Outras possibilidades, uma visita à 32.ª Bienal de São Paulo: Incerteza Viva
A 17 de Abril de 2016 o plenário da Câmara do Deputados do Brasil aprovou com 367 votos favoráveis e 137 contrários o relatório da comissão especial para o processo de impeachment da Presidente Dilma Rousseff, eleita a 26 de outubro 2015. Amplamente difundido pelos meios de comunicação social, o processo culminou a 31 de agosto com a decisão definitiva do Senado com 60 votos a favor e 20 contra. Neste mesmo dia o presidente interino Michel Temer é empossado presidente de uma das economias mais excitantes e com maior crescimento dos últimos anos.
Hito Steyerl, Instalação Hell Yeah We Fuck Die (2016). Cortesia da artista e Bienal de São Paulo.
Foi neste clima político e de grande agitação social que a 32.ª Bienal de São Paulo inaugurou a exposição intitulada “Incerteza Viva” com curadoria chefiada por Jochen Volz. Anunciada como uma plataforma privilegiada para discutir noções de “incerteza”, “entropia” e o papel da arte contemporânea nas sociedades, a exposição promove 81 artistas participantes, de 33 diferentes nacionalidades, marcadamente nascidos antes de 1970, na sua maioria artistas mulheres e, maioritariamente, de projectos inéditos para o contexto. Com estas premissas iniciais seria de prever uma inovadora e frutífera exposição que, sem propor vias a seguir para um mundo melhor, poderia indagar pertinentemente as condições actuais e, deste modo, questionar e pôr em causa as promessas de um falso futuro por vir. Neste sentido, esperava-se que as perguntas se multiplicassem, mesmo as mais inocentes e históricas, como: Quem somos? ou Para onde vamos? De facto, as propostas apresentadas revelam, em grande parte, exemplos ilustrativos e expectáveis sobre os contextos sociais e políticos em que são propostos. Exemplo disto são os inúmeros trabalhos sobre a natureza, passando pelos materiais de terra, plantas ou madeira, e inúmeros trabalhos sobre a realidade local brasileira, sem que com isso se conseguisse discutir uma globalização cada vez mais premente. As referências identitárias são pouco complexificadas como as questões de nacionalidade, de género, das minorias étnicas e sexuais. Contudo, estas mesmas referências promoveram obras que criticamente celebram o contemporâneo, sem amplamente difundirem propagandas de nichos de mercado ou de alternativas já existentes, mas sim indagando veementemente o presente agora.
Jonathas de Andrade (1982, Brasil) video still “O peixe” (2016). Cortesia do artista e Bienal de São Paulo, 2016.
Jonathas de Andrade (1982, Brasil) apresenta o vídeo “O peixe” (2016) no qual os pescadores acompanham serenamente a morte dos peixes que pescaram. Esta relação emotiva e poética, mas simultaneamente violenta e angustiante, revela uma cínica mas esperançosa contemporaneidade dos seus intervenientes. O filme “A Joking Relationship” (2016) de Gabriel Abrantes (1984, E.U.A), também se refere a esta ordem de ideias. A paixão entre uma robot e uma indígena brasileira denota um humor cáustico e leviano, talvez fruto de uma sociedade insensível e desatenta às mudanças que o mundo constantemente acarreta e exige. A relação com o futuro futurista e duvidoso torna-se presente pelas obras de Pierre Huyghe (1962, França) “Cerro Índio Muerto” (2016) e “De-Extinction” (2016). A promiscuidade das estranhas figuras mescladas entre o animal e o vegetal propõe um olhar atento para a funcionalidade da ciência biológica e para o seu actual usufruto. Questionar as opções e as direcções das evoluções científicas permite duvidar das intenções do presente no seu próprio futuro. Esta forma de indagar as utilizações passadas da natureza e dos recursos naturais do planeta terra está presente na obra de Carolina Caycedo (1978, Reino Unido) “A Gente Rio” (2016). A artista através de entrevistas, mapas, fotografias, objectos e outros documentos edifica uma história sobre a água, sobre as barragens e os seus efeitos primários e secundários ou colaterais para as populações autóctones. José Bento (1962, Brasil) nas obras “Chão” (2004-16) e “Do Pó ao Pó” (2016) usa a matéria-prima madeira para reflectir sobre as acções do homem na natureza. O chão de madeira instável à passagem dos visitantes, da primeira obra, e as caixinhas de fósforos sobre bancas de camelô de diferentes madeiras de origem brasileira, da segunda obra, o artista evoca pertinentemente a destruição das florestas tropicais como consequência da desenfreada avidez do mercado económico. Dineo Seshee Bopape (1981, África do Sul) na instalação “:indeed it may very well be the ________ itself” (2016), feita em terra comprimida com objectos misteriosos proporciona um olhar sobre a devastação da terra e a sua usurpação. Esta contemplação promove a história social e política que a própria terra encerra em si mesma. Rosa Barba (1972, Itália) em “Disseminate and Hold” (2016) filma o minhocão, passagem superior construídos em betão no seio da malha urbana de São Paulo, e a relação com os seus transeuntes. Na obra de “White Museum (São Paulo)” (2010-16) a artista projecta luz branca sobre a rampa do pavilhão. Em ambos os casos trata-se de um novo olhar para a estrutura edificada dos locais habitáveis. Visíveis na mostra estão outras preocupações que vão para lá dos espaços externos - sejam sociais, físicos - onde circulam as diversas sociedades actuais.
Lyle Ashton Harris (1965, E.U.A.) “Uma vez, uma vez” (2016). Cortesia do artista e Bienal de São Paulo.
As questões de igualdade de género continuam a ter um espaço notório de debate no âmbito artístico. Carlos Motta (1978, Colômbia) em “Towards a Homoerotic Historiography” (2013) revela-nos surpreendentes pequenas figuras em ouro em que o erotismo demonstra uma subjectividade e liberdade para além dos limites do poder colonial. Na série de fotografias “Untitled Self-Portraits” (1998-2016) o artista personifica híbridas figuras de género e raça que desconstroem o corpo e a identidade normativa. Lyle Ashton Harris (1965, E.U.A.) na violenta e delirante instalação “Uma vez, uma vez” (2016) retrata o seu próprio arquivo vivo sobre a SIDA e sobre as comunidades LGBTQ na sua relação com o poder dominante heterossexual. As tapeçarias dos anos 70 da artista Charlotte Johannesson (1943, Suécia) revelam uma intimidade muito particular sobre a visão no feminino dos acontecimentos políticos e históricos do seu próprio presente. Hito Steyerl (1966, Alemanha) na instalação vídeo “Hell Yeah We Fuck Die” (2016) a artista recria uma absurda realidade em que o parkour surge num ambiente industrial que instaura uma prometida sociedade de fugacidade e rapidez. A subtil obra de Rayyane Tabet (1983, Líbano) “Sósia” (2016) faz referência à extensa e relevante comunidade de libaneses estabelecida na cidade de São Paulo. O trabalho do artista trata da tradução de português para árabe e posterior publicação no Líbano do romance “Um copo de cólera” (1978) do escritor brasileiro, filho de libaneses, Raduan Nassar. Na circulação de conhecimento e de poder entre o artista, o autor, o tradutor, o editor e o leitor este trabalho revela um olhar muito pessoal e parcial da negociação entre as várias culturas e sociedades.A obra de Francis Alÿs (1959, Bélgica) “In a Given Situation” (2010-16) parece querer escapar a todas as amarras conceptuais e teóricas reflectindo sobre a incapacidade do perceptível e do palpável. As pequenas pinturas de paisagens instaladas em paredes de espelho e ligeiramente inclinadas para revelarem o seu verso transportam o espectador reflectido para a percepção do seu próprio corpo num contexto externo. Este dispositivo destabiliza os cânones da museologia contemporânea ao desviar a atenção do foco pictural. Na multiplicação de interpretações e pontos de vista reside, talvez, a certeza de um presente cada vez mais promissor.
Francis Alÿs, In a Given Situation (2010-16). Cortesia do artista e Bienal de São Paulo.
[Este texto foi originalmente publicado na Revista Contemporânea]
