BUALA

descobri-quê?, uma criação de Cátia Pinheiro, Dori Nigro e José Nunes, tem estreia marcada para o próximo sábado, dia 18 de março, no Centro Cultural de Paredes de Coura, no âmbito da Odisseia Nacional do Teatro Nacional D. Maria II.

descobri-quê? é um espetáculo que pretende contribuir para a descolonização – enquanto gesto inacabado, portanto constante e continuado – do ensino do período histórico designado como descobrimentos, quebrando uma série de narrativas oficiais que romantizam esta época e procurando uma confrontação com o passado invasor, expansionista e colonialista português.

Destinado ao público juvenil, o espetáculo resulta da colaboração dos criadores da companhia Estrutura (Cátia Pinheiro e José Nunes) com o artista, performer e arte-educador Dori Nigro. Em palco, estarão Joyce Souza, Tiago Jácome e Waldju Kondo.

Depois da estreia em Paredes de Coura, descobri-quê? vai passar por mais de uma dezena de concelhos de norte a sul do país e também pela Madeira, integrado na programação da Odisseia Nacional do D. Maria II. Paralelamente ao espetáculo, serão ainda desenvolvidos, em vários concelhos do país, Laboratórios Teatrais destinados a alunos do ensino secundário e ao público em geral, onde se pretende promover o pensamento crítico e criar espaços de reflexão/ação em torno da história colonial, do passado e do presente. O primeiro Laboratório decorre já a partir de amanhã, dia 16 de março, em Paredes de Coura.

A Odisseia Nacional é um projeto do Teatro Nacional D. Maria II, composto por centenas de propostas artísticas, que vão passar por 93 concelhos de todas as regiões de Portugal continental e ilhas, ao longo do ano de 2023. Depois do primeiro trimestre do ano passado na região Norte, seguem-se o Centro do país, de abril a junho, os Açores, em julho, a Madeira, em setembro, e as regiões do Alentejo e Algarve, de outubro a dezembro.

Este podcast quinzenal teve início no dia 8 de março. Haverá conversas com autoras tão diversas como a Ellen Lima, a Ngongita Diogo, a Dina Salústio ou a Gisela Casimiro, entre muitas outras. Está disponível em várias plataformas (Spotiffy, Anchor, Amazon Music, Google Podcasts, MixCloud e Stitcher).

Conversas com autoras que publicam poesia e prosa em Portugal, no Brasil, em Angola, Moçambique, Cabo Verde, S.Tomé e Príncipe e. na Guiné-Bissau; Conversas à margem de cânones, em que se fala sobre memórias, periferias e formas de resistência. Conversas com investigadoras que também estudam formas artístico-poéticas de resistência; Conversas no âmbito do Projeto  WomenLit - Literatura de Mulheres: Memórias, Periferias e Resistências no Atlântico Luso-Afro-Brasileiro (PTDC/LLT-LES/0858/2021), Centro de Investigação: CHAM, FCSH-NOVA Lisboa, e Instituições Parceiras: CES e CEAUL/ULICES. Música: “Song in Mountains”, IMGMIDI.

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Beginning February 2023, Sharjah Art Foundation (SAF) brings together over 150 artists and collectives from more than 70 countries for the 15th edition and 30-year anniversary of the Sharjah Biennial. Conceived by the late Okwui Enwezor and curated by the Foundation’s Director Hoor Al Qasimi, Sharjah Biennial 15: Thinking Historically in the Present reflects on Enwezor’s visionary work, which transformed contemporary art and has influenced the evolution of institutions and biennials around the world, including the Sharjah Biennial.
Al Qasimi interprets and elaborates on Enwezor’s proposal with a presentation of more than 300 artworks — including 70 new works — critically centring the past within contemporary times. These works, as well as a wide-ranging programme of performance, music and film, activate more than 19 venues in 5 cities and towns across the emirate of Sharjah: Al Dhaid, Hamriyah, Kalba, Khorfakkan and Sharjah. Among the many venues are sites within Sharjah’s historical quarter; buildings recently restored and transformed by the Foundation including The Flying Saucer and Kalba Ice Factory; and repurposed structures that once served as a vegetable market, medical clinic and kindergarten.
Free and open to the public, Sharjah Biennial 15 runs 7 February through 11 June 2023, with opening week events taking place from 7 February to 12 February.
“Two decades ago, I experienced Okwui’s Documenta 11 which, with its radical embrace of postcolonialism, transformed my curatorial perspective. His idea of ‘thinking historically in the present’ is the conceptual framework for the Biennial, which we’ve sought to honour and elaborate on while also reflecting on the Foundation’s own past, present and future as the Biennial marks its 30-year anniversary. We look forward to welcoming local audiences and visitors from around the world to reflect on the Biennial’s themes and the artists’ wide-ranging perspectives on nationhood, tradition, race, gender, body and imagination,” said Al Qasimi.
For Enwezor, the contemporary art exhibition provided a means to engage with history, politics and society in our global present. Enwezor’s proposition of the ‘postcolonial constellation’ and its pluriverse of key concepts form one point of departure for the 15th edition of the Sharjah Biennial. Re-envisioning the proposal by the late curator, Al Qasimi builds upon her own long-term relationship with the Biennial, as visitor, artist, curator, and eventually as director of the Foundation.
The 19 venues spread across the emirate of Sharjah — from heritage buildings and historical landmarks to modern architecture of the late 1900s and contemporary spaces — connect different moments of Sharjah’s history as well as its diverse communities and landscapes. Through more than 300 artworks, the Biennial proposes a transcultural universe of thought embedded into this local social fabric, involving Sharjah’s own lived past in a nuanced conversation around postcolonial subjectivity, the body as a repository of memories, restitution, racialization, transgenerational continuities, and decolonisation. Rooted in intimate and caring observations of everyday lives and vernacular traditions, performances, concerts, workshops and other public programmes will activate the venues as well as regional art centers located in each city, forming a capillary reach across the emirate throughout the four-month duration of the Biennial.
Expanding upon Enwezor’s initial proposal, Al Qasimi has collaborated with artists to embark on more than 70 new works, including many major commissions, that relate and respond to SB15’s overarching theme of centering the past within the present, thereby bridging diverse postcolonial histories.
Major new commissions by John Akomfrah, Maria Magdalena Campos-Pons, Doris Salcedo, Berni Searle and Barbara Walker testify to the lingering after-effects of colonialism. A feature-length film by Coco Fusco, installation by Bouchra Khalili, multimedia work by Almagul Menlibayeva and sound installation by Hajra Waheed reactivate and reimagine the political conflicts precipitated by the modern nation-building process.
Brook Andrew and Isaac Julien reflect upon museumised objects and their restitution, while Destiny Deacon, Robyn Kahukiwa and Tahila Mintz assert the significance of indigenous identities and values. In the works of Gabrielle Goliath, Amar Kanwar, Wangechi Mutu and Carrie Mae Weems, individual histories are interwoven with collective notions of memory, grief and transformation.
Also premiering in SB15 are works that engage with the local context of Sharjah. Kerry James Marshall proposes an outdoor installation in the form of an archaeological find inspired by fact, myth and tales, while Lubaina Himid and Nil Yalter dive into the urban fabric of Sharjah with their public interventions. Basel Abbas and Ruanne Abou-Rahme, Asma Belhamar, Kambui Olujimi, Prajaka Potnis and Veronica Ryan present site-specific projects that converse with and recontextualise the old and new architecture of the Foundation.
Performances and theatrical presentations will be on offer throughout the Biennial. Gabriela Golder, Hassan Hajjaj, Rachid Hedli, Tania El Khoury, The Living and the Dead Ensemble and Aline Motta will activate their work during the opening week in February. In conjunction with the annual March Meeting, Marwah AlMugait, Shiraz Bayjoo, Naiza Khan and Akeim Toussaint Buck will perform in early March. Musical programmes featuring musicians Youssou N’Dour and Abdullah Ibrahim will follow in March and April, with additional performances to be announced later.

Realiza-se de 31 de março a 29 de abril, na Appleton - Associação Cultural, em Lisboa, o programa interdisciplinar Atlas da Solidão, cujo objetivo é chamar a atenção para o tema da solidão, para o analisar dos pontos de vista teórico, simbólico e prático, através da participação de intervenientes de várias disciplinas artísticas, académicos e especialistas. Ocupando a galeria Appleton Square com atividades ao longo de um mês, o espaço torna-se uma plataforma de encontro entre o público e os intervenientes do projeto.

Composto por sete momentos, o programa quer refletir sobre as perguntas:De que falamos quando falamos de solidão? Para que serve a solidão? Porque se torna ameaçadora? Como podemos usufruir da nossa solidão num mundo que se tornou mais veloz do que nunca?Antes da pandemia, a solidão e o isolamento social eram tão preponderantes na Europa, EUA e China, que tinham já sido descritos como uma «epidemia comportamental». Vivemos no tempo mais conectado da história da humanidade e, paradoxalmente, sentimo-nos isolados. Mas a solidão e a monotonia têm também um lado positivo, uma vez que são essenciais para a fruição da criatividade. A solidão facilita o desenvolvimento da empatia e é um movimento de reconstrução tão positivo como a própria socialização. Gostar de estar sozinho é, por outro lado, descobrir a abertura ao pensamento crítico e original. 

O programa arranca no dia 31 de março com a inauguração de Quero um dia em que não se espere nada de mim, uma exposição coletiva, com obras de Bert Timmermans, Horácio Frutuoso, Isabel Cordovil, Joana Ramalho, Luís Barbosa, Mag Rodrigues e Pedro Lagoa.

Com um formato de áudio-caminhada, Paula Diogo apresenta nos dias 4 e 5 de abril Terra Nullius, uma peça que transborda o espaço da galeria, ocupando a geografia urbana da cidade e o espaço virtual de discussão e pensamento. O espetáculo inicia-se e termina na Appleton, havendo lugar a uma caminhada solitária nas imediações da galeria, com apoio de um mapa. No final, cada espetador recebe um livro. 

Num mundo em que estamos em constante comunicação, como é que imaginamos a solidão dos outros? Vrndavana Vilasini concebe um curso online, de 10 a 13 de abril, onde irá abordar a representação da melancolia na arte e na literatura a partir de exemplos teóricos e poéticos, procurando a anatomia da natureza melancólica e a sua pluralidade de manifestações. Através de material histórico, médico, filosófico e artístico, o curso irá dedicar-se a refletir sobre o temperamento da condição melancólica.

No dia 14 de abril, Margarida Garcia e Manuel Mota apresentam-se emconcerto, numa linguagem sonora proto-cinematográfica onde o silêncio perfura, desvia e perturba constantemente a forma musical, como um ponto de charneira que catapulta o som para o universo da matériPara o público jovem, Joana Cavadas dirige, no dia 15 de abril, O Mapa uma oficina de criação artística com cerca de cinco sessões de exercícios para pensar sobre diferentes perspetivas da solidão e responder à pergunta: porque fugimos da solidão? 

O bailarino e coreógrafo David Marques, apresenta nos dias 20 e 21 de abril, uma criação nova intitulada Comoção e, no dia 28 de abril, Vânia Rovisco apresenta a performance Approach and enter, que explora os movimentos de aproximação entre sujeitos e corpos, os limites da intimidade, da proximidade física e do corpo como superfície de inscrição de sentido.

O programa termina no dia 29 de abril com as conferências de encerramento Uma comunidade de solidões, que contam com vários especialistas com investigação sobre o tema da solidão, que estabelecem diálogo com a observação crítica artística e que são abertas à participação do público: com Adalberto Carvalho (Filosofia), Sónia Martins (Psicologia) e Rui Miguel Costa (Ciberpsicologia).

Programa:

• 31 março 

Quero um dia em que não se espere nada de mim - exposição coletiva, com obras de Bert Timmermans, Horácio Frutuoso, Isabel Cordovil, Joana Ramalho, Luís Barbosa, Mag Rodrigues e Pedro Lagoa (artes visuais)

• 4 e 5 abril 

Terra Nullius, de Paula Diogo (caminhada-espetáculo) - versão DIY
Horário: áudio e livro disponíveis das 14H às 17H50

• 10 a 13 abril

Melancolia, arte e literatura, por Vrndavana Vilasini (formação online)
Duração: 1H30 
Sala aberta: 18H40 
Horário: 19H

• 14 abril 

Margarida Garcia e Manuel Mota (concerto)
Horário: 21H

• 15 abril 

O Mapa, por Joana Cavadas (oficina com adolescentes)
Duração: 2H30 
Horário: 15H

• 20 e 21 abril 

Comoção, de David Marques (dança)

Duração: aprox. 40 minutos
Horário: 19H

• 28 abril  

Approach and Enter, de Vânia Rovisco (performance-instalação)

Duração: 2H
Horário: 17H

• 29 abril

Uma comunidade de solidões - conferências de encerramento

14H-16H: Adalberto Carvalho + Sónia Martins / Marta Rema (moderação)

16H30-18H30 - Rui Miguel Costa + [orador/a a definir] / Marta Rema (moderação)

Duração (cada): 2H00 com intervenções do público 
Horário: das 14H às 18H30 com intervalo 

No âmbito da segunda temporada do Cinéfilos & Literatus, no dia 17 de Março, sexta-feira, às 18h, exibir-se-á no Auditório Pepetela, em Luanda, o filme “Sambizanga”, da cineasta Sarah Maldoror, com o apoio da Associação Amigos da Sarah Maldoror e Mário Pinto de Andrade, em parceria com Camões – Centro Cultural Português e Associação KinoYeto.A presente edição visa homenagear a cineasta e defensora dos direitos humanos, Sarah Maldoror: uma figura importantíssima na história do cinema angolano e africano.
“Sambizanga”, de Sarah Maldoror, é uma longa metragem baseada no livro  “A Vida Verdadeira de Domingos Xavier”, escrito pelo escritor José Luandino Vieira, com o roteiro do também escritor e nacionalista Mário Pinto de Andrade.
«Trata-se de uma história que se passa em Angola no ano de 1961 à volta de Domingos Xavier, um ativista revolucionário angolano, que é preso pela polícia secreta portuguesa. Xavier é levado para a prisão de Sambizanga, onde acaba sendo submetido a um interrogatório e tortura para extrair os nomes dos seus companheiros que lutam pela independência de Angola […] O filme é contado a partir do ponto de vista de Maria, a mulher de Xavier, que vai em busca do seu marido em cada prisão, sem entender exatamente o que aconteceu, já que Xavier foi torturado e espancado até a morte.»
Com entrada totalmente grátis, nessa segunda edição teremos à mesa de conversa a Sra. Henda Pinto de Andrade, uma das filhas da Sarah Maldoror, a cineasta Maria João Ganga e o escritor José Luis Mendonça.Cinéfilos & Literatus é um projecto artístico-cultural que consiste na projeção de filmes adaptados de obras literárias nacionais e internacionais, seguido de um debate em torno do filme e do livro após a sessão.

No próximo dia 16 de março, às 18h30 e com entrada livre, o conhecido cantor, compositor e activista Luca Argel, vai estar na Escola das Artes da Universidade Católica no Porto para a conferência-performance “Olha o dia de ontem chegando - Samba: guardião da memória”. Conhecido por integrar os grupos “Samba Sem Fronteiras” e “Orquestra Bamba Social”, Argel promete mostrar como no samba se conta a história de resistência e resiliência do povo brasileiro.

Luca Argel, que reside em Portugal há dez anos, é cantor e compositor. Faz parte de vários grupos musicais, entre os quais “Ruído Vário”, onde trabalhou com a cantora portuguesa Ana Deus, sobre poemas musicados de Fernando Pessoa. É licenciado em música pela UNIRIO e mestre em literatura pela Universidade do Porto. Tem cinco álbuns de estúdio, que resultam de uma incessante pesquisa sobre a história, a política, e as relações com a música popular brasileira. O seu álbum mais recente, “Sabina”, aborda os temas da tensão pós-abolição da escravatura, do racismo e da descolonização.

Luca Argel assinala ainda a sua presença na literatura, com livros de poesia publicados no Brasil, em Portugal e em Espanha. O livro “Uma pequena festa por uma eternidade” foi um dos semifinalistas do Prémio Oceanos em 2017. Além disso, assina rubricas de rádio e desenvolve bandas sonoras

Esta performance do brasileiro faz parte do Ciclo Internacional de Conferências, Exposições e Performances 2023 da Escola das Artes da Universidade Católica, que tem como título “Pisar Suavemente a Terra” que tem como inspiração o pensamento do filósofo e ativista Ailton Krenak. Trata-se não só de uma homenagem ao pensador, mas de um movimento subtil de admitir a urgência desses e outros ensinamentos, humanos e não humanos, como possibilidades de compreender e transformar nossa relação com a Terra.

O conferência-performance de Luca Argel com o título “Olha o dia de ontem chegando- Samba: guardião da memória”, terá lugar dia 16 de março, pelas 18h30, no Auditório Ilídio Pinho da Escola das Artes da Universidade Católica no Porto. A entrada é gratuita.

Iniciativa conjunta do Bureau du Québec à Barcelone, da Embaixada do Canadá em Portugal, do Institut français du Portugal e da Antígona, integrada na Festa da Francofonia 2023.

• 17 Março (18h) • Livraria Palavra de Viajante, Lisboa  Conversa informal entre o autor e Alberto Manguel. 
• 18 Março (17h) • Livraria Ler Devagar, Lisboa Conversa informal moderada por José Mário Silva e com a presença do tradutor Luís Leitão, para apresentar os livros Como Fazer Amor com um Negro sem se Cansar e O Grito dos Pássaros Loucos.
• 20 Março (16h30) • Salão Nobre da Universidade Nova de Lisboa Masterclass do autor e aberta ao público, intitulada «L’exil vaut le voyage». O evento é organizado pela Associação Portuguesa de Professores de Francês, o IFP, o IELT, o CLUNL e a NOVA-FCSH.

Como Fazer Amor com um Negro sem se Cansar 

«Uma provocação astuta e incendiária sobre as relações inter-raciais que se tornou um succès de scandale.» The Guardian
«Um livro em que o racismo não é sancionado, mas sobretudo instrumentalizado e alvo da ironia das personagens.»
Deutschlandfunk Kultur
Brilhante e provocador, traduzido em várias línguas, Como Fazer Amor com um Negro sem se Cansar (1985) é o romance de estreia de Dany Laferrière – em cujas páginas assistimos também ao nascimento de um escritor –, uma sátira feroz aos estereótipos e clichés racistas e às relações raciais na América do Norte. Explodiu como uma bomba no mundo francófono, consagrando um autor que continua a destilar irreverência e humor.

O Grito dos Pássaros Loucos 

Um drama autobiográfico sobre a violência de um país, o exílio e a liberdade de escrever.
1976, Haiti. O Grito dos Pássaros Loucos (2000), obra de maturidade do autor, narra o dia em que um mundo desaba e uma vida muda para sempre: as derradeiras horas de Ossos Velhos – alter ego de Dany Laferrière – em Port-au-Prince, antes de partir para o exílio no Canadá, e na sequência do assassínio do seu maior amigo pelas milícias do ditador Duvalier. A amargura da despedida e o doce aroma do café e do ilangue-ilangue fundem-se numa última ronda pelas ruas vibrantes da cidade, onde só uma pergunta ecoa: o exílio ou a morte?

Em Braga na Galeria Zet, comissariada por Helena Mendes Pereira. Este convite dirige-se a qualquer um que se encontre na região dia 11 de Março às 16:00h e que se queira juntar à inauguração de “Miriam Makeba: a pós-memória da luta pela Liberdade na obra da Ângela Ferreira”.

«Amílcar Cabral, uma Exposição», iniciativa da Comissão Comemorativa 50 anos 25 de Abril, estará patente no Palácio Baldaya, em Benfica, entre 16 de março e 25 de junho. Tem entrada livre e pode ser visitada todos os dias das 9h às 22h.

A exposição sobre Amílcar Cabral é inaugurada no ano em que passa meio século sobre o seu assassinato (1973, Conacri), e conta a história do revolucionário que – ao lado dos seus camaradas do PAIGC – contribuiu decisivamente para o fim do último império colonial europeu. Mostra objetos e correspondência de Cabral, mas também imagens, sons e textos que outras e outros lhe têm dedicado. É uma exposição sobre Amílcar Cabral e as suas vidas posteriores.

“Amílcar Cabral foi uma figura destacada do século XX cuja memória permanece, seja no imaginário político ou no nome das ruas de vários países do hemisfério Sul, da África do Sul ao Brasil. A sua vida é hoje motivo de renovado interesse em África, assim como nas periferias de capitais europeias, em universidades ocidentais ou nos principais canais televisivos mundiais”, explica José Neves, membro da Comissão Científica da iniciativa.

No Palácio Baldaya estarão 50 peças que permitem uma viagem pela vida do agrónomo e líder nacionalista, mas não só: “Cada uma das peças expostas leva-nos a momentos e lugares da vida de Cabral, enquanto indicia o tempo, o espaço e a experiência de quem o conheceu, vigiou, admirou, filmou, retratou ou cantou. Cabral está omnipresente, mas muitas das 50 peças que exibimos têm protagonistas próprios, da fotógrafa italiana Bruna Polimeni ao músico angolano David Zé, passando pelo líder ganês Kwame Nkrumah”, acrescenta o historiador.

A partir da exposição, a Comissão Comemorativa 50 anos 25 de Abril vai promover iniciativas diversificadas – mesas redondas, concertos, visitas guiadas e cinema –, incidindo sobre temas como liberdade, colonialismo, luta anticolonial e descolonização.

• Quinta-feira, 16 de março de 2023 16:00 
• Domingo, 25 de junho de 2023 21:55
• Palácio Baldaya 701A Estrada de BenficaLisboa, Lisboa, 1500-087 Portugal (mapa)

Quinta-feira, 16 de Março, às 18h30 na Tigre de Papel, Lisboa
Lançamento do livro com a participação da autora, de Ana Mafalda Leite e de Inês Ponte

Apostando na validade hermenêutica e no alcance crítico da análise interartística no estudo das literaturas africanas de língua portuguesa, este livro tem o objetivo de alargar o horizonte de conhecimentos sobre a literatura contemporânea de Angola, com vista a uma compreensão mais profunda da realidade cultural do país pós-2002.O estudo de tipo temático identifica e confronta, num corpus de mais de vinte obras de ficção e das artes visuais, as características do poder que se evidenciam na sua representação literária e artística, especificamente em três manifestações: o poder nas relações que se instauram no espaço e na sua organização; a personificação do poder na arena política e em figuras intermediárias ligadas às instituições estatais; a redefinição do poder em modalidades novas e alternativas. Desta observação emergem os três núcleos estéticos evocados no título e considerados como sendo subjacentes à contemporaneidade angolana.

No dia 14 de março, terça-feira, às 19:15, o Batalha Centro de Cinema recebe Manthia Diawara para a apresentação de uma palestra acompanhada da exibição do seu mais recente filme A Letter From Yene. Investigador, escritor e realizador natural do Mali, Diawara tem desenvolvido um prolífero e aclamado trabalho no campo dos estudos culturais negros, com enfoque no cinema negro e da diáspora africana.
Em A Letter From Yene — encomendado pela Serpentine Galleries (Londres) no âmbito projeto Back to Earth, dedicado à questão da crise ambiental —, o autor filma encontros e conversas com os habitantes da aldeia de Yene, no Senegal, seriamente afetados pela urbanização descontrolada e pela erosão da costa.
Esta palestra — moderada pelo curador Jürgen Bock — está integrada na primeira edição do ciclo A Minha História de Cinema, em que o Batalha convida personalidades que desenvolvem investigação e produção escrita em várias áreas do pensamento e que ligam essas essas práticas à realização de filmes. As próximas sessões terão como convidados Byung-Chul Han (Coreia do Sul) e Trinh T. Minh-ha (Vietname).
A entrada é gratuita, mediante levantamento de bilhete no dia da sessão a partir das 11:00.

Seminário #3 a  06 de março de 2023, 16h00 (GMT) por Maria Paula Meneses (CES)O ciclo As Tramas da Memória: datas para contar é organizado pela coordenação da linha de investigação Europa e o Sul Global: patrimónios e diálogos do Centro de Estudos Sociais da Universidade de Coimbra. O ciclo visa assinalar e refletir sobre datas menos sonoras, mas igualmente determinantes para a construção do 25 de Abril de 1974 e das independências dos países africanos de língua oficial portuguesa e de Timor-Leste. Os seminários decorrem online, sempre que possível na data a assinalar, todos os meses, pelas 16 horas, ao longo de 2023. Esta atividade está integrada na iniciativa do CES, «50 anos de Abril».

A VOARTE inicia este mês um novo ciclo de celebração dos 25 anos de percurso, com o objectivo de continuar o seu trajecto na criação e promoção cultural.

No dia e mês do início das comemorações dos 25 anos de percurso, a Vo’Arte apresenta a exposição Evidências: uma retrospectiva de A. Roque. Exposição comemorativa dos últimos 25 anos da Associação Vo’Arte com um tributo a A. Roque, que esteve presente desde a sua concetualização. Por uma seleção de imagens e objectos cuidadosamente escolhidos, é apresentada uma retrospectiva do trabalho produzido pela Vo’Arte, destacando o trabalho inovador e as contribuições para o panorama cultural português no último quarto de século.

Uma exposição que reflecte o olhar documental e artístico de A. Roque, mentor e impulsionador do nascimento da Vo’Arte, sobre o trabalho artístico que a estrutura tem vindo a desenvolver desde 1998.

Durante 15 dias serão dinamizados encontros com o público em momentos culturais e artísticos que remetem ao panorama artístico de que A. Roque faz parte.

20 Março – Inauguração . Performance

23 Março – Poesia

29 Março – Cinema

1 Abril – Música

3 Abril – Encerramento . Surpresa

Inaugura hoje, dia 4 de março a partir das 17h, na galeria THIS IS NOT A WHITE CUBE, em Lisboa, a inauguração da exposição do artista de origem angolana e cabo-verdiana, Francisco Vidal.Trata-se de um projecto totalmente inédito, que refle um dos mais ignotos aspectos do universo criativo do artista: a sua marcada ligação à música.
Todos os detalhes estão disponíveis no Press Kit. Esta exposição estará patente até 22 de Abril.

ICI JE SUIS DÉJÀ EN TRAIN DE DISPARAÎTRE de Ana Gandum

Photo-performance

10 de março, 19h30

Casa de Portugal – André Gouveia

Cidade Internacional Universitária – Paris

Entrada gratuita

aqui já está sumindo eu é uma acção performativa a partir de fotografias encontradas na rua, em casas em vias de demolição e em gavetas, álbuns e caixas de sapatos dos arquivos de família portuguesas no Brasil.

Em cena estará um dispositivo narrativo e visual em cadência de rapsódia, onde as imagens são convocadas enquanto actos postais, derivas, errâncias e fragmentos luminosos.

Criação e performance: Ana Gandum

Criação de luz e régie de som: Gisèle Pape

Vídeo e cenografia: Nina da Silva

Gravação e mistura de som: Filipe Ferraz no Estúdio 21

Fotografia de divulgação: Ana Marta

Co-produção: ICNOVA- NOVA Institute of Communication

Parcerias: Maison du Portugal – André de Gouveia, Camões – Instituto da Cooperação e da Língua

Galeria Avenida da Índia,  Curadoria: Nuno Silas e Titos Pelembe, 4.03 16h – Inauguração 17h – performance Hwati Massimba em colaboração com Yaw Tembe

 “Black Skin, White Masks: The Black Body in Presence” é uma exposição performativa, que tem como referência a proposta de Frantz Fanon desenvolvida no livro “Pele Negra, Máscaras Brancas”. A exposição integra trabalhos multidisciplinares de música, som, vídeo, instalação, fotografia e performance de artistas estabelecidos em Portugal e no contexto internacional. Buhlebezwe Siwani, Hwati Masimba, Rita GT e Valete exploram temáticas centradas nas questões de identidade, género, violência, espiritualidade, racismo quotidiano e temas sociais, onde o corpo é o lugar produtor de sentido(s). 

Esta exposição apresenta ideias e experiências subjetivas, comprometidas com o pensamento contemporâneo e o discurso decolonial, sendo composta por diferentes projetos artísticos e apresentando obras já realizadas, algumas das quais foram recriadas para o espaço expositivo. 

Um dos maiores desafios dos curadores nesta mostra foi, segundo os próprios, “repensar a curadoria da arte da performance como exercício decolonial, experimental e de liberdade. No momento presente – o século XXI - , o debate sobre o racismo em diferentes domínios na sociedade portuguesa, assim como no contexto internacional, incluindo as ex-colónias, mostra-se urgente.”

A inauguração conta uma performance Hwati Massimba.

Black Skin, White Masks. The Black Body in Presence pode ser vista na Galeria da Boavista, todos os dias das 10h às 13h e das 14h às 18h, até 14.05.2023.

Cortesia de Nuno Silas e Titos Pelembe.

Buhlebezwe Siwani trabalha com performance, fotografia, escultura e instalação. A obra de Siwani questiona o enquadramento patriarcal do corpo feminino negro e da experiência feminina negra no contexto sul-africano. Enquanto Sangoma iniciada, curandeira espiritual operando no espaço dos mortos e dos vivos, Siwani tem vindo a centrar a sua prática artística na ritualidade e na relação entre o cristianismo e a espiritualidade africana. Central ao seu trabalho é o seu próprio corpo, o qual opera em múltiplos registos como sujeito, objeto, forma, suporte, material, linguagem e lugar. Apesar de não numa aceção literal, o seu trabalho pode ser descrito como documentação de um conjunto diversificado de performances que se materializam através do vídeo, da fotografia, escultura, instalação e obras em papel.

Rita GT é uma artista crítica e interventiva que aborda temas como a memória, a identidade e a importância dos direitos humanos. O estilo de vida itinerante de Rita permitiu-lhe desenvolver um âmbito profundamente internacional na sua prática, valorizando sempre os pontos de vista históricos das muitas culturas com as quais entrou em contacto. O simbolismo colonial, recorrente no seu trabalho, define ainda mais sua própria identidade e linguagem artística. A artista usa imagens, palavras e performances para interrogar e experimentar, forçando os limites dos materiais que usa e os conceitos que aborda.

Valete é um rapper português de origem santomense. Desde cedo participou ativamente nos movimentos hip-hop em Portugal da década de 1990. É conhecido pela sua música de intervenção social, de esquerda, que retrata temas do tempo presente.

Masimba Hwati tem um mestrado pela University of Michigan-Ann Arbor e é candidato de doutoramento em práticas artísticas na Akademie der Bildenden Künste de Viena. Frequentou em 2019 a Skowhegan School of Painting and Sculpture. Estudou escultura no Harare Polytechnic, no Zimbabué. Encontra-se representado em coleções como as do Michigan Museum of Art (UMMA), Iziko-South African National Gallery, Montreal Museum of Fine Arts, Scott White Contemporary-San Diego, Jorge M Perez -Miami Florida, George R. Nnamdi - Detroit Michigan. National Gallery of Zimbabwe, Gervanne & Matthias Leridon. 

Nuno Silas é artista visual interdisciplinar e curador. A sua prática engloba a arte da performance, curadoria em performance art e pesquisa artística. Nuno participou em colaborações e pesquisas na Universidade de Bayreuth, na Alemanha, no Museu Natural de Berlim e no Humboldt Forum Berlin, bem como em espetáculos internacionais com bailarinos, artistas visuais e músicos. Formou-se em Artes Plásticas pela escola Escola Superior de Artes e Design Esad.CR. Em 2018, foi bolseiro na Fundação Gulbenkian para a realização de um mestrado em African Verbal and Visual Arts, Media and Curatorial Studies na Universidade de Bayreuth. Nuno Silas nasceu em Maputo e vive entre a Alemanha, Moçambique e Portugal.

Titos Pelembe, artista multifacetado, é ainda curador-investigador do coletivo de investigação artística Maputo Street Art, Repensar as Artes e mentor do grupo Polana Urban Creative Space - Galeria 3/4, sediada em Maputo. Dedica-se profissionalmente às artes plásticas desde 2004. Ao longo do seu percurso artístico, notabilizou-se principalmente no domínio da Escultura em Cerâmica de grandes formatos, entre outras disciplinas artísticas. Frequenta atualmente o doutoramento em Educação Artística e pós-graduação em Design de Tecnologias para a Saúde na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto. Foi vice-presidente do Núcleo de Arte (2016-2818), é Embaixador do Festival Internacional de Arte da Ilha de Moçambique e colabora com a Associação Kulungwana, Museu das Pescas, Visual Arts, entre outras organizações. Recebeu mais de uma dezena de prémios nacionais nas modalidades de Escultura, Desenho, Pintura, Banda Desenhada e Design Gráfico. Vive e trabalha entre Moçambique e Portugal.

Nesta 2ª edição, a AMPLA regressa à Culturgest com uma seleção de filmes premiados em 2022 nos principais festivais nacionais, entre os quais Curtas Vila do Conde, IndieLisboa, MOTELX e MONSTRA. É uma oportunidade única para ver o melhor cinema português e mundial, entre curtas e longas-metragens, desde documentários a filmes de terror, sem esquecer as sessões dirigidas ao público mais novo. Este ano a AMPLA abre também a sua programação às escolas.
Para ser o mais inclusiva possível, todos os filmes são exibidos com legendas descritivas, interpretação em língua gestual portuguesa e audiodescrição, convidando também as pessoas com necessidades específicas a desfrutarem das sessões. Estão também contempladas algumas sessões descontraídas que decorrem num ambiente mais relaxado.

Mais infos aqui.

Em parceria com a FNAC, o CBA lança o seu primeiro evento do ano: a 1ª edição do CBA TALK.

E para ser em GRANDE, o evento será mesmo no dia da mulher, de Março, com o tema: “Mulheres no mercado de trabalho”. 
É essencial ter comentários e experiencias variadas, desse modo estarão presentes várias oradoras, entre as quais:
-Joacine Katar Moreira,
-Conceição Queiroz
-Carina Cardoso
-Sandra Cardoso
-Jaqueline Varela
-Moderadora: Fundadora CBA Neusa Sousa.

O evento vai decorrer na FNAC Colombo e os lugares são limitados.

EXPOSIÇÃO

Alfredo Jaar, Colectivo Ayllu (Alex Aguirre Sánchez, Leticia/Kimy Rojas, Francisco Godoy Vega, Lucrecia Masson e Yos Piña Narváez), Frame Colectivo (Gabriela Salhe e Agapi Dimitriadou), Raquel Lima

As Galerias Municipais inaguram no próximo dia 24 de fevereiro, às 18h, na Galeria da Boavista, a exposição Emancipação do Vivente / Emancipation of the Living, com curadoria de Museum for the Displaced. Esta exposição coletiva resulta de uma colaboração entre as Galerias Municipais de Lisboa e a Galeria Municipal de Almada, ocupando simultaneamente dois espaços, um em cada uma destas cidades vizinhas e profundamente interligadas que, na última década, têm vindo a testemunhar um enorme movimento e mudança, incluindo um processo de rápida gentrificação.

A inauguração conta com duas perfomances, pelo Colectivo Ayllu e por Raquel Lima.

Emancipação do Vivente é a primeira exposição do Museum for the Displaced. As obras apresentadas oferecem diferentes pontos de partida para tópicos complexos relacionados com o deslocamento. Em Lisboa, as obras de Colectivo Ayllu, Raquel Lima, Alfredo Jaar e Frame Colectivo focam-se na Europa enquanto território colonizador, enquanto, em Almada, as obras de Frame Colectivo, Dima Mabsout, ETC e Filipa César refletem sobre questões relacionadas com o território, a expropriação e os direitos à habitação.

Manifestação Orgulho Crítico, QPOC. Bloco migrante antirracista, 28 Junho 2022. © Migrantes Transgresores / Colectivo Ayllu. Foto Yun Ping

curadoriaMuseum for the Displaceddata24.02.2023
– 28.05.2023horárioTodos os dias
10h-13h e 14h-18hlocalGaleria da Boavistagaleria da boavistainauguração: 18h
performance Colectivo Ayllu: 19h
+
performance “O Meu Útero Não está na Europa”: 19h30

Concepção: Raquel Lima. 
Captação de vídeo: Mónica Baptista, Odair Rocha e Raquel Lima. 
Captação de som: Danilo Lopes. 
Edição de som e vídeo: Sara Morais. 
Design gráfico: Mónica Monteiro. 
Desenhos: Daniela Rodrigues. 
Sonoplastia: Sara Morais, Kwame Write, Revy Boadu, mix/master by Drumnayshin of DNWE studios. 
Curadoria: Museum for the  Displaced. 
Parceria: Galerias Municipais de Lisboa – Galeria da Boavista / EGEAC.

Raquel Lima: ”é o início de uma investigação epigenética, holística e artística sobre a relação entre a ancestralidade uterina e movimentos intuitivos na busca de práticas de autocuidado, cura e libertação.”

“A VOLTA A MUNDO EM 80 CATÁSTROFES – Especial Portugal” é um livro/guia
turístico irónico que mapeia monumentos e memoriais erigidos a
catástrofes (Colonialismo, epidemias, guerras, feminicidios, etc) em
todo o mundo e com um importante capítulo especial sobre monumentos em
Portugal.Tambem será projetado o documentario/road-movie “Monumento Catástrofe”,
filmado ao longo de mais de 10.000 km em Portugal. No final da sessão será oferecido aos presentes o livro-guia

PROGRAMAÇÃO 1 de MARÇO MUSEU DO ALJUBE
18:00 -  projeção do documentário “Monumento Catástrofe” (Coletivo Left
Hand Rotation / 2022 / 69 minutos). Um road movie em Portugal, uma viagem pelos

espaços da catástrofe, num movimento contra a dupla paralisia do
desespero e da indiferença. Transitar entre as histórias contidas nos
monumentos em memoria das mortes coletivas expande o olhar sobre o
acontecimento para além da sua capacidade disruptiva, revelando a
catástrofe como a manifestação de um processo em curso, o Capitaloceno.

19:00 - Apresentação e conversa aberta sobre o livro-guía “A volta ao
mundo em 80 catástrofes - Especial Portugal”. 

Muitas vezes visto como elemento ornamental, o monumento público à
catástrofe está, no entanto, carregado de ideologia e valores
funcionais, servindo mais para legitimação do poder estabelecido do que
para a reparação das comunidades afetadas pelas catástrofes. Esta função
é evidente não só no caráter seletivo da homenagem à memória, mas também
na prática do esquecimento, que classifica a tragédia de acordo com a
qualidade das vítimas ou evita deliberadamente a revisão histórica das
atrocidades do Ocidente. Sintomática desta utilidade é a constante
modifi cação simbólica de muitas destas esculturas, cujas alterações
acompanham a evolução ideológica dos territórios em que foram erigidas.

“A VOLTA A MUNDO EM 80 CATÁSTROFES” é um projeto do coletivo Left Hand
Rotation produzido pela Cósmica