DÁ FALA

4 de Março de 2022 - 16h00 no Museu do Aljube

Cronologias da guerra: conversa à volta de uma peça em exposição será mais um evento da exposição “A Guerra Guardada – Fotografias de Soldados Portugueses em Angola, Guiné e Moçambique (1961-74)”, com Rui Lopes, investigador do Instituto de História Contemporânea (NOVA) e Mariana Carneiro, jornalista (esquerda.net).

Entrada livre, sujeita a inscrição em: inscricoes@museudoaljube.pt

Open Call até 31 de Março

Caros jornalistas,

A Associação Amigos do Museu do Cinema em Moçambique (AAMCM) vem por este meio comunicar abertura das candidaturas de projetos para a 3ª edição da Residência Criativa Audiovisual UPCycles.

Com a primeira edição em 2019, a UPCycles viu-se forçada a adiar as suas atividades em 2020, devido às restrições de mobilidade internacional, e concretizou a segunda edição em 2021.

Este ano, teremos o orgulho de receber em Maputo, as duas tutoras Ângela Ferreira (PT/SA) e Rita Rainho (PT/CV) e as/os sete artistas seleccionados/as, no processo de candidatura que agora decorre, até ao dia 31 de Março.

Basta inscrever-se, preenchendo o Formulário: https://forms.gle/YW6vNyRSy4mkwpAv5

Com um programa de dois meses de tutoria à distância e um período de residência presencial, em Maputo, que decorrerá de 28 de Agosto a 10 de Setembro, esta iniciativa da AAMCM culmina como habitualmente com a exposição na Fortaleza de Maputo.

Financiada pela Fundação Calouste Gulbenkian, com apoio da Fortaleza de Maputo, Centro Cultural Franco-moçambicano, Centro Cultural Português, em Maputo e Instituto Nacional das Indústrias Culturais e Criativas, a UPCycles tem como objetivo proporcionar experiência de aprendizagem e de intercâmbio e desenvolvimento profissional para jovens artistas interdisciplinares emergentes, dos PALOP.

Consultas ao Regulamento: https://www.facebook.com/upcyclespalop

Mais informações pelo e-mail: upcycles2019@gmail.com

Quinta, 10 de Março | 18H 

Maria Giulia Pinheiro e Irmà Estopiña.

Sexta, 22 de Abril | 18H 

Paula Cardoso e Manuel Arriaga.

Em Lisboa, na Livraria Barata

Entrada livre sujeita à lotação da sala

Open Letter

To sign please go to Change.org Signature List https://chng.it/2hdHLqrLp8
To contact us: culturalworkersagainstwar@gmail.com

We, cultural workers in Berlin and other places, raise our voices to state that we stand strong and firm with Ukraine. We protest against the ongoing and escalating Putin-led Russian aggression against the people living in Ukraine.

Putin’s military invasion threatens millions of civilians, pensioners, care workers, children, and regular inhabitants. Putin’s repression particularly targets the lives and health of political activists, the LGBTIQ+ community, cultural workers, journalists and other civilians as well as the exiled Belarusian opposition in Kyiv and in other Ukrainian cities. It targets us and our friends in order to destroy the tissue that keeps our communities connected and breathing.

Ukrainian territory has been violated by Russian aggression since the illegal annexation of Crimea in 2014. The country has been pulled into a defensive war by Russia’s incursion into Ukraine’s Donetsk and Luhansk regions, under the cover of so-called local separatist movements, beginning in 2014.

In these territories disappearances, kidnapping, torture and imprisonment reportedly take place. In previous moments of political destabilisation, like the Euromaidan uprisings in 2014 in Kyiv, cases of kidnapping and torture of journalists and activists have been documented.

Whoever has experienced the effect of this kind of repression through intimidation, torture and fear on our societies, like the Belarusian and Russian oppositional movements, knows: There is no invasion which is negotiable. There is no legitimation for repression and invasion. There is no degree of repression we can silently witness without being complicit.

We call on all our fellow cultural workers to raise their voices, to stretch their political empathy, to activate their political courage, to refresh their political memory and to stand up in support of our colleagues, friends, allies, and their (chosen) families.

As we stand together we work towards forming even stronger bonds and deeper alliances with each other. Let us, cultural workers, stand together, to put our weight on public opinion: We demand decisive and firm support of the people living in Ukraine.

The Undersigned
February 2022

http://culturalworkersagainstwar.org/

No próximo dia 5 de março, às 16h00, Mario Lúcio e Manuela Ribeiro Sanches protagonizam a conversa intitulada “Depois das colonizações?”.  

Marta Mestre, curadora geral do CIAJG, modera a conversa que será precedida pela apresentação do programa artístico do museu, previsto para 2022.

Esta é a primeira conversa do ciclo de debates “Para um novo enredo de vozes” que reflete sobre o museu, a coleção e a cidade. Pensar o museu na encruzilhada de um mundo dividido, olhar a coleção para além de um ponto de vista eurocentrado, e perspetivar o projeto cultural da cidade. Este ciclo conta com a participação de pesquisadores, artistas, ativistas, curadores/as e teóricos/as, e decorre ao longo do ano, em vários encontros no CIAJG.

Mario Lúcio (Cabo Verde) é músico, ativista e pensador. Foi Ministro da Cultura de Cabo Verde. É autor de “Manifesto a Crioulização” (2021). É uma das figuras mais reconhecidas da cena cultural e musical cabo-verdiana, tanto local como internacionalmente.  

Manuela Ribeiro Sanches (Portugal) é uma das introdutoras do pensamento pós-colonial em Portugal. É autora de “Portugal não é um país pequeno: Contar o império na pós-colonialidade” (2006). É professora auxiliar com agregação aposentada da Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa. 

Entrada gratuita, até ao limite da lotação da sala

Taíla Carrilho e Nália Agostinho exibem “Sinergia de Emoções” no Espaço Espelho D’Água

Dia 26 de fevereiro o Espaço Espelho D’Água inaugura a exposição “Sinergia de Emoções”, de Nália Agostinho e Taíla Carrilho, artistas plásticas e ativistas moçambicanas baseadas em Maputo.

É a primeira vez que as duas expõem juntas e também é a primeira vez em Portugal. Estão presentes nas obras as questões de género, discriminação, inclusão e exclusão social das mulheres em Moçambique e no continente africano como um todo, em um ambiente com transformação sociocultural acelerada, onde existe um processo de desvalorização e desqualificação da mulher em todos sectores. Faz ainda parte do interesse criativo das artistas temas relacionados com o isolamento e a emoção afetada pelas questões da crise atual.

São 20 obras – uma série de pinturas, desenhos e ilustrações com o uso de acrílico, pastel de óleo, carvão e tinta de óleo, tinta da China e aquarelas sobre a tela e papel. Para além dos pormenores indicados, elas usam a literatura em momentos de pausa para complementar o seu processo criativo, recorrendo, neste caso, à poesia e à prosa.

A exposição é resultado de um grande mergulho interno para a autoanálise fundamental, que comprova a necessidade de aprender a lidar com as mudanças, as perdas e os ciclos. Pela herança africana, Taíla e Nália percebem a morte como uma das poucas certezas da vida. De acordo com suas crenças, a morte não significa um ponto final e sim uma mudança de estado, deixando de lado o corpo físico para dar lugar a outra forma de estar no espaço. E isto se aplica no sentido literal e figurado. Não existe um fim, existe uma transformação.

É o que se vê em uma das obras de Nália, “Nobreza da Alma” – uma mulher em movimento, braços esticados ao ar em busca de um futuro, cheia de energia positiva, mas presa nos traços do passado. A obra reflete melhor a realidade corrente de Moçambique sobre a agonia e a passagem do tempo. Enquanto isso, um quadro de Taíla mostra uma mulher mergulhada no meio de um abismo colorido, cheia de angústia, mas também de esperança. Tudo à sua volta parece não fazer sentido, mas por baixo da tela nota-se uma diversidade de escolhas.

A exposição pode ser visitada até o dia 20 de março.

Sobre Taíla Carrilho

Nasceu em Maputo, em 1984, e é licenciada em Design Gráfico pela Cape Peninsula University of Technology, Cape Town. Vinda de uma família de artistas, cedo desenvolveu, naturalmente, o gosto por desenhar, pintar e cantar. Mais tarde veio a paixão por escrever poesia e, recentemente, por declamar. É co-fundadora da RUUM, desde novembro de 2013, uma galeria criativa de objectos de design, feitos à mão, com recurso a materiais locais. A concepção destes objectos surge da necessidade de criar peças artísticas à sua imagem e com o seu DNA.As peças, os objectos e as intervenções em que se envolve combinam características lúdicas, utilitárias e inovadoras.

Valores com os quais tenta buscar a exclusividade no trabalho que faz, um trabalho impregnado do lugar e do tempo em que está.  Um trabalho feito em Moçambique com os materiais e as sugestões encontradas à sua  volta.

Em 2018 fundou a CONFORME com a ajuda de amigos e familiares. Uma plataforma que tem o objectivo a consciencialização e educação sobre Anemia Falciforme em Moçambique.

Sobre Nália Agostinho

Nasceu em Maputo, em 1990.  As raízes da sua infância estão na Polana e no Chamanculo, bairros da Capital de Moçambique, repleto de texturas cruas, padrões, cheiros e o jeito caótico de ser. Seu amor pela arte começou durante sua infância, incentivada por seu falecido pai, que era um amante das artes e da música. 

Se formou em Ciências Políticas em Trento, Itália, onde viveu, estudou e trabalhou por quase uma década. Frequentou a Escola Nacional de Música, onde completou a sua formação com uma certificação em Dezembro de 2006. Em 2018 decidiu começar a pintar profissionalmente, como uma necessidade de expressão do seu verdadeiro eu.

Suas visões sobre a Pintura baseiam-se em uma percepção de osmose da vida, onde tudo o que ser humano tende a ser e expressar é fortemente movido entre as expectativas internas e externas, os cenários micro e macro, os pólos positivos e negativos.

Sobre o Espaço Espelho d’Água

O Espaço Espelho D’Água resulta de um concurso público organizado em 2012 pela Associação de Turismo de Lisboa – ATL para a exploração de parte de um edifício localizado na emblemática zona de Belém, em frente ao rio Tejo. O espaço compõe uma área de 1.200 m2 e foi inicialmente construído em 1940 durante a Exposição do Mundo Português.

O mote do projeto é o de que neste local, onde há cinco séculos os portugueses partiram para o mundo, seja agora uma plataforma de conexões culturais onde se traga as culturas contemporâneas das diferentes regiões por onde os portugueses andaram nessa aventura durante as grandes navegações.

Desta forma criou-se um espaço onde há atividades de gastronomia, exposição de arte e design, música, cinema e vídeo, entre outras formas de divulgação cultural. Tendo presente todo enquadramento histórico do local, e o que ele representa na atual conjuntura mundial, visa criar um ambiente artístico e cultural que reflita sobre a relação dos portugueses com o mundo e do mundo com os portugueses.

Apresentar neste local as mais variadas formas de expressão cultural contemporânea dos países que se relacionam historicamente com Portugal é a principal premissa do projeto que esteve na base da criação do Espaço Espelho D’Água.

SERVIÇO: Sinergia de Emoções

Local: Espaço Espelho D’Água

Endereço: Av Brasília, Edifício Espelho D’Água (ao lado do Padrão dos Descobrimentos) Inauguração: 26 de fevereiro, às 17h

Horário de visitação: diariamente, das 11h à 0h

Período: 26 de fevereiro a 20 de março de 2022

Entrada gratuita

Novo livro do Centro de História da Universidade de Lisboa reúne os maiores especialistas mundiais na história da produção e do comércio de marfins africanos

O Centro de História da Universidade de Lisboa publica African Ivories in the Atlantic World, 1400-1900. Marfins Africanos no Mundo Atlântico, 1400-1900, obra coletiva dedicada à história da produção e circulação de esculturas africanas em marfim e de tráfico de marfim em bruto. Reunindo contributos de autores da Europa, África e América, estes 21 estudos apresentam, entre outras, novas visões sobre o papel dos africanos na produção dos marfins, a sua relação com a escravatura ou o colonialismo. Os textos foram submetidos a um apertado crivo de avaliação científica por uma comissão de 40 especialistas independentes. A coordenação é dos professores José da Silva Horta, Carlos Almeida e Peter Mark, especialistas em história de África.

Embora fosse um dos produtos mais importantes no comércio atlântico, a historiografia tem relegado o estudo desta matéria-prima para um plano secundário. Esquecido tem sido também o papel dos artistas africanos na escultura dos objetos trabalhados em marfim. A obra agora dada à estampa demonstra a importância do comércio do marfim, em bruto e trabalhado, e dos artistas africanos que o esculpiram. Pensa-se os marfins afro-portugueses, um corpus de objetos artísticos com características híbridas, como produções africanas, e identificam-se obras antes negligenciadas.

A nova publicação surge no seguimento do projeto de investigação «Marfins Africanos no Mundo Atlântico: Uma Reavaliação dos Marfins Luso-Africanos», que decorreu entre 2016 e 2019, financiado pela Fundação para a Ciência e a Tecnologia e sediado no Centro de História da Universidade de Lisboa. O trabalho desenvolvido terá seguimento com a criação de uma rede internacional de investigação, que irá reunir historiadores e outros especialistas dedicados ao estudo dos marfins africanos e ficará sediada no Centro de História da Universidade de Lisboa.

O lançamento decorre hoje, dia 24 de fevereiro, na Biblioteca da Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, sala B.112.B, às 17h00.

Terá transmissão em direto pela plataforma Zoom, com as seguintes credencicias: https://videoconf-colibri.zoom.us/j/83317267779 | ID da reunião: 833 1726 7779 | Senha de acesso: 663110.

African Ivories in the Atlantic World, 1400-1900. Marfins Africanos no Mundo Atlântico, 1400-1900 encontra-se disponível para download gratuito em: https://repositorio.ul.pt/handle/10451/50982

Festival minhoto regressa a Melgaço entre 1 e 7 de agosto

A ter lugar entre os dias 1 e 6 de agosto, o Fora de Campo abriu já o seu período de inscrição. O curso parte de projetos de pesquisa e narrativas digitais e audiovisuais para propor um debate em torno das relações entre a antropologia e o cinema, abrindo espaço para a troca de ideias e o contacto entre o contexto académico, as redes profissionais, as associações científicas e os cineastas. A ter lugar em paralelo ao festival, este curso de verão destina-se a agentes culturais, educadores, documentaristas e curiosos das temáticas das identidades. O curso é coordenado por José da Silva Ribeiro, membro da AO NORTE e ID+. Os preços e programa podem ser consultados em detalhe no website do evento.

Com um corpo de orientadores composto por investigadores portugueses e estrangeiros, o Fora de Campo 2022 dará particular atenção a questões relacionadas com as metodologias audiovisuais participativas, destacando o lugar do documentário e da antropologia visual na criação de novos espaços para uma compreensão crítica da realidade, capaz de desconstruir discursos hegemonicamente textualizados pelos processos de colonização. Em discussão estarão ainda os processos de aproximação a comunidades e o lugar das práticas artísticas comunitárias na área do cinema, assim como a reflexão sobre a forma como o uso de acervos e arquivos audiovisuais podem abrir novos espaços de compreensão histórica e os pontos de conexão entre os olhares dos antropólogos e dos cineastas.

O programa formativo do Fora de Campo está organizado em torno de momentos Ponto e Contra-Ponto. No Ponto, os convidados apresentam projetos resultante da sua investigação pessoal ou prática artística, no Contra-Ponto novos convidados questionam, a partir da investigação ou das práticas e experiências que têm, o que foi apresentado. O Fora de Campo integra ainda um dia de programa intensivo, Salto a Melgaço, que inclui a projeção de filmes, visitas guiadas às exposições, ao Museu de Cinema Jean-Loup Passek e ao Espaço Memória e Fronteira, assim como momentos de encontro e convívio.

O Fora de Campo é uma iniciativa da AO NORTE, através do seu Grupo de Estudos de Cinema e Narrativas Digitais e do ID+ Instituto de Investigação em Design, Media e Cultura em colaboração a Câmara Municipal de Melgaço, o Museu Nacional de Etnologia a Red de Investigación en Antropología Audiovisual / Rede de Pesquisa em Antropologia Audiovisual (RIAA), a Universidad Rey Juan Carlos (URJC), a Universidade Federal de Pernambuco (UFPE) e o Festival Internacional do Filme Etnográfico do Recife.

Fora de campo: programa resumido

SEG, 1 AGO

Estreia dos documentários realizados na Residência Cinematográfica PLANO FRONTAL

TER, 2 AGO

Metodologias Audiovisuais Participativas

PONTO

. Mariano Baez Landa (CIESAS): Retrospetiva das minhas experiências na produção de vídeos com jovens de duas regiões indígenas do México

. Thor Morales (Connected Stories Hub): Change the Approach, uma reflexão sobre o ideal participativo baseado em experiências de vídeo participativas com comunidades indígenas em África e na América

. Verónica Vazquez Valdez (Conselho Nacional de Ciência e Tecnologia - México): Fotografia para Investigação Social e Intervenção Comunitária

. Ivan Deance Bravo e Troncoso e Ricardo García Arrañaga (Sistema Nacional de Investigadores do México): Sonomemoria: memória sonora e etnografias de som participativas

CONTRA-PONTO

Convidado em confirmação (Rede de etnografias audiovisuais participativas)

José da Silva Ribeiro (AO NORTE e ID+)

QUA, 3 AGO

Olhar do Antropólogo/ Olhar do Documentarista

PONTO

. Alfonso Palazón Meseguer (Universidade Rei D. Juan Carlos, Madrid):A observação da encenação

. Klaus Schriew e Manuel Nicolas Meseguer (Universidade de Múrcia): Múrcia: no pomar da Europa

. Gonzalo Ballester (European Film College da Dinamarca): Do outro lado do olhar

CONTRA-PONTO

Cornélia Eckert - Universidade Federal do Rio Grande do Sul (Brasil)

Manuela Penafria - Universidade da Beira Interior

QUI, 4 AGO

Projetos em comunidade: Mapeamentos afetivos e recolhas em comunidade

COMUNICAÇÕES

. Manuela Matos Monteiro (MIRA FÓRUM): Mapa Emocional de Miraflor

. Helena Elias – Universidade Nova de Lisboa: Projeto Re(com)figurações

. Olívia Marques da Silva (ESMAD): Interdisciplinaridade Metodológica da Fotografia Documental Contemporânea e a Antropologia Visual: Memória e Lugar

MESA REDONDA

Quem somos os que aqui estamos?

Participantes: Albertino Gonçalves, Álvaro Domingues, Daniel Maciel e João Gigante

SEX, 5 AGO

Arquivos fílmicos, memórias e autoetnografia

PONTO

. Paulo Ferreira da Costa - Museu Nacional de Etnologia

. Renato Athias - Universidade Federal de Pernambuco

. Mina Rad - Festival International du Film Documentaire Après Varan

CONTRA-PONTO

Rodrigo Lacerda - CRIA – Centro em Rede de Investigação em Antropologia

José da Silva Ribeiro - AO NORTE e ID+

SAB e DOM, 6 e 7 AGO

Salto a Melgaço

Nos anos sessenta, milhares de portugueses emigraram para França “a salto”, assim se chamava a viagem clandestina dos que procuravam um novo destino. Nos dias 6 e 7 propomos, não uma viagem acidentada como a dessa época, mas composta por um programa intensivo com projecção de filmes, visita ao Museu Jean-Loup Passek e ao Espaço Memória e Fronteira, assim como momentos de encontro e convívio.

PERFORMANCE de Flávia Gusmão 25.2.22, 18h30 GALERIA ZÉ DOS BOIS 

Este é o segundo de cinco capítulos do projeto Na Lut@, uma homenagem à produtora e ativista Samira Pereira.
Com direção artística da actriz e criadora Flávia Gusmão, NA LUT@ é composto por 5 capítulos que resultam em objetos artísticos distintos. O 1º capítulo, a audio-performance #1FLAMBOAIÃ, estreou no Festival de Teatro Mindelact 2021, em Cabo Verde.
O Luto e a Perda são as temáticas transversais aos capítulos, que partem das 5 fases do luto estabelecidas por Elisabeth Kubler-Ross: negação, raiva, negociação, depressão e aceitação. As fases definidas pela autora não são sequenciais e determinadas cronologicamente, são intermitentes e até simultâneas, o que encontra paralelo nos objetos artísticos produzidos em cada capítulo, que se entrecruzam.
#2 SENNA SPECTABILIS OU CARNAVAL parte da ideia de celebração, da vontade de criar uma festa celebrando alguém, mas parte, principalmente da necessidade de sair do estado de tristeza e recolhimento para onde somos arrastados com a perda.
A tristeza do luto cansa: cansamo-nos de nos sentir tristes e que nos vejam tristes.
Este segundo capítulo convoca a ideia de festa como catalisador de alegria e energia, e estas como veículos para digerir a dor e a raiva.
Mas será que resulta?

FICHA ARTÍSTICA

Criação Flávia Gusmão Apoio à criação Sofia Berberan, Marta Furtado, Xullaji, Madalena Palmeirim, Renato Linhares e Olga Matviychuk
Voz Xullaji e Flávia Gusmão Apoio técnico e edição Olga Matviychuk Comunicação e Assessoria de Imprensa Rita Bonifácio Imagem Gráfica Sílvia Prudêncio Co-produção Associação Zé dos Bois

Curadoria: Cindy Sissokho & Fabián Villegas

Inauguração: 25 de Fevereiro de 2022, das 18h às 21h

Datas: Exposição patente até 19 de Março 2022, Quarta a Sábado, das 15h às 19h

Local: R. Damasceno Monteiro, 12 R/C | 1170-112 – Lisboa

Artistas: Rafael De Oliveira, Désirée Desmarattes, Theo Gould, Henrique J. Paris, Lion
Maré Djaci, Odair Monteiro, Nuno Silas, Sofia Yala

Cada regime de representação colonial é construído sobre o apagamento, o silenciamento, a devastação dos ecossistemas culturais, as geografias existenciais, as cartografias emocionais. A imagem é precedida por sons, o olhar colonial apaga os sons, remove o contexto e os objectos de representação. Tira o objecto fora da representação da sua própria concepção de espaço e temporalidade.

Através da fotografia, textos, sons, performance e vídeo, os oito artistas criam espaços de intimidade para o quotidiano, criam coletivamente ferramentas que revelam narrativas familiares, itinerários diaspóricos e arquivam o eu em processos de auto-realização e reivindicação a sua existência fora de um olhar colonial e a temporalidade.

O artista fá-lo através do auto-retrato, ligando-se através de objectos familiares como sistemas de transmissão e recuperação histórica das memórias. Esta narração é trazida dentro de uma ‘casa’ – as casas de família, o quarto, o estúdio fotográfico como um espaço seguro e até mesmo o corpo – capturando o vernáculo da diáspora, reivindicando a presença negra na cidade entrincheirada dentro de narrativas/monumentos coloniais e aos projectos ‘casa’ como espaço para horizontes emancipatórios e utópicos de vida colectiva.

Através de exercícios de insurreição e imaginação política, o diálogo da diáspora com os espaços de monumentalidade na cidade, activando espaços de memória, cria viagens auto-cartográficas, arquivos monumentais de legado anticolonial.

Como é que o regime de imagens tem um papel na informação do planeamento futuro, visão utópica e dinâmica desejos em torno de viver em cidades para a diáspora?

Através da representação e compreensão dos movimento que ocorrem (estratificação laboral, migração, mobilidade social, cultural e económica zonificação, etc.) contra as narrativas actuais de rejeição, transformação, gentrificação, etc.

A exposição é uma viagem pedagógica que não só exibe mas procura o exercício de uma imaginação de narrativas diásporas no futuro. Faz-nos questionar quais são as metáforas de nós próprios no futuro.

As obras dos artistas são um convite à ficcionalização das narrativas, e uma possibilidade de procurar através da ficção uma ferramenta pedagógica para visualizar os futuros performativos. A exposição refere-se indiretamente ao conceito histórico de “Heterotopias” e a ressonância com a categoria de “utopias localizadas”, em que construímos mundos dentro de mundos, um novo sentido de espacialidade no regime colonial de espacialidade.

Permitem-nos também pensar, visualizar e experimentar o que significa criar e recuperar histórias espaciais através da lente das suas experiências pessoais que se infiltram através da narração visual de histórias. Elas reconsideram um sentido de espaço e lugar através da fugitividade, exílio e deslocamento e negociar um sentido de pertença contra a violência espacial.

Este projecto é apoiado por UCREATE um projecto de Creative Europe a decorrer na Bélgica, Hungria, Portugal e Itália liderado por 4 organizações artísticas (Fundação Internacional Yehudi Menuhin (BE); HANGAR (PT); Mus-e Hungary (HUN); BIG SUR (IT)) com o objectivo de utilizar as artes e a co-criação artística como um meio para criar laços sociais entre indivíduos.

As roças de São Tomé e Príncipe são assentamentos agrícola-industriais, em número aproximado de 200, que se estendem pelo território destas duas ilhas do Atlântico no Golfo da Guiné. Para além de uma arquitetura de matriz portuguesa as roças albergavam as populações que desde o séc. XV foram sendo trazidas para estes territórios e sujeitas ao trabalho árduo e iníquo. São também locais onde eficientes máquinas de produção foram construídas e colocaram São Tomé e Príncipe como um dos maiores produtores de cacau do mundo no início do séc. XX.  

No âmbito do mestrado integrado em arquitetura do ISCTE, um conjunto de alunos do Laboratório Cidade Justa e Inclusiva do 5ºano debruçou-se sobre este património partilhado, visitá-lo, analisá-lo e dialogar com os vários intervenientes. Em novembro de 2021 rumámos em viagem a São Tomé e Príncipe. De lá trouxemos imagens evocativas de uma natureza exuberante, de gentes afáveis, e de edifícios imponentes, construídos ao estilo português, consumidos pela floresta tropical e pelo tempo.  

Partilhamos fragmentos desta experiência através de fotografias e de escritos, alguns dos quais encontrados na biblioteca do ISCTE trazendo à luz complexas dinâmicas sociais, culturais e económicas.   

A exposição irá ocorrer de 2 a 31 de março de 2022 na Biblioteca do ISCTE. No dia 2 faremos a inauguração com uma tertúlia que terá a participação do fotógrafo Dário Paraíso e do antropólogo Emiliano Dantas que participaram na curadoria da exposição fotográfica.

Caso possam estar presentes na inauguração pedimos que se inscrevam em https://forms.gle/txAq22aJsj2M3rtG6

Estreia já este Sábado, dia 19, o primeiro episódio da mais recente coprodução da Blablabla Media com a SIC, realizada com o apoio à Inovação do Instituto do Cinema e do Audiovisual. Realizada por Sofia Pinto Coelho, com direção de fotografia de Pedro Castanheira e consultoria de arquivos de Maria do Carmo Piçarra, DESPOJOS DE GUERRA revela histórias extraordinárias de espionagem, patriotismo, sobrevivência e romance tendo como pano de fundo a guerra colonial portuguesa em África. Com recurso a imagens de arquivo inéditas e pela primeira vez colorizadas, esta série documental vem dar voz às encruzilhadas que inesperados protagonistas anónimos enfrentaram em tempo de guerra e de descolonização. Para acompanhar na OPTO.

Sebastiana, “a informadora”

Espisódio 1 | No auge da guerra colonial em Angola, uma comerciante e o marido avisavam a PIDE quando os guerrilheiros iam à sua loja abastecer-se de mantimentos. Sebastiana Valadas revela qual era o seu nome de código, quanto recebiam pelas informações e como prendiam os “turras”. Depois da descolonização, um deles ajustou contas e mandou prendê-la.

Mais informação aqui.

Teatro do Vestido

Viagem a Portugal - Paragem Alentejo
um teatro feito a partir de uma pesquisa poética e documental neste território

Joana Craveiro

18 e 19 de Fevereiro | 19h00 

Ponto de encontro: Largo 25 de Abril - São Domingos, Santiago do Cacém
bilhetes à venda aqui

O espetáculo terá percursos a pé e de autocarro. Recomendamos calçado confortável e roupa quente.
Duração aprox. 4h00. Será servida pequena refeição
M/12  

Chegar a um local e olhar.
Alentejo - tantos alentejos - região densa e enorme.
Habitar este local.
Olhar com os olhos de quem pergunta.

Nesta sua paragem a sul do projecto Viagem a Portugal (nome que pedimos emprestado a José Saramago), os viajantes do Teatro do Vestido procuram, como quem escava, num vasto território entre Santiago do Cacém e Odemira. Pessoas, nomes, histórias e objectos desfilam diante destes viajantes, que tornam tudo isso parte de um percurso que procura contar algumas das histórias de vida, das memórias, e da geografia destes lugares. Como quem escava, e nesse escavar vai descobrindo mais e mais camadas, sem nunca chegar a bater no fundo, a chegar à rocha debaixo disto tudo.

Quantas camadas precisamos de escavar/decapar até nos sentirmos parte de um território?

O viajante de que José Saramago fala na sua Viagem a Portugal interroga-se sobre a sua razão para viajar. Todos os viajantes o fazem, e, no entanto, a própria viagem os ofusca sempre. No corpo a corpo dos quilómetros percorridos, a viagem ganha.

Nesta Viagem a Portugal do Teatro do Vestido, a viagem torna-se presença, inscrita na paisagem num espectáculo em percurso, fruto da relação de pesquisa e de permanência no terreno, e de criação de laços humanos, que nos permitam saber e conhecer histórias e poder recontá-las sob forma de teatro.

“O que mais há na terra é paisagem. 

Por muito que do resto lhe falte, a paisagem sempre sobrou (…).”
José Saramago, Levantado do Chão

Ficha Técnica

Direcção, texto, e coordenação da investigação: Joana Craveiro 

Co-criação e interpretação: Estêvão Antunes, Francisco Madureira, Henrique Antunes, Joana Craveiro, Luís Cruz, Mafalda Pereira, Tânia Guerreiro, Tozé Cunha  

Figurinos: Tânia Guerreiro  

Música e espaços sonoros: Francisco Madureira 

Espaço cénico: Carla Martinez 

Assistência de Cenografia: Isabelle Denkien 

Iluminação: Leocádia Silva 

Assistência Técnica: Rodrigo Lourenço 

Assistência: Henrique Antunes  

Direcção de produção: Alaide Costa 

Co-produção: Lavrar o Mar e Teatro do Vestido

Lia Pereira, Maria do Mar e Inês Magalhães. Mulheres da música e das comunidades que ela une. Mulheres que nos fazem sentir em casa.

Sábado dia 19 de Fevereiro às 17h, na Livraria Barata.

Venham! Entrada livre.

Nuno Saraiva convida Ricardo Dias para uma perspetiva da pandemia no seio dos bairros históricos.

Uma conversa sobre este livro de cartunes de Nuno Saraiva, realizados a partir da quarentena voluntária de março 2020 até março 2021, sobre os acontecimentos políticos, económicos ou sociais, acima de tudo nacionais, que se revelaram nas margens da pandemia. Diário de Uma Quarentena em Risco é editada pela Pim! em parceria com o jornal Público. Após a sessão o autor estará disponível para os autógrafos embonecados!

Galeria Santa Maria Maior
Rua da Madalena, 147. Quinta-feira, 17 de fevereiro, às 18h30. Entrada livre.

Confirmação de presença: cultura@jfsantamariamaior.pt.

Info Covid19:

Obrigatório o uso de máscara e a apresentação de certificado digital ou teste.

Diário de uma quarentena em risco - Junta de Freguesia de Santa Maria Maior (jf-santamariamaior.pt)

No ano em que celebra o seu 10º Aniversário, a Lisbonweek irá centrar as atenções no Bairro de Marvila. Durante todos os fins de semana de maio, Marvila será palco de uma intensa programação cultural e turística, com exposições, visitas guiadas, conferências, e muito mais.

Neste contexto, a Lisbonweek e o Prata Riverside Village - parceiro oficial da LW’22, lançam hoje uma convocatória direcionada a jovens artistas (até 35 anos) para quatro Residências simultâneas em Marvila que têm como objetivo chamar a atenção para o património histórico e contemporâneo, físico e humano deste bairro.

Inês Costa Monteiro. Vista de MarvilaO “Trabalho” será o tema de reflexão da próxima edição da Lisbonweek, sob a curadoria de Filipa Oliveira. Nos últimos anos, a ideia e as práticas de trabalho foram radicalmente questionadas e alteradas, e para as quais o confinamento foi, sem dúvida, um acelerador. Tomando como ponto de partida a história específica e incrivelmente rica de Marvila - e em particular a importância que teve a industrialização do séc. XIX no desenvolvimento deste bairro, a LW’22 desafia jovens artistas a refletirem sobre o que significa o trabalho hoje, e como será no futuro.

O Programa de Residências LW’22 é comparticipado financeiramente e pretende convocar uma diversidade de práticas artísticas contemporâneas que respondam ao tema central desta edição. Serão selecionados quatro artistas que durante um mês irão ocupar locais icónicos de Marvila. O resultado será uma exposição/performance que convida a um percurso artístico durante a edição da LW’22, e que ocupará edifícios históricos, espaços de trabalho, comércio local, e espaço público. 

As inscrições para a Open Call estão abertas até 07 março 2022, e para candidatar-se basta ir ao site da Lisbonweek - www.lisbonweek.com - e consultar o regulamento. Os resultados serão anunciados a 17 de março. 

Sobre a edição LW’22 – Marvila

O arranque da LW’22 será no dia 1 de Maio, Dia do Trabalhador, data simbólica para esta edição já que “O Trabalho” é o tema de reflexão lançado aos artistas da Open Call e artistas convidados. O conceito do trabalho é central na sociedade contemporânea. O que significa verdadeiramente o trabalho nos dias de hoje? Como tem evoluído, e como será no futuro?

O Bairro de Marvila dará o mote a todas estas temáticas: a Marvila moderna, das artes, dos coworks, ligada ao rio e às suas linhas contemporâneas com os projetos de arquitetura que já a habitam, nunca esquecendo a sua origem industrial, das fábricas, dos operários, do porto, do ferro, dos tonéis de vinho, e dos mercados ambulantes. Em maio, a Marvila antiga e contemporânea dar-se-á a conhecer com a Lisbonweek.

“Já há alguns anos que tínhamos a intenção de destacar o Bairro de Marvila, uma zona em rápida transformação, com uma identidade muito ligada às artes e à criatividade, e que adquire agora a maturidade e o protagonismo para receber um outro olhar”, refere Xana Nunes, diretora da ACTU e fundadora da Lisbonweek.

A LW’22 é desenvolvida em parceria com o Prata Riverside Village em Marvila - o único projeto em Portugal do Prémio Pritzker Renzo Piano, e conta ainda com o apoio habitual da Câmara Municipal de Lisboa, e da Junta de Freguesia de Marvila nesta edição. 

“É com muito agrado que recebemos a 7ª edição da Lisbonweek em Marvila, uma freguesia com uma riqueza e diversidade cultural únicas na cidade. Com a Lisbonweek vai ser possível descobrir tesouros escondidos, por diversas zonas da denominada Marvila antiga, mas também encontrar novas tendências expressas das mais variadas formas como se pode encontrar nas diversas galerias de arte da freguesia. Nesta edição da Lisbonweek, Marvila mostrará, também, toda a sua riqueza social traduzida num enorme e fraterno encontro de culturas.”, refere José António Videira, Presidente da Junta de Freguesia de Marvila.

Segundo Luís Gamboa, Diretor de Operações da VIC Properties, “Nos últimos anos, a freguesia de Marvila tem vindo a despertar para os Lisboetas e para todos os que visitam a cidade. Para a VIC Properties, que assumiu a missão de requalificar uma parte da cidade que há muito se encontrava esquecida, promovendo projetos únicos como o Prata Riverside Village, faz todo o sentido apoiar iniciativas que realcem e deem a conhecer este território, quer pela sua história quer pelo futuro que consideramos bastante promissor. Estamos seguros de que projetos como o Prata Riverside Village e eventos como a Lisbonweek vão ajudar a transformar Marvila numa das melhores freguesias do País para viver e visitar.” 

Mantendo a premissa de dar a conhecer espaços nunca antes vistos e histórias nunca antes contadas, a Programação da 7.ª edição da Lisbonweek irá incluir as habituais visitas culturais quer a locais icónicos de Marvila, como a Fábrica do Braço de Prata, a Praia de Marvila, ou o Páteo Marialva, quer a espaços que não estão acessíveis ao público, como o magnífico Palácio da Mitra ou o edifício Abel Pereira da Fonseca. O percurso das visitas culturais será mais uma vez concebido pelo historiador Pedro Sequeira, em Português e Inglês.

Para além da descoberta do património de Marvila, haverá ainda o percurso das artes criado pela curadora Filipa Oliveira, e que terá duas dimensões: de um lado, a abertura da Open Call para realização de Residências no bairro, e cujo resultado será apresentado durante a LW’22, e o convite a artistas para intervenções site-specific que serão exibidas em locais centrais de Marvila. 

Mais do que uma exposição, a LW’22 propõe um projeto de pesquisa artística, resposta e ativação do próprio bairro que não só apresenta propostas inéditas, como procura envolver e colaborar com os diversos agentes e promotores artísticos de Marvila, como é o caso da ação Meet the Artist a decorrer em várias galerias, como a Francisco Fino e a Bruno Múrias, em que o público poderá contactar com o artista/curador que está a expor ou outra atividade em exclusivo para a Lisbonweek.

Um dos fins de semana da LW’22 será dedicado a duas conferências de relevo: uma sobre o trabalho, e outra sobre arquitetura e as cidades, e está prevista uma grande festa de encerramento num dos espaços de Marvila (a definir).

A programação completa do LW’22 ficará disponível no início de abril, assim como os bilhetes para algumas das visitas culturais, com a possibilidade de comprar bilhete individual ou combinado para cada uma das atividades, em Português e Inglês.

Os 10 Anos da Lisbonweek

Criada em 2012 pela associação sem fins lucrativos ACTU - Associação Cultural e Turística Urbana, a Lisbonweek conta já com seis edições de sucesso: Príncipe Real/Chiado (2012), Do Marquês ao Tejo (2013), Alvalade (2015), Lumiar (2017), Ajuda (2019), e Alcântara (2020/21). Ao longo dos últimos dez anos, a Lisbonweek tem deixado obra feita na cidade - instalações de arte urbana oferecida aos bairros que foram foco da sua pesquisa e intervenção, e que perduram até aos dias de hoje, tem colaborado com personalidades tão diversas como o historiador José Sarmento de Matos, o arquiteto Carrilho da Graça, o chef José Avillez, artistas de projeção internacional como Julião Sarmento, José Pedro Croft, Robert Panda ou Felipe Pantone, Curadores como Delfim Sardo, Ana Tostões ou Filipa Oliveira, e instituições como a Orquestra Metropolitana de Lisboa, a Biblioteca Nacional, Palácio da Ajuda, entre tantos outros. 

Das diversas obras e acontecimentos levados a cabo pela Lisbonweek, são de realçar o lounge desenhado pelo Arquiteto Carrilho da Graça, que ocupou o Rossio na edição de 2013; a exposição na Biblioteca Nacional dedicada a Porfírio Pardal Monteiro na edição de 2015; a maior obra de arte urbana que ainda hoje existe em Lisboa - um mural de 45 metros criado pelo artista argentino-espanhol Felipe Pantone, os famosos “Estúpidos” de Robert Panda, que ainda podem ser vistos em Telheiras, e o gigante corredor do Corvo do artista RAF (Rui Alexandre Ferreira), na Alta de Lisboa – tudo projectos criados para a edição de 2017, no Lumiar. 

Mais recentemente, a LW’19 trouxe o projeto Inside Out do artista JR que levou a cabo uma instalação de arte urbana em empenas de edifícios do Bairro 2 de Maio, numa ação que pretendeu despertar mentalidades e chamar a atenção para a possibilidade de fazer do mundo um lugar melhor através da arte; e ainda a realização do Museu Efémero de Arte Urbana (EMUA) na LX Factory, na última edição 20/21, em tempos de pandemia.

Para mais informações consulte o site: www.lisbonweek.com 

Instagram / Facebook / Twitter

A iniciativa tem contado com o apoio da Câmara Municipal de Lisboa, das Juntas de Freguesia, de todos os parceiros e entidades públicas e privadas, e da generosidade de tantas pessoas que, desde o primeiro dia, nos acompanham.

Sobre a VIC Properties 

Sediada em Lisboa e liderada por uma equipa de gestão de elevada experiência, a VIC Properties é uma plataforma imobiliária totalmente integrada que cobre toda a cadeia de valor do processo de construção. Focada no mercado imobiliário residencial português, e especialista no desenvolvimento de empreendimentos residenciais totalmente integrados, a VIC Properties destaca-se pela capacidade de criar estilos, dinâmicas e vivências únicas e exclusivas em todos os seus projetos, inspirados pelo privilégio único de viver num dos mais belos e sedutores países em todo o mundo: Portugal. 

Sobre o Prata Riverside Village

Um Projeto de Autor, único e irrepetível no panorama da cidade de Lisboa.

Projeto da responsabilidade da VIC Properties, o Prata Riverside Village é uma vila urbana no coração de Lisboa, em Marvila, com um verdadeiro ambiente de bairro, tranquilo, mas cheio de vida, equipado com lojas, restaurantes, galerias, ciclovia e parques infantis capazes de servir não só a comunidade de residentes, mas também de atrair, só por si, visitantes de outros bairros lisboetas. Tudo isto, coroado pelo Parque Ribeirinho Oriente e por uma ligação ímpar ao Tejo.

Desenhado pelo Prémio Pritzker Renzo Piano, um dos mais aclamados arquitetos da atualidade, o Prata Riverside Village inspira a “uma nova forma de viver”, aliando modernidade e funcionalidade às tecnologias de materiais sustentáveis e duradouros. Inspirado pelo rio, pela história e pela beleza de Lisboa, o Prata Riverside Village, o único projeto de Renzo Piano em Portugal, marca já, de forma incontornável, o skyline da cidade.

Para mais informações consulte:

https://www.vic-properties.com/  https://www.pratariversidevillage.com...

https://www.lisbonweek.com/pt/opencall

Maráia Quéri de Romeu Costa e Marta Carreiras

16 fev - 6 mar 2022
qua - sáb, 19h30 > dom, 16h30 Sala Estúdio

Maráia Quéri. Filipe Ferreira

Quando um prazer nos faz corar.

A passagem do prazer à culpa é, muitas vezes, mais rápida do que se deseja. Mas há prazeres que não nos furtamos apenas porque censurados socialmente. Prazeres vividos em segredo. Prazeres não- aceites. E se esses prazeres virem a luz do dia? Em Maráia Quéri, o conflito interno instala-se quando paira sobre o gosto de um investigador em ciências sociais o receio da desonra ou do ridículo. Pode ele ter Mariah Carey como objeto de estudo? Pode ele gostar de Mariah Carey? Neste espetáculo, Romeu Costa e Marta Carreiras mergulham no universo musical da cantora norte-americana, que configurou uma mudança de paradigma no mundo da música dos anos 90, para investigar a liberdade com que nos permitimos gostar de algo. Através da confissão da sua vergonha, o investigador procurará “entendê-la” e entender-se, traçando, neste processo, um retrato de Portugal e da relação do país com o mundo. Numa conferência-performance que pisca o olho às famosas Ted Talks, o cientista fará acompanhar a sua comunicação pública por um conjunto de músicas que distam dos anos noventa até à atualidade, tendo sempre a vida de Mariah Carey como referente.

> Conversa com artistas após o espetáculo

27 fev > dom, 16h30

> Sessão com interpretação em Língua Gestual Portuguesa

27 fev > dom, 16h30

> Sessão com Audiodescrição

6 mar > dom, 16h30

Ficha artística

direção artística e interpretação Romeu Costa
assistência artística e direção plástica Marta Carreiras
texto Raquel S.
assistência de encenação Tadeu Faustino e Ana Bento
desenho de projeção José Freitas
desenho de luz Nuno Meira
assessoria musical Isabel Campelo e Filipe Melo
produção executiva Maria Folque
coprodução Teatro Nacional D. Maria II, Teatro Municipal de Matosinhos Constantino Nery apoio Teatro Meridional

A classificar pela CCE duração 1h30

Kiluanji Kia Henda

04 February - 05 March 2022

Goodman Gallery, London

Goodman Gallery is pleased to present “A Healing Path for Phantom Pain”, Kiluanji Kia Henda’s first solo exhibition in the UK. The exhibition brings together bodies of work continuing the artist’s exploration of collective memory through engagement with landscapes and public structures.

The title of the exhibition couples the painful realities of the past — which present themselves as ghostly recurrences — with the hopeful possibility of recovery. More pointedly, it reflects on the history of Angola through a critique of structures of power that continue colonial legacies. The artist explains; “On the street where I grew up in Luanda, there was a school, a cinema, a police station, and a Catholic church next to an Orthopaedic centre – each of which played a part in the colonial strategy. I decided to focus on the Catholic church and the Orthopaedic centre to think through Western influences in Angola’s history and its devastating conflict.”

The 20th anniversary of Princess Diana’s death in 2017 coincided with Kia Henda’s return to Luanda from New York — a trip during which Diana’s humanitarian efforts were advertised broadly in international media. Part of Diana’s efforts included a visit to Angola, in 1997, where she lobbied against the military industry which benefited from the terror of war, particularly in the production and distribution of anti-personnel landmines. Through photographs, a video installation, as well as new sculptural installations, Kia Henda reflects on the continued effects of active landmines in Angola. A vestige of the brutal civil war, anti-personnel landmines continue to threaten the lives of civilians across the country.

Terra inóspita is a new sculpture that gestures at illusions of safety. The work is modelled on signs used to warn people of the existence of anti-personnel landmines. Made from 117 glass rods, Terra inóspita is a reinterpretation of these warning signs which are often made of wooden sticks painted red and white. The translucency and fragility of glass as a material reflects on the battlefield as a site of deadly experimentation, a lethal laboratory of forts. Loosely translated from Portuguese as “inhospitable land”, the sculpture reflects frustration at the inefficacy of measures to prevent death. Kia Henda recalls small children playing near these signs, wholly unaware of the dangers of existing landmines. Through this work, he pushes against the historicization of the war, returning these concerns to the present moment. Alongside this work is a clay sculpture, A Healing Path for Phantom Pain, based on rehabilitation apparatus used by patients at the Neves Bendinha Orthopaedic Centre. The work reflects on processes of healing and recuperation. The sculpture functions as a model for Kia Henda’s plans to replicate a lifesize rehabilitation apparatus, using sand. For the artist, both materials of sand and clay contain fragility and have a connection to healing pains of the past.

The series of photographs in the exhibition document the Neves Bendinha Orthopaedic Centre and the Santa Ana Catholic church. Devoid of human beings and with no signifiers of time, the images capture an enduring melancholy and restlessness. Both the Orthopaedic centre and the church are a reflection of sites of hope for many Angolans who experienced the effects of war. And yet they reveal themselves as not completely within reach — enclosed, protected…and therefore empty.

Restless Landscape is a series of digital print montages. The images are an assemblage of photographs of the landscape in the central part of Angola where the civil war was particularly damaging. Thinking about the impact of war on both people and on nature, Kia Henda gestures towards trauma’s ability to root itself into the land, thereby necessitating a process of healing and renewal. By creating the photomontages, he is recreating a new landscape filled with overlapping trees — this process of manipulation is Kia Henda’s attempt at rehabilitating the land from a traumatic past.

In Phantom Pain – A letter to Henry A. Kissinger (2020), part of which is filmed at the Neves Bendinha Orthopaedic Centre, Kia Henda confronts former United States Secretary of State Henry Kissinger for his involvement in crimes against humanity and the resultant enduring pain his decisions caused. Kissinger, of course, remains a polarising figure hailed as both war criminal and venerated as a Nobel prize laureate. Through this work, Kia Henda points to the ways in which the retelling of history is illusory, perhaps even deceptive.

Through a meditation on the geopolitical, “A Healing Path for Phantom Pain” studies how trauma travels temporally and spatially while also confronting the painful process of overcoming that trauma.

KILUANJI KIA HENDA

Kiluanji Kia Henda (b. 1979, Luanda, Angola) employs a surprising sense of humour in his work, which often homes in on themes of identity, politics, and perceptions of post-colonialism and modernism in Africa. Kia Henda brings a critical edge to his multidisciplinary practice, which incorporates photography, video, and performance. Informed by a background surrounded by photography enthusiasts, Kia Henda’s conceptual-based work has further been sharpened by exposure to music, avant-garde theatre, and collaborations with a collective of emerging artists in Luanda’s art scene. Much of Kia Henda’s work draws on history through the appropriation and manipulation of public spaces and structures, and the different representations that form part of collective memory, in order to produce complex, yet powerful imagery.

Kia Henda has had solo exhibitions in galleries and institutions around the world. His work has featured on biennales in Venice, Dakar, São Paulo and Gwanju as well as major travelling exhibitions such as Making Africa: A Continent of Contemporary Design and The Divine Comedy: Heaven, Hell, Purgatory revisited by Contemporary African Artists. In 2019, Kia Henda’s work was acquired by Tate Modern in London, and he was selected to participate on the Unlimited sector at Art Basel. In 2020, Kia Kenda exhibited at the MAN Museo d’Arte Provincia di Nuoro in Italy, marking his first solo exhibition in a major European museum.

Kia Henda currently lives and works between Luanda and Lisbon.

Virgílio Varela vem ao Pequeno Auditório da Culturgest, no dia 23 de fevereiro, falar-nos sobre inteligência coletiva e sobre ferramentas que podemos utilizar para ultrapassar as adversidades do quotidiano.

23 FEV 2022 
TER 18:30

Entrada Gratuita 

© Raizdeportugal

“Não perguntes o que o mundo precisa. Pergunta-te o que te faz sentir vivo, e vai fazer isso, porque o que o mundo precisa é de pessoas que se sentem vivas”. 
Howard Thurman 

Virgílio Varela tem uma vasta experiência de trabalho em diversas metodologias de capacitação de grupos, práticas que fazem surgir processos de ação coletiva e colaborativa. A sua experiência passa pelo desenho de projetos para comunidades e organizações como a Comissão Europeia, Nações Unidas, UNESCO, em vários países europeus, e no Brasil, Cabo Verde e Moçambique. Nesta partilha seremos convidados a interrogarmo-nos ativamente acerca do potencial de uma sociedade para sustentar a vida; a considerar a nossa interdependência, a escutar as nossas emoções, perceções e a entender como o conflito pode ser um ingrediente fundamental para entendermos o futuro que emerge.

Sobre Virgílio Varela

Virgílio Varela nasceu em Lisboa. É pai de três crianças e filho de pais cabo-verdianos. Fez mestrado em Educação no King´s College University of London com uma tese sobre Estratégias de Aprendizagem. É consultor e facilitador internacional com uma vasta experiência de trabalho em diversas metodologias de capacitação de grupos e organizações. São exemplo metodologias como o Dragon Dreaming, Work That Reconnects, Jogo Oásis-Instituto Elos, Asset Based Community Development, Open Space Technology, Design Thinking.

Nos últimos 25 anos tem desenvolvido a sua experiência no desenho de projectos para comunidades, e organizações como Comissão Europeia, Nações Unidas, UNESCO, em países como Portugal, Brasil, Alemanha, Espanha, Reino Unido,Polónia, Latvia, Cabo Verde e Moçambique. É palestrante, compositor e criador de programas de transformação como Storytelling Regenerativo, Programa Atlantis(co-autoria), Grow Impact Together, Jogo Oásis Moçambique. Atualmente é CEO da Humanfleet, organização que atua na área do empreendedorismo social, inovação e inteligência coletiva ao serviço da transformação humana e regeneração do planeta.

05 Fevereiro 2022 - 19 Março 2022

Entrada Livre

THIS IS NOT A WHITE CUBE | Rua da Emenda, nº 72, Chiado, Lisbon

A galeria de arte THIS IS NOT A WHITE CUBE inaugura a 5 de Fevereiro “LOOT”, a primeira exposição individual da artista sul-africana Barbara Wildenboer em Portugal. 

A mostra integra cerca de 30 trabalhos inéditos, repartidos em três núcleos distintos, de entre os quais se destaca aquele que agrega o mais recente corpo de trabalho da artista e que dá nome à exposição.

“LOOT - SPOILS OF WAR”, decorre do interesse crescente da artista pela forma como um novo modelo de significações foi gerado e moldado a partir do encontro histórico e civilizacional entre África e a Europa. 

A materialização da ideia dá-se através da  exploração do conceito de  ‘apropriação’  que, se por um lado constitui, nesta exposição, uma referência directa aos artefatos saqueados e expropriados das suas origens no contexto da colonização, por outro lado, traduz a consistência plástica da obra da artista que, na apropriação “per se” encontra um instrumento de trabalho verdadeiramente essencial para a construção de um medium artístico que desde há muito envolve a reconfiguração e integração de textos, livros, mapas e imagens pré-existentes em colagens e instalações tridimensionais. 

Transversalmente, Barbara Wildeboer utiliza no seu processo criativo uma combinação de processos analógicos e digitais que concorrem para a construção de uma obra diversificada e rica, composta maioritariamente por colagens, construções fotográficas, instalações em papel, esculturas fotográficas animadas digitalmente e book arts. 

Tendo por base este modelo e o conceito de apropriação, ao longo dos últimos dois anos, a artista recolheu imagens de inúmeros artefactos antigos de proveniências distintas - de África, Oceânia, Grécia Antiga, Mesopotâmia e Américas - que atualmente integram as coleções de museus no mundo ocidental, na Grã-Bretanha, Alemanha, França e EUA. 

Arredadas do contexto original e assembladas em sistemas visuais complexos, de carácter surrealizante, estas imagens passam por um processo autoral de re-significação, assumindo nesta exposição uma natureza renovada. Na sua génese está uma (re) leitura iconográfica que enquadra o peso histórico dos contatos de carácter intercultural.

Ao longo da exposição, assistimos a um ritual de re-significação iconográfica, de descodificação e recodificação da imagem, que concorre para a construção de uma visão crítica da historiografia e dos processos de apropriação e “fetichização” das culturas. 

No epicentro da mostra e do debate que através desta a artista procura alavancar, encontramos um conjunto de instalações escultóricas monocromáticas que na sua configuração se assemelham a “escadas, postes, árvores, torres”, totens ou pequenos obeliscos, que “consistem numa assimilação de diferentes relíquias, figuras de fertilidade, máscaras, vasos e elementos arquitectónicos” diversos. 

Estes artefactos de papel, agrupam-se arguta e sagazmente, numa acomodação reflectida que evoca, de um modo idiossincrático e absurdo, a sistematização do Museu Ocidental para  evidenciar as múltiplas formas como estes objetos podem ser percepcionados. 

“As esculturas de papel aludem à curadoria das exposições de artefactos arqueológicos que, sendo colocados em pedestais ou em vitrinas, são depois iluminados por forma a produzir a ideia da aura de uma obra de arte sobre objeto que está já muito afastada das suas funções originais. 

O resultado é uma espécie de documentário de ficção ou de documento ficcional que faz referência a coisas reais, mas que as transforma em algo mais.”

Os conceitos de originalidade e de autoria são elementos centrais nesta exposição de Barbara Wildenboer, que através da sua ação, num desafio declarado às convenções do mundo artístico, vem produzido contributos significativos para a inversão do pensamento numa era  marcada pela necessidade de imposição de uma ideologia decolonial.

A exposição “LOOT” ficará patente até 19 de Março, de 3ª feira a sábado, entre as 14h30 e as 19h30. A entrada é livre, obedecendo às necessárias normas de segurança e prevenção em tempos de pandemia.

(Graça Rodrigues - Curadora, Janeiro de 2022)

Sobre Barbara Wildenboer

Barbara Wildenboer

Barbara Wildenboer (b. 1973, África do Sul) investiga o conceito filosófico de estética através de uma série de diferentes meios e processos. Ao explorar este conceito, juntamente com fenómenos como a temporalidade, a geometria fractal e a interligação de todos os seres vivos, ela expõe as ligações entre uma miríade de formas de vida - desde a microscópica à imensa. 

O foco principal de Wildenboer é a estética ambiental, a qual ela vê englobando tanto territórios naturais, como a interação humana com o reino natural. No seu trabalho, explora ainda a ideia do sublime matemático (noção estética desenvolvida inicialmente por Immanuel Kant) e o modo como o infinito / ausência de limites do universo transcendem os limites da razão.

Wildenboer utiliza uma combinação de processos analógicos e digitais para produzir um corpo de trabalho diversificado e rico, composto maioritariamente por colagens, construções fotográficas e em papel, instalações, esculturas fotográficas animadas digitalmente e book arts.

Equipa

Diretora Geral e Co-Diretora Artística  |  Sónia Ribeiro

Curadora e Co-Diretora Artística  |  Graça Rodrigues

Assistente de Galeria | Francisca Vaz

Design Gráfico e Audiovisual  |  Francisco Blanco e  Nelson Chantre

THIS IS NOT A WHITE CUBE