estão a ser atualizadas nas redes sociais e website do festival, colorsmusicfestival.com ! Os bilhetes estão no próprio site e em rhodestore.com .

As poetas Virgínia Dias e Raquel Lima serão as protagonistas de uma das seis conversas sobre os Ofícios da Palavra programadas no festival Passa a Palavra, que decorrerá em Oeiras, entre 15 e 18 de Outubro.

Afastadas por meio século e outras quantas circunstâncias, as duas mulheres levantam voo e fundam raízes numa poesia oral, ou escrita para ser dita, para contar, cantar, pensar, transformar.
A conversa, terá lugar no dia 18, domingo, às 15h, na Livraria-Galeria Verney, seguir-se-á, no mesmo local, às 17h, o lançamento de Como um pedaço de terra virgem de Virgínia Dias, com a participação Ana Sofia Paiva, Cristina Taquelim, Domingos Morais, Manuel da Silva Ramos, Marta Ramos e Nuno Pacheco.

Com excepção dos “Jantares Narrados”, a participação em todas as actividades é gratuita, mediante inscrição através do email: insc.passapalavra@gmail.com. Lugares limitados.
Muito gostaremos de vos ver por lá!

Virgínia e Raquel

––—

Virgínia Dias (Peroguarda, 1935)
Começou a fazer poemas antes de saber escrever. Inspirava-se nos poetas populares, nos contos da avó, nas peças de teatro que via ao seu colo e que imitava às escondidas no dia seguinte. Inspirou-se sobretudo na injustiça, o grande mote da sua poesia. Na violência da professora da primária, a quem dedicou as primeiras quadras escritas na lousa da escola, na fome e no frio das crianças, no inferno da ceifa e do suão, na humilhação do manajeiro, no salário de miséria, na escola interrompida aos 11 anos para trabalhar no campo, esse campo que é ao mesmo tempo a sua prisão e a sua paixão.
Aos 40 anos o marido descobriu-lhe poemas guardados em gavetas. Tinha vergonha de ser poeta sem métrica. Ocasionalmente, participou em concursos nos quais arrebatou prémios e menções honrosas. Pierre-Marie Goulet filmou-a cantando e dizendo poemas seus na triologia iniciada com o filme Polifonias. A sua poesia, essencialmente oral, foi sendo publicada e recolhida, primeiro por Paulo Lima, depois por Marta Ramos. Passados mais 40 anos, está finalmente reunida nesta antologia quase completa, à qual se junta um CD de poemas ditos entre canções e histórias da vida, com vista sobre a planície e todo o universo que dali se vislumbra.
Reportagem RTP do lançamento em Peroguarda, por Ana Luísa Rodrigues: https://www.rtp.pt/noticias/cultura/virginia-dias-camponesa-e-poetisa-alentejana_v1192196

Raquel Lima (Lisboa, 1983)Lisboeta das duas margens do Tejo e do Atlântico, de mãe angolana, pai santomense, avó paterna senegalesa e trisavó materna brasileira. Poeta, performer e arte-educadora, Raquel Lima fixa em Ingenuidade Inocência Ignorância (BOCA e Animal Sentimental, 2019) parte de um percurso de dez anos de poesia essencialmente oral, movimento que a levou a mais de uma dezena de países na Europa, América do Sul e África. Durante esse período, apresentou o seu trabalho em eventos de literatura, narração oral, poetry slam, spokenword, performance e música. A transdisciplinaridade com que aborda arte, memória e sociedade, atenta às desigualdades sociais e aliada a uma vontade de encontrar e compreender as suas raízes, levou-a a regressar à academia, onde desenvolve a sua investigação focada em oratura e escravatura em São Tomé e Príncipe no Centro de Estudos Sociais da Universidade de Coimbra.

Alguns artigos e entrevistas: Público, por Carla Fernandes: https://www.publico.pt/2020/05/18/culturaipsilon/noticia/ingenuidade-inocencia-ignorancia-palma-mao-1916161 TSF, por Nuno Domingues: https://www.tsf.pt/portugal/cultura/um-livro-de-poesia-escrita-para-ser-ouvida-11640339.html Antena 2, por Luís Caetano: https://www.rtp.pt/play/p1299/e442966/a-ronda-da-noite

Lançamento: Como um pedaço de terra virgem

Obra de uma vida, esta antologia quase completa é simultaneamente a estreia editorial de Virgínia Dias, aos 84 anos, depois de meia-dúzia de poemas publicados em revistas e edições colectivas. O áudio de 64 minutos que a acompanha junta gravações realizadas em 2018 com outras gentilmente cedidas por Pierre-Marie Goulet da triologia que iniciou em 1997 com o filme Encontros. O registo em forma de conversa testemunha o modo especial como a autora encadeia poemas, canções e as estórias que lhes estão na origem. A edição conta com prefácio de José Mário Branco e fotografias de António Cunha e Luís Ferreira Alves.

Apoio: Direção Regional de Cultura do Alentejo

Não esperem ver rosas na minha poesia
Não esperem ver rosas na minha poesia.
Não tenho rosas. Na terra do canteiro que
a vida me destina só se criam papoilas.
Nem esperem vê‐la em trajes de cetim,
é riscado e chita o que tenho à mão.
Nem vê‐la a passear nas ruas da cidade,
em citações filosóficas de sábios doutores. Nem de nome os conheço.
Nunca subi à cidade nem a cidade desceu à minha
aldeia. Conheço sim o mendigo, o maltês,
figuras trágicas de desespero e sofrimento, sempre envoltas numa resignação que doía, doía.
Conheço os varejadores, as azeitoneiras,
os almocreves, o semeador, o ceifeiro, a mondadeira,
gente de cujo gesto mágico brota o pão.
Virgínia Dias

Sessão de apresentação da obra: 15 Out. 2020 às 18h

Apresentação: Doutor Jorge Fonseca

Este estudo pretende dar a conhecer a história de homens e de mulheres oriundos do continente africano, trazidos como escravos e que foram instalados durante séculos no território do Vale do Sado, provavelmente a partir de finais do século XV. Mas o espaço temporal deste trabalho estende-se através dos séculos seguintes, procurando nas dinâmicas económicas, sociais e políticas da história de Portugal, os elementos que permitem compreender a sua presença ligada a culturas extensivas como a do arroz a partir do século XVIII e a sua consolidação como comunidade estabelecida, afirmando uma identidade alentejana e portuguesa, que exclui hoje quaisquer marcas culturais significativas de um passado africano. 

Autora: Isabel Castro Henriques nasceu em Lisboa em 1946, tendo-se licenciado em História em 1974, na Universidade de Paris I – Panthéon-Sorbonne. Em 1993, doutorou-se em História de África na mesma universidade francesa, com uma tese consagrada ao estudo da Angola oitocentista, numa perspectiva de longa duração. Professora Associada com Agregação do Departamento de História da Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, introduziu os estudos de História de África em 1974, orientou teses de mestrado e doutoramento e ensinou durante quase 40 anos História de África, História do Colonialismo e História das Relações Afro-Portuguesas, desenvolvendo hoje a sua investigação histórica sobre África e sobre os Africanos no CEsA/ISEG-Universidade de Lisboa. Além de trabalhos científicos de natureza diversa, como projectos de investigação, programas museológicos, exposições, documentos fílmicos, colóquios e congressos, seminários, conferências, publicou dezenas de artigos e livros centrados nas temáticas históricas africanas.

Para mais informações consulte: http://www.edi-colibri.pt/Detalhes.aspx?ItemID=2481

Brotéria 30 de setembro, 21:30 Entrada gratuita mediante reserva até dia 29 de setembro através do e-mail atelier@efabula.pt. O uso de máscara é obrigatório e estarão garantidas todas as normas de distanciamento social e higienização do espaço. Lotação: 25 pessoas. A acústica é um ramo da Física que estuda o som, um fenómeno em ondas causado pelos mais diversos objetos, cuja propagação dá-se através dos diferentes estados físicos da matéria. Sendo emitido a partir de uma fonte sonora qualquer, o som encontra em seguida à sua emissão uma série de anteparos que lhe causam difração, reflexão ou absorção. É este encontro da materialidade sonora com as demais materialidades físicas que a acústica aborda. Cada ambiente arquitetónico conta com um conjunto diversificado de possibilidades de interação do som com a matéria. Assim como um morcego utiliza a sua sonda para adivinhar a natureza do ambiente por onde circula, a acústica revela um ambiente, sua natureza, seus espaços. UMA VOZ toma o edifício da Brotéria como um imenso instrumento a ser tocado pela voz de uma mulher, usando a sua acústica como base de exploração sonora. Ao público, é designado um caminho a seguir em diálogo com essa voz que ora revela, ora esconde o espaço na sua articulação com o silêncio e com a nudez da arquitetura deste centro cultural. O projeto reúne o coreógrafo brasileiro Gustavo Ciríaco, a performer e cantora portuguesa Isabél Zuaa, parceiros de longa data, com o músico e compositor brasileiro Domenico Lancellotti. UMA VOZ é uma performance-concerto assombrada pelo afeto daqueles que partiram de modo trágico pela sua cor de pele, pelo seu género, pela sua identidade sexual, pela sua condição social, pelo seu posicionamento político, removendo-os das suas histórias e a nós dos seus mundos. A partir de composições originais e adaptadas, UMA VOZ investe no encontro do canto de Isabél Zuaa com a arquitetura para levar o público num passeio pelo cheios e vazios de uma nau. Gustavo Ciríaco (Rio de Janeiro) é um coreógrafo e artista contextual baseado entre Lisboa e Rio. Com formação em Ciências Políticas, Ciríaco tem desenvolvido um conjunto multiforme de obras que põe o coreográfico a dialogar com os circuitos da experiência urbana,  as condições de visibilidade dos museus e  a ficção da experiência. Nas suas obras,  a dança, storytelling, a palavra cantada, o teatro e as artes visuais, convivem em  projetos expositivos e site-specific onde arquitetura, paisagem e ficção se encontram em performances marcadas pela partilha da experiência sensível. As suas obras foram apresentadas em importantes festivais, galerias e instituições nacionais e internacionais como Crossing the Line/N.Iorque; Casa Escendida/Madrid; Museu de Serralves/Porto; Mercat de Flors/Barcelona; Alkantara, Culturgest, TNDM II, ZDB, Museu Berardo/Lisboa; Ferme de Buisson, Paris Quartier d’Été/Paris; Tanz im August/Berlim; Al-Mammal Foundation/Jerusalém; Prague Theatre Festival/Praga; Vooruit/Ghent; Tokyo Wonder Site/Tóquio; Digital Art Center/Taipei; CENEART/Cidade do México; Panorama, Tempo Festival, CCBB/Rio de Janeiro; Arqueologías del Futuro/Buenos Aires; Bienal SESC de Dança, Itaú Cultural/São Paulo; Salón 44/Pereira; Walk & Talk/Ponta Delgada; London Festival, BAC, Laban Centre, Chelsea Theatre/Londres; NottDance/Nottingham; Arnolfini /Bristol; Metropolis /Copenhague; NAVE/Santiago; FIDCU/Montevidéu; FADJR /Teerão; Danzalborde /Valparaíso; San Art Gallery/Ho Chi Min, Bellas Artes Projects/Manila, entre outros. Destaca-se entre  as suas obras a caminhada Aqui enquanto caminhamos /2006, Still – sob o estado das coisas/2007, Onde o horizonte se move/2012, Sala de Maravilhas/2012, Gentileza de um Gigante/2016. Em 2020, Ciríaco inicia a sua nova criação Cobertos pelo Céu, uma coleção de instalações interativas em torno de experiências de paisagens vividas por artistas de uma poética espacial autoral. Direção e criação: Gustavo Ciríaco Voz e interpretação: Isabél Zuaa Direção musical e interpretação: Domenico Lancellotti Canções: António Pedro Lopes, Eden Ahbez, Gustavo Ciríaco e Nathan Marques/Crispin Consultoria de luz: Santiago Tricot

Contemporary perspectives on visual arts and culture

Edição especial: Africa/Brasil

Data limite para submissões: 15 de dezembro de 2020 

Data de publicação: julho de 2021

3rd Text Africa (originalmente Third Text Africa) convida para o envio de artigos sobre o tema “Africa/Brasil”, a serem publicados em julho de 2021.

Nós estamos particularmente interessados em estudos de caso e estudos comparativos que abordem os seguintes tópicos:

• Reflexões artísticas sobre o tráfico negreiro, a escravidão e seus efeitos;
• Relações entre artistas e outros agentes dos campos artísticos da África e do Brasil no contexto da emancipação política das nações africanas, durante e após a Guerra Fria;
• Trocas entre artistas e outros agentes em relação a instituições como museus e escolas ou a eventos como festivais de arte e bienais;
• Outros diálogos entre África e Brasil no contexto do atual processo de globalização.

Diretrizes para submissões

• Os textos podem ter o formato de ensaios, entrevistas ou resenhas. Ensaios visuais também são benvindos.
• Os textos não podem ultrapassar 7.000 palavras, incluindo as notas.
• Textos em português e inglês são benvindos.
• Os autores devem seguir as regras de estilo de ASAI (disponível mediante solicitação)

Os responsáveis por esta edição são Roberto Conduru (Southern Methodist University, Dallas), Mario Pissarra (ASAI) e Awam Amkpa (New York University).

Sobre 3rd Text Africa (originalmente Third Text Africa) 3rd Text Africa é uma revista online, com acesso livre, revisada por pares e publicada pela Africa South Art Initiative.

• 3rd Text Africa tem um particular interesse em promover a reflexão a partir da África e do Sul global, mas considera todas as submissões, desde que ofereçam novas perspectivas e sejam relevantes para o tema da edição.
• 3rd Text Africa procura ser accessível a uma audiência mais ampla que a tradicionalmente alcançada por revistas acadêmicas e recebe contribuições não apenas de acadêmicos, mas também de curadores, artistas, críticos, educadores e outras pessoas atuantes nas artes.
• 3rd Text Africa tem publicado edições temáticas desde 2009. Fundada por Rasheed Araeen como um veículo para ampliar o escopo da revista Third Text, 3rd Text Africa tem sempre operado independentemente da revista matriz.

Para mais informações: https://asai.co.za/third-text-africa/

Para esclarecimentos sobre esta edição:

Prof Roberto Conduru rconduru@mail.smu.edu

Dr Mario Pissarra mario@asai.co.za

Prof Awam Amkpa awam.amkpa@nyu.edu

Para submissões para esta edição: admin@asai.co.za

Este é o ano das comemorações de 10 anos de BUALA. Saímos no Público a 25/5, data específica de lançamento (dia de África). 

“Faz esta segunda-feira dez anos. Foi a 25 de Maio de 2010, para assinalar o dia de África, que foi lançada a plataforma e portal Buala (www.buala.org), com uma abordagem transdisciplinar, onde as esferas político-sociais e as artísticas se tocam, numa lógica onde tanto se sistematizam actividades culturais em sociedades contemporâneas, em particular os contextos pós-coloniais, como se lança um olhar reflexivo sobre as mesmas.

Tudo começou quando a investigadora portuguesa Marta Lança, a timoneira e editora do projecto, em diversas viagens a lugares como Luanda, Maputo ou São Tomé, era confrontada com a dificuldade, sobretudo dos jovens, no acesso à informação e conhecimento produzido sobre os seus próprios contextos. Por outro lado, em Portugal, sentia que alguns aspectos da criatividade daqueles territórios não eram conhecidos. Mas não só. Também as práticas e o pensamento africano ou afrodescendente no território português não detinha visibilidade, ou a imagem oferecida era distorcida. É a partir dessa triangulação que a Buala nasce.   

Hoje, diz ela, “apesar da ainda manifesta dificuldade na análise do passado colonial português, tem-se vasculhado nos arquivos e nas memórias e produzido conhecimento sobre o colonialismo, a ditadura, a guerra e a resistência, tanto nas ciências sociais como nas artes.” A Buala tem contribuído para isso. Na actualidade se os cenários do pós-colonialismo se tornaram num objecto recorrente nas práticas artísticas ou nas humanidades, isso também se deve ao portal. “Quando imaginei um espaço como este foi também para complexificar o conhecimento sobre realidades enquadradas numa história comum mal contada – a construção do ‘espaço lusófono’ – para emancipar estas relações para lá de notas folclóricas, saberes académicos ou evasivos discursos políticos que não equacionam reparações ou pedidos de desculpa.”

FotoA Buala, diz Marta Lança, é uma “ferramenta de reflexão, construída a várias vozes, que obedece a uma ‘curadoria aberta’, com metodologia de trabalho informal e persistente.”Foi a partir das suas diversas vivências, operando com autores firmados e emergentes, cruzando discursos, tempos e lugares, que Marta Lança se foi questionando sobre a “falta de universalidade da produção teórica e artística.” Foi aí que resolveu criar digitalmente a Buala. “Tivemos um apoio inicial da Casa das Áfricas e da Gulbenkian”, recorda. “E depois 8 anos sem apoios, até termos tido um pontual da DGartes e um apoio em 2019-20 da Câmara de Lisboa”, que não sabe se irá ter continuidade no futuro imediato. Apesar da sua orientação, assume que a Buala é uma “ferramenta de reflexão, construída a várias vozes, que obedece a uma ‘curadoria aberta’, com metodologia de trabalho informal e persistente.”

Na sua visão só é possível uma abordagem pós-colonial que seja “polifónica”, colocando em realce “enfoques históricos, geográficos, políticos e culturais.” Sendo assim, tenta definir, a Buala é esse “lugar de encontro, gerador de visibilidade e de fricções, incentivando discursos que abarcam realidades e urgências diversas.” Artigos sobre as violências e acontecimentos dos impérios coloniais, as culturas transnacionais ou textos a partir de exposições, filmes, teatro ou conferências são comuns. Por ali passa, com assiduidade, o debate sobre a descolonização dos museus, o activismo da cultura visual e a restituição do património africano, ou as questões indígenas, negras, queer e lutas interseccionais.

Numa frase, existe essa ambição de sistematizar e atribuir sentido a conhecimento que é interpelador, contribuindo para outras formas de pensar o mundo. Nesta segunda-feira, reflectindo esse posicionamento transdisciplinar, lá encontramos inúmeros depoimentos de gente tão diferente como Marta Mestre (curadora), Miguel Vale de Almeida (antropólogo), Elísio Macamo (investigador), Iolanda Évora (psicóloga social), Djaimilia Pereira de Almeida (escritora), Ery Cláver (cineasta angolano), Monica Musoni (artista),  Kiluanji Kia Henda (artista), Filipa César (artista), António Pinto Ribeiro (investigador) ou Luaty Beirão (músico).”

tp.ocilbup@onaicnalebv

Sessão no Indie: dia 28/8 I 19h na Cinemateca Portuguesa. 

Fantasmas do Império explora o imaginário colonial no cinema português desde o início do  século XX. 100 anos de cinema… Aos documentários e ficções que sustentam o enredo imperialista, contrapõem-se filmes e olhares contemporâneos. 

Sete cineastas portugueses – Fernando Matos Silva, João Botelho, Margarida Cardoso, Hugo Vieira da Silva, Ivo M. Ferreira, Manuel Faria de Almeida, Joaquim Lopes Barbosa - abrem os cofres da memória cinematográfica colonial, dialogando com dois actores, Ângelo Torres, são-tomense, e Orlando Sérgio, angolano. Perscrutam o passado, real, reinventado ou recalcado que ainda hoje assombra as memórias: os mitos das descobertas, a ficção imperial, a fábrica da epopeia colonial, as máscaras da violenta dominação. José Manuel Costa, director da Cinemateca, e Maria do Carmo Piçarra, pesquisadora, trazem perspectivas na história da produção cinematográfica. 

Juntando fragmentos cinematográficos heterogéneos e pontos de vista diversos, Fantasmas do Império foca as variações de olhares, especialmente sobre “o outro”, o “colonizado” de outrora, porém perene concidadão e conterrâneo da nossa comum humanidade. Jogando com ecos, contrapontos, contrastes entre situações, imagens, diálogos, músicas, o filme propõe um enredo de imaginários e atitudes, de memórias e emoções. 

Fica a interrogação sobre a persistência dos fantasmas no presente e no futuro cinematográfico…

Documentário 2020. 112 min, Cores e P&B. HD. 16:9. 5.1

Produção Ar de Fimes (Portugal) e Kidam (França)

O DO AMOR 

Espaço sem portas, sem estradas, o do amor.

O primeiro desejo dos amantes é serem velhos amantes.

E começarem assim o amor pelo fim.

 

O LIVRO DOS MORTOS

Entra sim mas não repares

no estado em que a casa está.

Não repares no que vês por mim

já não vale a pena

o estado, a casa é pequena,

e os olhos sempre cruéis.

Se entrares fica então sabendo

que o corpo só de si fala

se de pés e mãos atadas

e se paisagem correndo

tapar todas as entradas.

Não passes além da porta

e escolhe um ponto de vista

que te dê razão de sobra

para não seguires em frente

- quem irá adivinhar que não mandas, obedeces,

que escutas e não te ouvem?

Não entres, nem que quisesses

não poderias galgar o estorvo

que significa chegar

sem ser convidado.

Existe um pacto do corpo

com o espaço e com o tempo

no primeiro o corpo pára

no segundo julga andar.

Em vez de quereres entrar

onde nem porta nem fecho

repara no que há lá dentro

e não esqueças que a nudez

vestida como castigo

e usada no pensamento

por desgosto delirante

viria a ser castigada.

Ou seja: se não entrares

darás a subentender

que só de livre vontade

que só por vontade tua

ficas no olho da rua.

Quem sai da mira dos deuses

passa a ser presa dos homens.

Ou alvo em movimento.

Do livro Antes de mais e depois de tudo, a primeira antologia de poemas escolhidos de Regina Guimarães. Um livro breve e pensado para oferecer, tanto quanto possível, uma visão panorâmica da extensa e singularíssima obra poética da autora. A apresentação é no domingo, 30 de Agosto, às 16h00, no Auditório da Biblioteca Almeida Garrett, no âmbito do programa oficial da Feira do Livro do Porto. Com a presença de Regina Guimarães e Ana Deus, para uma conversa com os leitores e leitura de alguns poemas do livro.
Evento no facebook.

25 Agosto a 5 de Setembro 

Competição Internacional

27, Quinta | 21h30 | Capitólio | Cinema ao Ar Livre

29, Sábado | 21h30 | Culturgest 

Baamum Nafi | Nafi’s Father 

Mamadou Dia

Senegal, fic., 2019, 109’

A primeira longa de Mamadou Dia chega-nos duplamente premiada no Festival de Locarno (Leopardo de Ouro Cineastas do Presente e Melhor Primeiro Filme). Rodado na sua cidade natal, Matal no Senegal, esta é a história de dois irmãos, Tierno e Ousmane, que se zangam por causa do casamento dos seus dois filhos. O primeiro quer casar o seu rapaz com a filha do segundo, a bela Nafi. O que está em causa é o alastrar do fundamentalismo numa pequena comunidade.

Nafi’s Father, de Mamadou Dia

27, Quinta | 21h30 | Culturgest

1, Terça | 21h30 | Cinema São Jorge

Eyimofe| This is My Desire

Arie Esiri, Chuko Esiri

Nigéria, Estados-Unidos, fic., 2020, 115’

Todos os anos Nollywood, a Hollywood nigeriana, produz cerca de mil filmes. Destes quase nenhuns viajam para fora de África. Caso diferente para a primeira longa metragem dos irmãos gémeos Esiri que, a partir de duas histórias, em certo sentido também elas gémeas, abordam o desejo de sair para o Ocidente. Mofe, um homem que faz reparações numa fábrica e Rosa, empregada de bar e cabeleireira, procuram uma saída da colorida e aprisionante capital, Lagos.

Retrospectiva Ousmane Sembène

25, Terça | 21h30 | Cinemateca

5, Sábado | 19h | Cinemateca

BOROM SARRET

Ousmane Sembène

Senegal, doc., 1963, 20’

É já com quarenta anos e com vários romances publicados que Sembène começa a filmar. Nesta sua segunda curta, considerada por muitos historiadores como um dos primeiros filmes realizado por um negro em África, seguimos um condutor de carroça pelas ruas pobres e desoladas de Dakar.

+

LA NOIRE DE…

Ousmane Sembène

Senegal, França, fic., 1966, 65’

A longa-metragem inaugural de Sembène é tida como o primeiro filme de um realizador da África subsariana a ter atenção internacional. Baseado num conto homónimo do autor, ela acompanha a vinda, de Dakar para a Riviera francesa, de Diouana, uma jovem senegalesa, contratada como babysitter por um cosmopolita casal francês. Este é um trajeto de silenciosa rebelião, na passagem dos sonhos ilusórios por uma vida melhor a uma realidade de exploração.

LA NOIRE DE…, Ousmane Sembène

+

TAUW

Ousmane Sembène

Senegal, fic., 1970, 24’

Tauw e Ouman são irmãos. Tauw, o mais velho, procura, em vão, um emprego. Ouman, 11 anos, procura, em vão, apoios para o seu líder religioso. Diferentes fases de crescimento, o moderno e o tradicional em confronto, nas ruas de uma Dakar em mudança após a independência.

29, Sábado | 15h30 | Cinemateca

4, Sexta | 21h30 | Cinemateca | Cinema ao Ar Livre

CAMP DE THIAROYE

Ousmane Sembène, Thierno Faty Sow

Senegal, Argélia, Tunísia fic., 1988, 157’

Talvez a grande obra-prima de Ousmane Sembène e o grito mais intenso de condenação das injustiças do colonialismo. No rescaldo da 2ª Guerra Mundial, os soldados senegaleses regressam da Europa e, antes do retorno a casa, são colocados no acampamento militar de Thiaroye. Perante as más condições de acomodação e a redução de pagamento, os soldados revoltam-se e são massacrados às mãos do exército francês. Vencedor do prémio especial do Júri em Veneza.

27, Quinta | 21h30 | Cinemateca | Cinema ao Ar Livre

3, Quinta | 15h30 | Cinemateca 

CEDDO

Ousmane Sembène

Senegal, fic., 1977, 120’

Ceddo é o nome dado aos últimos detentores do espiritualismo africano antes da chegada do islamismo e cristianismo. Numa aldeia senegalesa do séc. XVII, o rei Demba War cede às pressões do líder islâmico e os ceddo raptam a sua filha para prevenir a conversão forçada à nova religião. Este “micro épico”, como foi apelidado, foi à época censurado e conta-se que Sembène distribuía, à saída dos cinemas, panfletos que descreviam as cenas removidas.

CEDDO, Ousmane Sembène

29, Sábado | 21h30 | Cinemateca | Cinema ao Ar Livre

2, Quarta | 15h30 | Cinemateca

EMITAÏ

Ousmane Sembène

Senegal, fic., 1971, 103’

Durante a 2ª Guerra Mundial, as forças colonialistas francesas do governo de Vichy requisitam o bem mais precioso que têm os habitantes da aldeia senegalesa de Efock: o arroz. A minoria étnica dos Diola reorganiza-se para a resistência: enquanto os anciãos rezam a Emitaï, o Deus do trovão, as mulheres, mais pragmáticas, escondem a colheita. Esta história de silenciosa resistência esteve censurada 5 anos após a sua estreia em toda a África francófona.

31, Segunda | 21h30 | Cinemateca | Cinema ao Ar Livre

8, Terça | 19h | Cinemateca

FAAT KINÉ

Ousmane Sembène

Estados Unidos, fic., 2001, 120’

Quase uma década após o seu último filme, Sembène assina o que seria o primeiro volume de uma planeada trilogia sobre o heroísmo quotidiano da mulher africana. Faat Kiné é mãe solteira numa Dakar moderna, plena de contradições e aspirações de mudança. Vive com os seus dois filhos, de dois ex-maridos, tendo de lidar não apenas com a pressão social da sua condição, mas também lutar pelas suas aspirações profissionais num mundo dominado pela condição patriarcal. 

28, Sexta | 21h30 | Cinemateca | Cinema ao Ar Livre

7, Segunda | 15h30 | Cinemateca

GUELWAAR

Ousmane Sembène

França, Alemanha, Senegal, Estados Unidos, fic., 1992, 115’ 

Esta comédia de enganos começa com a morte de Guelwaar (que significa “o nobre”), padre e ativista católico. Quando a família vem reclamar o corpo à morgue apercebe-se que este desapareceu e que foi enterrado por engano num cemitério muçulmano. Sátira a uma África atolada pelos pequenos conflitos, por uma burocracia paralisante e pelos dogmas e crenças religiosas em confronto. A ironia fina e os pequenos detalhes revelam toda a mestria de Sembène.

1, Terça | 15h30 | Cinemateca

5, Sábado | 21h30 | Cinemateca | Cinema ao Ar Livre

MOOLAADÉ

Ousmane Sembène

Senegal, França, Marrocos, Tunísia, Camarões, fic., 2004, 124’ 

O último filme de Sembène e segundo de uma planeada trilogia sobre o heroísmo da mulher africana. Numa pequena vila senegalesa, Collé Ardo, a segunda mulher de um próspero agricultor, prepara o casamento de sua filha. Eis que resolve acolher quatro meninas que procuram refúgio na sua casa para escapar ao ritual de “purificação”, que consiste na sua excisão genital. Tal atitude inicia um conflito que divide irremediavelmente os membros da sua comunidade.

2, Quarta | 19h | Cinemateca

5, Sábado | 15h30 | Cinemateca

NIAYE

Ousmane Sembène

Senegal, fic., 1964, 35’

Inspirado em factos reais, Niaye narra através de um griot - um contador de histórias africano - o caso de uma jovem cuja inesperada gravidez vem escandalizar a comunidade e agitar os valores tradicionais de uma pequena vila senegalesa.

 +

MANDABI

Ousmane Sembène

França, Senegal, fic., 1968, 90’

Um homem senegalês de meia idade, desempregado, vive com as suas duas mulheres e filhos em Dakar. Quando recebe um vale postal vindo do seu filho, trabalhador em Paris, começam os problemas burocráticos para o levantar. Sembène foca-se, pela primeira vez, na corrupção da vida quotidiana do seu país, cumprindo o sonho de fazer um filme todo falado em língua Wolof. O olhar crítico valeu-lhe a censura no Senegal e um prémio internacional da crítica no Festival de Veneza.

2, Quarta | 21h30 | Cinemateca

11, Sexta | 19h | Cinemateca

XALA

Ousmane Sembène

Senegal, fic., 1975, 123’

Nos anos pós-independência, no Senegal mantém-se a influência ocidental. Um ganancioso homem de negócios retira dividendos dessa situação e, como prova do seu sucesso, casa-se com a sua terceira mulher. Mas eis que, ao tentar consumar o casamento, se vê atacado por uma terrível xala, uma maldição que o deixa impotente. Baseada no romance que Sembène escreveu dois anos antes, esta é uma simbólica sátira acerca da impotência social e política do seu país.

Retrospectiva 50 Anos Forum Berlinale

26, Quarta | 15h30 | Cinemateca

3, Quinta | 21h30 | Cinemateca | Cinema ao Ar Livre

ELDRIDGE CLEAVER, BLACK PANTHER

William Klein

França, Argélia, doc., 1970, 75’ 

Após acusação de uma tentativa de assassinato, Eldrige Cleaver, militante do movimento Black Panther Party, exila-se na Argélia. O realizador e fotógrafo William Klein fará aqui o retrato de um homem multifacetado, escutando o seu discurso ativista sobre a revolução, a luta na América, os seus rivais políticos, como Nixon ou Reagan. Mas esta é também uma obra além da ideologia, o retrato de um revolucionário romântico, num exílio lírico e comovente. 

28, Sexta | 15h30 | Cinemateca

SOLEIL Ô 

Med Hondo

França, Mauritânia, fic., 1970, 104’

O realizador e actor da Mauritânia, Med Hondo, espantou o mundo do cinema com este seu filme inicial (vencedor do Leopardo de Ouro em Locarno), rodado durante quatro anos e com um baixo orçamento. Esta é a luta de um emigrante mauritano em Paris, em face das precárias condições de trabalho, remuneração discriminatória, humilhação e indiferença. Um manifesto original, com influências do cinema verité, da montagem eisensteiniana, da sátira e do absurdo.

27, Quinta | 15h30 | Cinemateca

MONANGAMBEE

Sarah Maldoror 

Argélia, fic., 1969, 18’

Sarah Maldoror, cineasta maior da causa da libertação africana, assina aqui o seu primeiro filme. A denúncia da tortura no colonialismo português em Angola, bastando uma palavra com significado desconhecido para dar origem à violência.

+

PHELA-NDABA (END OF THE DIALOGUE)

Members of the Pan Africanist Congress

África do Sul, doc., 1970, 45’

Em 1970, membros do Congresso Pan-Africano formaram um colectivo cinematográfico. Um grupo de sul africanos exilados em Londres utilizou imagens de arquivo e vídeos filmados em segredo no seu país para realizar o que seria um dos primeiros filmes sobre o Apartheid.

Foco Mati Diop

29, Sábado | 21h50 | Cinema São Jorge

ATLANTIQUE

Mati Diop

França, Senegal, Bélgica, fic., 2019, 106’

Trabalhadores de uma obra na capital do Senegal não recebem há meses. Um deles, o jovem Souleiman, decide atravessar o oceano em busca de uma melhor vida. Ada, de 17 anos, apesar de prometida a outro homem, espera o regresso do seu amor. Inspirada na figura de Penélope, mas também em Romeu e Julieta, Atlantique é um conto de espíritos, traumas e crescimento. Grande Prémio do Júri do Festival de Cannes de 2019. 

ATLANTIQUE, Mati Diop

27, Quinta | 19h15 | Culturgest

MILLE SOLEILS

Mati Diop

França/Senegal, fic., 2013, 45’

Mille Soleils, vencedor do IndieLisboa em 2014, conta o regresso da realizadora ao Senegal, revisitando dois atores do filme Touki Bouki (1971), realizado pelo seu tio, Djibril Diop Mambéty. Memórias reais e liberdades de ficção, o cinema e/é a sua família.